The Continental Season 1 Marketing Shoot - Feb 20-22 2022
Prime Video ha desvelado las primeras imágenes de los personajes y elenco de la nueva serie precuela The Continental: From the World of John Wick, dividida en tres partes, que explorará el origen del icónico hotel de asesinos, la pieza central del universo de John Wick.
Además, para celebrar este anuncio, la galardonada ilustradora Yuko Shimizu ha compartido con los fans un fan art especial, declarando:
Soy una gran fan de John Wick, así que el hecho de que Prime Video se pusiera en contacto conmigo para colaborar en este proyecto fue una oportunidad realmente emocionante. El Hotel Continental es una parte vital de la franquicia John Wick, así que con esta obra de arte quería mostrarlo como el personaje principal de la historia, tal y como lo hace la serie de una manera tan brillante, e insinuar lo que está por venir para el público. Hay peligro, hay intriga, hay drama: todo lo que los espectadores descubrirán al cruzar las puertas de The Continental y ver cómo se desarrolla la historia del origen de Winston.
La serie The Continental: From the World of John Wick sigue a un joven Winston Scott, quien se ve arrastrado al infierno del Nueva York de los años 70 para enfrentarse a un pasado que creía haber dejado atrás. Winston traza una ruta mortal a través del misterioso submundo del hotel en un angustioso intento de apoderarse del hotel en el que finalmente ocupará su trono.
Colin Woodell se mete en la piel de Ian McShane para interpretar al joven Winston, mientras que el recién llegado Ayomide Adegun toma el manto del fallecido Lance Reddick como Charon. The Continental: From the World of John Wick también está protagonizada por Mel Gibson, Mishel Prada, Jeremy Bobb, Ben Robson, Nhung Kate, Jessica Allain y Hubert Point-Du Jour.
Conociendo al reparto de The Continental…
WINSTON SCOTT, interpretado por Colin Woodell
Guapo, listo, tranquilo y sereno, Winston es un inteligente hombre de negocios que piensa de forma original. Hasta que un suceso traumático lo pusiera en el punto de mira de la ley, Winston trabajaba como un exitoso hombre de negocios en Londres, hasta que un capo de la mafia de su pasado, Cormac, lo envía en una búsqueda para encontrar a su hermano, Frankie.
CHARON, interpretado por Ayomide Adegun
Cuando conocemos al joven Charon, es un ayudante de confianza de Cormac. A lo largo de los acontecimientos de la serie, las lealtades de Charon se pondrán a prueba y tendrá que elegir entre su protector y una posible nueva familia.
CORMAC, interpretado por Mel Gibson
Una fuerza intimidante, despiadada, brutal, pero como mucho encanto, Cormac es un capo de Nueva York y el actual gerente del Hotel Continental. Cormac tiene una historia con Winston y Frankie Scott, y cuando Frankie roba algo de inmenso valor para sus superiores, Cormac arrastra a Winston de nuevo al submundo criminal. Seguiremos a Cormac a medida que su desesperación aumenta y su locura e ira se desbordan.
KD y MAYHEW, interpretados por Mishel Prada y Jeremy Bobb
KD (Mishel Prada) es una detective de la policía de Nueva York que no tiene paciencia con la corrupción que reina en el cuerpo. Decidida a descubrir las actividades criminales de la ciudad, impulsada por sus propios intereses personales, KD se adentrará en el mundo de El Continental y acabará encontrándose cara a cara con un fantasma de su pasado.
Mayhew (Jeremy Bobb) es también detective de la policía de Nueva York y superior de KD, aunque su relación es más compleja de lo que parece. Casado y con hijos, Mayhew siente debilidad por KD y le advierte que se mantenga alejada del Hotel Continental.
FRANKIE y YEN, interpretados por
Frankie es el hermano mayor de Winston y un asesino nato. Mientras Winston se convirtió en un exitoso hombre de negocios londinense, Frankie se alistó en el ejército y fue enviado a Vietnam. A su regreso, Frankie se convierte en uno de los hombres de confianza de Cormac, antes de robar un objeto de valor incalculable del corazón del Hotel Continental, poniendo en marcha un complot que le reunirá con su hermano Winston. Frankie no sabe que su acto de rebeldía alterará el equilibrio de poder del Hotel Continental en los años venideros.
Yen es la esposa de Frankie y está dispuesta a soportar cualquier dificultad para estar con él, incluida la de vivir bajo tierra y fuera del sistema después de que él robe algo que les pone a ambos en grave peligro. Yen, que desconfía profundamente de todo el mundo, se sorprende al enterarse de que Frankie tiene un hermano perdido, Winston. Yen es una feroz luchadora que no se detendrá ante nada para proteger a sus seres queridos, representa las segundas oportunidades y la familia que encuentras. También es la luchadora más letal de todo el grupo.
LOU y MILES, interpretados por Jessica Allain y Hubert Point-Du Jour
Inteligente e intrépida, Lou es experta en las artes marciales y dirige el dojo que su padre les dejó a ella y a su hermano, Miles. Por desgracia, el dojo no es rentable, y Lou debe aceptar a regañadientes trabajar con su hermano en su peligrosa red de tráfico de armas. Siempre pacifista, Lou se niega a usar armas, pero ese credo será puesto a prueba.
Duro, leal e inteligente, Miles es un veterano de Vietnam que se introdujo en el tráfico de armas mientras luchaba en el extranjero en una guerra de la que no quería formar parte y para un país que no le respetaba por ser negro. Miles es traficante de armas con sus compañeros veteranos Frankie y Lemmy, y con su reticente hermana Lou. Miles justifica su peligroso negocio como la única forma de mantener abiertas las puertas del dojo de su difunto padre.
The Continental: From the World of John Wick estará disponible en todo el mundo (a excepción de Estados Unidos) en Prime Video el próximo mes de Septiembre.
Prime Video ha anunciado que la esperada serie Zorro, con Miguel Bernardeau (Élite) y Renata Notni (La Venganza de las Juanas) se estrenará en la primera mitad de 2024 en España, América Latina, Estados Unidos, Andorra y Portugal.
Creada por Carlos Portela, y rodada en las Islas Canarias, Zorro sigue las aventuras del clásico héroe, El Zorro, con un enfoque moderno y global que conquistará a las nuevas generaciones. El reparto, compuesto de talento español y mexicano, da vida a esta leyenda como un símbolo de la justicia y defensor de los oprimidos.
Javiera Balmaceda, Head of Local Originals LATAM, ha confirmado:
En Prime Video estamos entusiasmados de colaborar con Secuoya Studios para dar vida a este nuevo Zorro. Es un privilegio poder presentar una historia tan emblemática y amada. Deleitaremos a nuestros clientes con toda la acción, heroísmo y los más altos valores de producción que se esperan del Zorro. Este show reafirma nuestro compromiso con la creación de contenido original y de calidad.
Por su parte, David Martínez, director de ficción en Secuoya, expresó su entusiasmo:
Después de ocho meses de grabación en Gran Canaria y en medio de la fase final de postproducción, esperamos el debut de la serie durante la primera mitad del 2024. Creada por Carlos Portela y dirigida por Javier Quintas, Jorge Saavedra y José Luis Alegría, esta producción representa una innovadora revisión global del clásico héroe. Creemos firmemente que su debut en Prime Video será un éxito, consolidando esta gran apuesta como una de las más notorias entre los lanzamientos del próximo año.
La serie Zorro llegará a nuestras pantallas con una visión fresca y actualizada del personaje clásico, producida por David Martínez, David Cotarelo, Ángela Agudo, Sergio Pizzolante, Andy Kaplan, Jesús Torres-Viera, John Gertz y Glenda Pacanins.
Najwa Nimri (La casa de papel, Vis a vis) y Alba Planas (Días mejores, Skam España) serán las protagonistas de la próxima película original de Prime VideoHildegart, interpretando a Aurora e Hildegart Rodríguez Caballeira respectivamente. Aixa Villagrán (La chica de nieve, En los márgenes) en el papel de Macarena, Patrick Criado (Bajo cero, Antidisturbios) como Abel Vilella y Pepe Viyuela (García y García, La caza. Monteperdido) en el papel de Guzmán completan el reparto de la película.
Hildegart es concebida y educada por su madre Aurora para ser la mujer del futuro, convirtiéndose en una de las mentes más brillantes de la España de los años 30 y uno de los referentes europeos sobre sexualidad femenina. A sus 18 años, Hildegart comienza a experimentar la libertad y conoce a Abel Vilella, quien le ayuda a explorar un nuevo mundo emocional y a desmarcarse del férreo nido materno. Aurora teme perder el control sobre su hija y hace todo lo posible por impedir que Hildegart se aleje. Las dos mujeres se enfrentarán durante una noche de verano de 1933 poniendo fin al “Proyecto Hildegart”.
Hildegartes una película basada en hechos reales que mezcla drama histórico, romance, thriller y un toque de true crime y se empezará a rodar próximamente en Madrid. Está dirigida por Paula Ortiz (La novia, De tu ventana a la mía), producida por María Zamora de Elastica Film y Stefan Schmitz, de Avalon y cuenta con Eduard Sola y Clara Roquet como guionistas.
Nadie lo dudaba, pues toda película de Disney y Pixar acostumbra a arrasar en cines, y ya se ha confirmado que Elementalha sido número 1 en cines con 1,88 millones de euros de recaudación en su primer fin de semana en España.
Esta recaudación ha supuesto el 33,77% del total del mercado el fin de semana, habiendo sido vista por más de 280.000 personas en nuestro país desde su estreno en España el pasado viernes 14 en 715 pantallas de cine.
Del top 5 de taquilla, 2 títulos son de The Walt Disney Company, con Elemental en el número 1 e Indiana Jones y el Dial del Destino en el número 3.
A nivel mundial, Elemental alcanza ya los 311 millones de dólares de recaudación y es la película de animación más taquillera de Disney desde Frozen 2.
Elemental es una película original ambientada en Ciudad Elemento, donde conviven los residentes de Fuego, Agua, Tierra y Aire. La historia presenta a Candela, una ingeniosa y temperamental joven cuya amistad con Nilo, un chico divertido y sentimental, va a poner a prueba sus creencias sobre el mundo en el que viven. Dirigida por Peter Sohn, nace a partir de un guion de John Hoberg, Kat Likkel y Brenda Hsueh y una historia de Sohn, Hoberg, Likkel y Hsueh.
Los pornógrafos (Jinruigaku nyumon: Erogotoshitachi yori / The Pornographers), también conocida en castellano bajo el título El pornógrafo, es un drama japonés que está dirigido por Shôhei Imamura, el cual co escribe el guion junto a Koji Numata, adaptando una novela de Akiyuki Nosaka. La historia muestra a un hombre que mantiene una relación con una mujer viuda, que tiene un hijo y una hija adolescentes. Aunque la mujer cree que él se dedica a la venta de instrumentos quirúrgicos, en realidad sus ingresos provienen de la elaboración y venta de material pornográfico. Está protagonizada por Shôichi Ozawa, Sumiko Sakamoto, Masaomi Kondo, Keiko Sagawa, Ganjiro Nakamura, Chocho Miyako, Haruo Tanaka y Shinichi Nakano.
El auge del «Pinku Eiga» entre la represión y la insatisfacción de una sociedad inmadura
Los pornógrafos es una polémica película que ahonda en clave cómica en la eterna fascinación de Shôhei Imamura por lo obsceno y los tabúes sexuales en la sociedad japonesa de posguerra. Adaptando libremente una novela de Akiyuki Nosaka, el mismo autor del cuento corto «La tumba de las luciérnagas», el director japonés lanzó una mirada corrosiva hacia el mundo del cine erótico como representación de los anhelos y perversiones inherentes a la condición humana.
La película se sitúa en un contexto histórico muy marcado debido a las secuelas dejadas por la Segunda Guerra Mundial y la ocupación estadounidense de la que aún perduraban vestigios a través del control de bases militares en Okinawa o Iwo Jima. Todo eso coincidió con una etapa de bonanza económica denominada «el milagro japonés» que, sin embargo, Imamura siempre contempla en su cine desde el desabrimiento absoluto al concentrarse en los estratos sociales más bajos donde la situación era mucho menos esperanzadora.
Fue a principios de los años 60 cuando surgió el subgénero cinematográfico «Pinku Eiga» en contraposición a la creciente censura sexual del gobierno del país, dando lugar a películas de explotación enfocadas hacia un público masculino que podía dar rienda suelta a tantos años de represión recreándose con escenas de sexo de carácter violento o prohibido. Los pornógrafos es el desencantado e irónico retrato de una sociedad adicta al sexo cuya irreverencia oculta una reflexión mucho más profunda acerca de los deseos insatisfechos.
Los protagonistas y sus fantasías
Los pornógrafos sigue las peripecias de Ogata (Shôichi Ozawa), un hombre de mediana edad que convive con una viuda, Haru (Sumiko Sakamoto), y sus dos hijos adolescentes, Koichi (Masaomi Kondo) y Keiko (Keiko Sagawa), haciendo creer a su familia que se dedica a vender instrumentos quirúrgicos cuando en realidad trabaja realizando vídeos pornográficos y en el negocio de la prostitución. Imamura traza de forma constante a través de la puesta en escena un paralelismo entre la mirada de su protagonista y la propia mirada del espectador, se trata de un ejercicio primerizo de metacine muy provocador para la época que cuestiona sin tapujos los tabúes sexuales existentes en la sociedad a través de los deseos ocultos que bullen en el interior de cualquier individuo (nosotros mismos).
Por eso durante la primera secuencia asistimos junto a «los pornógrafos» del título al visionado de una de las películas que han filmado hasta que esas imágenes se fusionan en pantalla con la imagen de la casa de Ogata para así introducirnos en la historia familiar que vertebrará el hilo conductor de la película. La ficción y la realidad de los personajes volverán a cohesionarse en una de las secuencias de la parte final cuando Haru, ya ingresada en un centro psiquiátrico, (re)imagina la visita de la novia de su hijo como si se acercara a ella realizando un striptease. La sexualizada presencia de la nuera queda enmarcada, en un momento dado, por las paredes del hospital como si se tratara de un fotograma cuadrado en Súper-8 perteneciente a cualquiera de las películas eróticas realizadas por su marido.
Esas dos escenas de apariencia inconexa sirven para conformar un discurso común sobre cómo nuestras fantasías están ligadas a las obsesiones cotidianas y, por ende, el cine es un vehículo perfecto para desarrollarlas.
El espectador voyeur
En ese sentido, Ogata y Haru, forman una pareja peculiar que se ama mientras son observados en todo momento por una carpa desde una pecera que la mujer considera la reencarnación de su difunto esposo. Es el ojo inquisidor que censura cualquier acto impúdico que puedan realizar como analogía de la propia censura social y cinematográfica existente en aquella época. Todas las relaciones sexuales planteadas en la película adquieren, entonces, un componente clandestino y/o intolerable para reflejar los más bajos instintos de las personas. Por ejemplo, Koichi mantiene una relación edípica con su madre mientras que Ogata se siente cada vez más atraído por su hijastra adolescente.
Incesto, pederastia, prostitución o violación marcan las relaciones de todos los personajes, tanto dentro como fuera de la pantalla, de manera que el rodaje de una perturbadora escena que acontece entre un padre y su hija retardada a la que él explota sexualmente obtendrá una continuación lógica en la propia vida de Ogata cuando éste regrese a casa vistiendo la bata de doctor que llevaba el actor portando en una percha, además, el uniforme de colegiala que había cogido prestado a su hijastra para filmar la película. El cine nuevamente como representación perpetradora de los deseos insatisfechos.
Imamura construye en Los pornógrafos toda una narrativa visual fascinante que coloca al público en una posición voyerista casi hitchcockiana mediante encuadres de cámara filmados a través de ventanas o desde el resquicio de las puertas. Son planos furtivos que nos hacen observar desde lejos, desde el exterior, a través de planos enmarcados o cuya visión queda dificultada por la presencia de objetos. ¿Qué es un cinéfilo sino un voyeur? La película nos propone un juego perverso y ambiguo donde el director considera lo erótico como una prolongación del subconsciente humano confrontándose a sus condicionamientos morales.
El cine erótico es la excusa
El director japonés renuncia en Los pornógrafos a la severidad dramática que había en Intento de asesinato (1964), apostando abiertamente por la comedia absurda y esperpéntica. Sin embargo, eso no impide que siga tratando temas recurrentes en su cine como son la codicia humana («el dinero es lo único de lo que puedes fiarte hasta la muerte») o las diferencias de clase y género en una sociedad patriarcal tan imperfecta como los propios individuos que la componen. Imamura equipara las acciones de hombres y animales al considerar que son guiadas por sus instintos más primarios, la única diferencia es la consciencia de lo pecaminoso que convierte el sexo humano en algo sucio y libidinoso que puede finiquitar nuestra cordura al convertirse en obsesión (la mente de Haru se resquebraja mientras que Ogata acaba transformado en una suerte de anacoreta sexual).
No se profundiza demasiado en el significado que tuvo el auge del cine erótico dentro de la cultura japonesa de la época. El «Pinku Eiga» más bien es una excusa para caracterizar las obsesiones de los personajes, por ejemplo, más allá de realizar ese tipo de películas el protagonista es un proxeneta que consigue jóvenes vírgenes (prostitutas que fingen serlo) a viejos verdes con dinero. La explotación de las mujeres a través de la pornografía o la prostitución, en especial mujeres de clase baja o sin recursos, es una representación sintomática de la violencia patriarcal derivada de tradiciones ancestrales que seguían perpetrando el dominio masculino o la sumisión femenina en una sociedad japonesa presuntamente avanzada que de puertas afuera se mostraba abierta al progreso y la modernidad occidental. Como siempre, Imamura, se muestra implacablemente crítico sin casi parecerlo.
La muñeca sumisa y la masculinidad impotente
Todo lo comentado con anterioridad deriva hacia un desenlace berlanguiano en que Ogata fabrica una muñeca a tamaño natural imitando el cuerpo de su hijastra. Es un acto final hilarante donde la mujer queda reducida a un mero objeto sexual sobre el que verter el poder de la masculinidad, pero la auténtica ironía es que el protagonista se ha vuelto impotente y otro de los pornógrafos tiene evidentes inclinaciones homosexuales no resueltas. El deseo que acucia a hombres y mujeres es observado por Imamura de manera distinta. En los hombres es algo básico, un impulso físico irrefrenable, sin embargo, en las mujeres resulta más complejo y emocional como ya reflejó con maestría en la citada Intento de asesinato.
Respecto a eso, tenemos una curiosa escena filmada desde los ventanales exteriores de unas oficinas donde vemos, al mismo tiempo, a unos hombres arremolinados observando fotografías eróticas en una sala mientras en la contigua las mujeres se encuentran trabajando ajenas a todo ello. Algo similar ocurre al final de la película cuando Ogata sucumbe a sus obsesiones de siempre perdiéndose en un horizonte sin retorno a la par que su hijastra Keiko ha madurado y ahora regenta una exitosa peluquería. Podría definirse como otro final donde las mujeres de Imamura, y en concreto las nuevas generaciones, salen vencedoras demostrando su capacidad de adaptación y resistencia dentro de los entresijos de una sociedad que las ningunea.
Los pornógrafos es una película de apariencia ligera que destila un sentido del humor irreverente e incómodo que puede convertirla aún hoy en día en una obra controvertida por su retrato de temas tabúes asociados a la sexualidad, sin embargo, la ingeniosa puesta en escena de Shôhei Imamura la convierte en un filme visualmente asombroso con muchos matices a estudiar.
Las herederas de John Wick viven en Japón y van a la escuela secundaria. Ahora deberán enfrentarse a su misión más imposible: compartir piso. Baby Assassins es una película de acción y tiros con coreografías imposibles y sangre, mucha sangre. Dirigida por Yûgo Sakamoto, está protagonizada por Mone Akitani, Yukina Fukushima, Saori Izawa, Atom Mizuishi, Masanori Mimoto y Masayuki Inô. La película se estrena el 14 de julio de 2023 en Filmin.
La extraña pareja… asesina
En Baby Assassins, Chisato y Mahilo son dos estudiantes de secundaria que están a punto de graduarse. Pero resulta que también son asesinas altamente cualificadas. Cuando la organización para la que trabajan les ordena compartir habitación, la relación entre ellas se tensa. Sin embargo, cuando se ven amenazadas por la mafia yakuza, se dan cuenta de que tendrán que encontrar una forma de trabajar juntas.
Saori Izawa da vida a Mahiro, una joven tímida y muy introvertida, propensa a la incomodidad social, mientras que en el polo opuesto nos encontramos a Akari Takaishi como la adorable Chisato, una joven extrovertida, burbujeante y muy «kawai», dos perfiles muy opuestos y aparentemente incompatibles, pero en pareja funcionan de maravilla tanto asesinando como entreteniendo al espectador. Sorprendentemente, tanto Izawa como Takaishi hacen su debut como actrices con esta película, tras un tiempo trabajando como especialistas de cine, y es una gran carta de presentación.
Dos personajes tan opuestos obligados a compartir apartamento es algo muy visto en comedias, pero aquí se incorpora un elemento sorpresa, pues ambas son asesinas y deben vivir en sociedad ocultando sus verdaderas profesiones con trabajos de todo tipo como tapadera. El guion de Sakamoto incorpora una refrescante e inesperada visión feminista que empodera a la película para veamos a las protagonistas como verdaderas asesinas sin remordimientos por la falta de conciencia social.
Cuando la acción no impide la comedia, ni viceversa
Aunque sea una película de acción, y ofrezca al espectador una verdadera delicia de coreografías imposibles y mucha adrenalina al más puro estilo John Wick con el contraste de ver a dos jovencitas japonesas siendo las asesinas, el verdadero motor de la película es la comedia que surge de la complicada relación de Mahiro y Chisato mientras intentan adaptarse a sus nuevos puestos de trabajo, siendo las entrevistas de trabajo los momentos más hilarantes de la película.
La parte de acción cumple con lo que cualquier amante del género esperaría ver, apreciándose cada puñetazo, patada o disparo fácilmente gracias al uso de tomas largas, mientras que la historia de las dos jóvenes divierte como cabría esperar en una comedia japonesa, y la combinación de ambas partes crea una película divertida y sorprendente que merece la pena tanto si se llega por querer ver una película de acción de la yakuza como si se espera pasar un rato entretenido con situaciones surrealistas.
Obviamente la dificultad de encontrar un trabajo digno y asegurarse un futuro tiene un importante peso en la película, pues no solo reflejan la sociedad complicada en la que vivimos sino también los problemas de una pareja de la generación Z totalmente estereotipada para salir adelante, pero no han buscado que este mensaje esté demasiado remarcado para evitar una tercera parte en la película que nos despiste demasiado de los ejes centrales.
Cuando no hay dinero, hay creatividad
Baby Assassins no luce un aspecto de película de gran presupuesto, y eso en la comedia no es un problema pero en la acción parece que últimamente se requiere de grandes efectos especiales para elevar el nivel de las peleas y persecuciones. La película suple con creces la carencia de dinero con una puesta en escena cuidada y una fotografía luminosa que ambienta a la perfección las bien coreografiadas escenas de acción, tanto de peleas cuerpo a cuerpo como en los tiroteos, aunque quizás se note en exceso el CGI en la sangre.
Igualmente, gracias a su ingenioso guion, las carencias económicas de la película no se notan en la sucesión de escenas hilarantes ni cuando se esfuerzan en mostrar la tierna historia de amistad y el paso a la madurez de estas jóvenes que tratan de encontrar su lugar en este caótico mundo (de yakuzas).
Baby Assassins es una delicia de película de acción tan divertida como explosiva que, sin necesidad de un gran presupuesto, da con creces lo que promete a quienes adoramos esta combinación de géneros.
En unos tiempos en los que el panorama cinematográfico mundial parece estar dominado por el ruido y la furia, algo de lo que no se escapa el cine europeo, hay realizadores que se empeñan en seguir contando historias personales, de gente común, a través de las cuales exploran las ideas, las emociones y los sentimientos que dan sentido a la existencia humana. Aunque afortunadamente existen múltiples ejemplos, hemos querido centrarnos en un caso paradigmático, el de la directora francesa de raíces danesas Mia Hansen-Løve, de quien cuenta la leyenda que rechazó una astronómica oferta de Marvel para dirigir Viuda negra y prefirió seguir haciendo las personalísimas películas con las que desde 2007 ha ido componiendo una coherente filmografía que, además de un par de cortometrajes, alcanza la nada desdeñable cifra de ocho películas en quince años.
Desde No es cine todo lo que reluce, nos hemos planteado hacer un ciclo repasando todas sus películas (bastante accesibles en España gracias a ediciones en DVD de gran parte de ellas y a la plataforma FILMIN que incluye en su catálogo seis de sus títulos) con una serie de reseñas críticas que iremos publicando durante las próximas semanas. Sirvan estas líneas como una introducción al ciclo en la que trataremos de dilucidar las claves temáticas y estilísticas de un cine tan profundamente humanista como coherente en sus planteamientos formales.
Apuntes biográficos
Parisina nacida en 1981, su apellido delata su ascendencia danesa por parte de abuelo paterno. Hija de un matrimonio de profesores de filosofía, fue precisamente esta su primera dedicación académica junto al alemán.
Su llegada al cine se produjo como actriz con su temprana aparición en dos películas: Finales de agosto, principios de septiembre (1998) y Les Destinées sentimentales (2000), ambas dirigidas por el realizador francés Olivier Assayas con quien mantuvo una relación hasta 2017, fruto de la cual nació su primera hija. A pesar de que inició estudios de interpretación, no apareció en más películas y una vez abandonada su breve carrera como actriz, entró a formar parte de la redacción de la prestigiosa revista Cahiers du Cinema donde ejerció la crítica cinematográfica entre 2003 y 2005.
Es decir, estamos ante una actriz y crítica de cine que decidiría dedicarse a la dirección cinematográfica donde, finalmente, ha conseguido asentar una sólida carrera como realizadora.
Si atendemos a las declaraciones de la propia Hansen-Løve en numerosas entrevistas, sus principales referentes cinematográficos son Ingmar Bergman, Robert Bresson, François Truffaut y Éric Rohmer que es con el que más se la compara en las críticas sobre sus películas. Su devoción por Bergman la llevó a realizar La isla de Bergman filmada íntegramente en la isla de Farö donde el cineasta sueco vivió los últimos años de su vida.
Mia Hansen-Løve como actriz en Finales de agosto, principios de septiembre (Olivier Assayas, 1998)
Principales inquietudes temáticas
Aunque Mia Hansen-Løve ha negado en repetidas ocasiones que sus películas sean autobiográficas, sí ha reconocido que en todas o la mayoría de ellas hay un componente personal que sirve como punto de partida argumental. Varias de ellas, como veremos más adelante, están inspiradas en personas de su familia o de su entorno.
Una de las principales preocupaciones temáticas de Mia Hansen-Løve es el efecto del paso del tiempo, pero no desde el punto de vista físico sino del personal. Es decir, prácticamente todas sus películas cuentan una historia que transcurre a lo largo de varios años durante los cuales los personajes evolucionan, maduran, cambian su visión de las cosas y superan (o no) sus crisis vitales. En cambio, no hay un esfuerzo por mostrar la evolución física de los personajes que son habitualmente interpretados por los mismos actores durante toda la película a pesar de que pasen varios años, con la única excepción de la Pamela de Todo está perdonado interpretada durante la primera parte del film por la niña Victoire Rousseau y once años después por Constance Rousseau.
Otro de los temas nucleares en sus películas son los vínculos familiares y las interferencias entre el trabajo y la familia. En las películas de Mia Hansen-Løve siempre sabemos en qué trabajan sus personajes protagonistas. En este sentido es fundamental la vocación por aquello a lo que se dedican sus protagonistas, desde el productor de cine de El padre de mis hijos o el DJ de Eden: Lost in Music a la profesora de filosofía que interpreta Isabelle Huppert en El porvenir, el reportero de guerra de Maya, los cineastas de La isla de Bergman o la traductora de Una bonita mañana. “La vocación, dependiendo de cómo se viva, puede ser una forma de libertad o, todo lo contrario, una esclavitud” ha llegado a decir la directora en alguna ocasión.
La crisis existencial: todos los personajes protagonistas de Mia Hansen-Løve atraviesan una situación de crisis, ya sea personal, familiar, profesional o de todo al mismo tiempo, todos se encuentran en una encrucijada vital ante la que deben decidir si se rinden (de ahí la casi permanente sombra del suicidio planeando sobre sus films) o rompen con su situación y buscan soluciones a través de sí mismos, de nuevas relaciones, de viajes a otra ciudad u otro país, de cambios de trabajo. Es decir, son personajes enfrentados a cambios radicales y que, por tanto, dudan.
La pérdida de seres queridos, fundamentalmente de la figura paterna, algo presente en las dos primeras películas en la que Pamela pierde a Víctor en Todo está perdonado y Clémence pierde a Grégoire en El padre de mis hijos. Tema al que volverá de manera mucho más sustancial en Una bonita mañana en la que la vivencia de esta (anticipada) pérdida ocupa el tema central de la película. También en El porvenir, la protagonista Nathalie (Huppert) vive la pérdida de su madre, tras una breve estancia en una residencia de ancianos, de forma similar a lo que ocurrirá en Una bonita mañana.
La principal preocupación de Mia Hansen-Løve son sus personajes, todos en general y los protagonistas en particular. Aunque todas sus películas son de ficción, es frecuente (por no decir constante) que sus protagonistas estén inspirados en personajes reales, generalmente de su entorno o su propia familia. No cabe duda que el Grégoire Canvel de El padre de mis hijos está inspirado en el productor francés Humbert Balsan, o que el Paul de Eden: Lost in Music está inspirado en su hermano Sven con quien coescribió el guion. Nathalie, protagonista absoluta de El porvenir a la que interpreta Isabelle Huppert está inspirada en su madre, también profesora de filosofía. En Maya, aunque Gabriel no esté directamente basado en el abuelo de la directora, sí está inspirado en las historias que, sobre él, también reportero de guerra, oía contar a su madre y a su abuela. En La isla de Bergman no es difícil encontrar ecos de la relación de pareja que la propia directora vivió durante más de una década con el realizador francés Olivier Assayas, veintiséis años mayor que ella y padre de su primera hija. Por último, en Una bonita mañana, su más reciente film, el personaje de Georg interpretado por Pascal Greggory está basado en su padre. Esto hace que la propia Mia Hansen-Løve esté presente en sus películas de forma más o menos notoria, aunque sus personajes estén siempre recreados para la ficción.
Sus argumentos, a pesar de la pesada carga dramática, siempre ofrecen un rayo de luz, una posible vía de salida hacia un cambio de vida y no es extraño que sus finales tengan un tono luminoso o dejen, al menos, una puerta abierta al optimismo. Es habitual que sus personajes, a los que nunca juzga desde la realización, alcancen la libertad librándose de aquello que les atormenta, sea el desamor, la enfermedad de un progenitor, el bloqueo creativo, el estrés postraumático o las deudas económicas, algo para lo que, previamente, han de perdonarse a sí mismos o a los demás.
Rasgos estilísticos en el cine de Mia Hansen-Løve
Dos de los principales rasgos de estilo del cine de Mia Hansen-Løve derivan directamente de una de sus principales preocupaciones temáticas, el paso del tiempo. Estos dos principios formales que en sus primeras películas son innegociables y se han ido relajando en sus últimos films son el empleo de elipsis como elemento narrativo y la costumbre (casi obsesiva) por fechar sus películas.
Las elipsis son una constante de sus primeras películas, sin embargo, no provocan una excesiva fragmentación del relato salvo en Eden: Lost in Music, probablemente la única película en la que generan cierta confusión puesto que apenas hay continuidad en la sucesión de secuencias con saltos en el tiempo. Sin embargo, a pesar de esta preocupación por el paso del tiempo, no hay flashbacks en ninguna de sus películas. Las evocaciones al pasado son siempre mucho más sutiles, mediante fotografías o temas musicales como la canción de cuna con la que Pamela recuerda su infancia en Todo está perdonado cuando regresa en el autobús tras el reencuentro con su padre.
Mia Hansen-Løve tiene una clara tendencia a datar sus películas. La mayoría de ellas comienzan con algún rótulo que sitúa al espectador en el lugar y en el tiempo y, a lo largo del film, el metraje es salpicado por más anotaciones que precisan el tiempo transcurrido y, si lo ha habido, el cambio de ciudad. Esto es particularmente notorio en Eden: Lost in Music donde los intertítulos son casi constantes, en otras películas, sin embargo, son imágenes como la hoja de un calendario o frases del guion en boca de algún personaje las que informan al espectador de los años pasados, tal y como ocurre en Un amour de Jeneusse, película en la que también se nos informa de los lugares que visitan mediante pequeños rótulos que desde un mapa quedan sobreimpresionados sobre las imágenes durante un par de segundos.
Mia Hansen-Løve huye de la grandilocuencia a la hora de filmar. Su cine se caracteriza fundamentalmente por la sencillez y la limpieza narrativa. No hay artificios de puesta en escena, rebuscadas ubicaciones de la cámara ni movimientos grandilocuentes de la misma. Todas sus decisiones como directora están al servicio de dos elementos fundamentales: la narración y los personajes. Lo que más le interesa es poner en primer término las interacciones entre los personajes, cómo reaccionan a esas interacciones y, fundamentalmente, cómo se sienten. Algo para lo que suele utilizar primeros planos de los rostros de sus personajes sin que haya, en ningún momento, un empleo abusivo de los mismos.
En muchas de sus películas, demuestra su habilidad para filmar escenas familiares desenfadadas, incluso alegres, aunque por debajo se advierta cierta tristeza. Maneja a la perfección el equilibrio entre los diálogos y los silencios de los que saca oro gracias a su minuciosa dirección de actores aunque no en todas sus obras los intépretes sean excepcionalmente brillantes.
También demuestra un cuidado exquisito de los pequeños detalles, sus guiones están llenos de pequeñas secuencias que en un primer visionado pueden pasar desapercibidas. Breves momentos, o simplemente planos, a través de los cuales proporciona información sobre sus personajes que, en ocasiones, pueden explicar algunas de sus reacciones.
Cine, literatura, música y viajes en las películas de Mia Hansen-Løve
Referencias cinéfilas: Los personajes de sus películas suelen ir al cine o ver películas en su casa. En Todo está perdonado hablan de ir a ver la última película de Clint Eastwood; El padre de mis hijos es, toda ella, un canto de amor al cine en el que hay numerosas alusiones a películas y alguna secuencia de cine dentro del cine; en Un amour de Jeunesse la pareja protagonista sale de ver una película que no llegamos a saber cuál es pero sí que es francesa y no demasiado comercial; en Eden: Lost in Music, el grupo de amigos ve Showgirls de Paul Verhoeven y posteriormente discute brevemente sobre ella; en El porvenir, la protagonista va al cine a ver Copia Certificada de AbbasKiarostami; en La isla de Bergman las referencias cinéfilas son también innumerables, fundamentalmente en relación a Bergman de quien se citan un montón de títulos, la pareja protagonista elige finalmente Gritos y susurros para ver en la sala de proyección personal que el cineasta sueco tenía en la isla de Farö.
Referencias literarias: es una constante en el cine de Mia Hansen-Løve que las casas estén llenas de estanterías con libros. Ocurre prácticamente en todas ellas y son muy frecuentes las citas literarias, fundamentalmente poéticas. En Todo está perdonado, un personaje regala a otro un libro del poeta austriaco Georg Trakl; libros (de arquitectura) hay en la mesita de la habitación de hospital de Camille en Un amour de Jeunesse; también está presente la literatura en Eden: Lost in Music a través de la vocación de escritor de Paul (Félix de Givry) que también tiene sus sucesivas casas llenas de libros. Incontables son las referencias literarias y filosóficas de El porvenir donde la protagonista Nathalie (Isabelle Huppert) además de profesora de filosofía trabaja para una pequeña editorial dirigiendo una prestigiosa colección de libros; algo que ocurre también en Una bonita mañana donde un anciano Georg (Paul Greggory), atesora una enorme colección de libros en su casa.
En apenas ninguna de las películas de Mia Hansen-Løve hay una partitura original compuesta por un compositor si bien es cierto que en sus últimas películas ha incorporado a un supervisor musical en la persona de Raphael Hamburger. Es por esto que el peso musical de sus películas sea fundamentalmente sostenido por canciones que, generalmente, se implican en la trama a través de su letra. Tiene particular propensión a utilizar canciones de cuna no demasiado conocidas, como el “Coorie Doon” con el que empieza Todo está perdonado y que terminará siendo casi un leitmotiv. En El padre de mis hijos, en sintonía con esa salida optimista con la que quiere barnizar el final del film, suena, acompañando a los últimos planos y a los títulos de crédito, el “Qué será será” de Livingston y Evans en la voz de Doris Day, canción que ya popularizada en su día Alfred Hitchcock en El hombre que sabía demasiado.
Un amour de Jeunesse también tiene un leitmotiv en la canción “The water” de Johnny Flynn como canción cuya letra apoya la narración y que servirá, también, para terminar el film acompañando a los créditos. Además suenan, entre otros temas, dos canciones en español de Violeta Parra: “Volver a los 17” y “Gracias a la vida”. Eden: Lost in Music es básicamente una película en torno a la música donde los temas y canciones de música electrónica tienen un peso fundamental.
Con un papel similar al de “The water” en Un amour de Jeunesse, suena “Deep Peace” de Donovan en El porvenir, su título (paz profunda) y su letra están en clara relación con la secuencia a la que acompaña. En El porvenir también hay una evidente intención en la canción elegida para cerrar la última secuencia y dar inicio a los títulos de crédito, el “Unchained Melody” en versión de The Fleetwoods. Tanto en El porvenir como en su siguiente película, Maya, suenan sendos Lieder de Schubert. El tema nuclear de Maya será el «Distant Sky» de Nick Cave que también suena al final. Entre medias se escuchan varios temas indios que la directora incorporó durante el rodaje.
En La isla de Bergman tenemos música no diegética al inicio del film con temas de arpa de Robin Williamson. Posteriormente sonarán canciones más desenfadadas como el “I love to love” de Tina Charles o “The winner takes it all” de ABBA. En cuanto a Una bonita mañana, Mia Hansen-Løve marca el tono del film con dos temas instrumentales de Jan Johansson al inicio. Después también sonará alguna canción como “Mon Amant De Saint Jean” de Lucienne Delyle y, al final del film, acompañando a los créditos “Love Will Remain” de Bill Fay.
Emplazamientos turísticos y culturales: A pesar de que sigue prevaleciendo la idea de que Mia Hansen-Løve es una directora “muy francesa” que cuenta historias “muy francesas”, en casi todas sus películas hay momentos en los que saca la cámara de Francia para mostrar otros lugares que, casi siempre, tienen algún significado cultural vinculado con la profesión o algún rasgo personal de los protagonistas. En Todo está perdonado, la historia se desplazará de Viena a París; la nacionalidad italiana del personaje de Chiara Caselli en El padre de mis hijos será el pretexto para visitas familiares a Italia en las cuales, entre otros emplazamientos, se nos enseñan los mosaicos bizantinos de Rávena. En Un amour de Jeunesse, el viaje de estudios de la Escuela de Arquitectura nos transportará a Berlín, a Dessau para conocer el edificio de la Bauhaus o al Museo Louisiana de Arte Moderno en Dinamarca, en la única visita de la directora al país de sus ancestros. En Eden: Lost in Music hay un viaje a Estados Unidos del protagonista y sus amigos, fundamentalmente a Nueva York donde actuarán en algunos de los clubs más prestigiosos de música electrónica. Maya se desarrolla en su mayor parte en la región india de Goa y La isla de Bergman acontece íntegramente en la sueca isla de Farö. Esta es, además, su primera película en inglés.
Premios y distinciones
No es Mia Hansen-Løve una directora particularmente mimada por los jurados de los festivales ni por la Academia Francesa de los César, algo que no preocupa demasiado a la realizadora francesa que ha repetido en numerosas ocasiones que cree que la obsesión por los premios cinematográficos de algunos directores pueden condicionar su forma de hacer cine, algo a lo que ella quiere permanecer ajena.
Su premio más importante hasta la fecha es el Oso de Plata a la Mejor Dirección que recibió en el Festival de Berlín de 2016 por El porvenir.
Por lo demás, Todo está perdonado obtuvo el Premio Louis-Delluc a la mejor ópera prima en 2007 y su protagonista Marie-Christine Friedrich fue galardonada con el premio a la mejor actriz en el Festival de Gijón de 2007. También, por esta primer película, obtuvo Mia Hansen-Løve la única nominación hasta la fecha a los Premios Cesar de cualquiera de sus películas en la categoría de Mejor Ópera Prima. El padre de mis hijos participó en la sección Un certain regard del Festival de Cannes donde obtuvo el Premio Especial del Jurado. Isabelle Huppert obtuvo sendos premios de la Crítica de Nueva York y de los Ángeles por El porvenir, película que, como se ha dicho, valió a su realizadora el Oso de Plata a la mejor dirección. Sus últimas películas que han participado en importantes festivales, incluyendo la Sección Oficial del Festival de Cannes, se han ido de vacío a pesar de las excelentes críticas. El año pasado, recibió el Premio Luna de Valencia del 37 Cinema Jove.
Mia Hansen-Løve recoge el Oso de Plata a la mejor dirección en el Festival de Berlín de 2016.
Dónde ver las películas de Mia Hansen-Løve: Plataformas y ediciones en formato físico
Seis de los ocho largometrajes de Mia Hansen-Løve están disponibles en la plataforma FILMIN, los cinco primeros incluidos en la suscripción y además puede verse La isla de Bergman en alquiler. Maya no está en el catálogo abierto de ninguna plataforma y únicamente puede alquilarse a través de Rakuten.
Todo está perdonado no ha sido editada nunca en formato doméstico en nuestro país, existe una edición francesa en DVD descatalogada y muy difícil de conseguir. El padre de mis hijos, Un amour de Jeuneusse, Eden: Lost in Music, El porvenir y Maya, sin embargo, si han sido editadas en DVD en España, todas ellas por Cameo salvo Eden: Lost in Music que fue lanzada por el sello Abordar y Karma Films. De La isla de Bergman no hay noticias de que vaya a editarse en España, lo cual es una verdadera lástima. Existen ediciones extranjeras en DVD y Bluray. La más recomendable es la de MUBI que acompaña el Bluray con una serie de postales en una edición muy cuidada, eso sí, únicamente está subtitulada en inglés. En cuanto a Una bonita mañana, de reciente estreno, tampoco hay noticias de una futura edición española. Existen ediciones en DVD en Francia, Alemania y Estados Unidos, y otras anunciadas que saldrán a la venta próximamente, entre ellas la de MUBI, de características similares a las descritas para La isla de Bergman.
Ediciones en formato físico de las ocho películas de Mia Hansen-Løve, cinco de ellas pertenecen al mercado videográfico español.
Esta semana hemos tenido la oportunidad de asistir al estreno del primer corto documental de autor, producido por Wallapop, titulado GRACIAS, en los cines Yelmo Luxury Palafox de Madrid. La plataforma ha producido esta pieza audiovisual en el marco de su décimo aniversario, para homenajear a su comunidad y agradecerles el impacto positivo que han tenido en el medio ambiente y en la economía a lo largo de esta última década.
Según un reciente estudio que Wallapop ha realizado en colaboración con Deloitte, gracias a la reutilización de artículos a través de Wallapop, se evitó la emisión de más de 510 mil toneladas de emisiones de CO2, durante 2022. Este dato es equivalente a 8 viajes de ida y vuelta al Sol en coche.
Documental con sentido
La première fue presentada por Pol Fàbrega, responsable de sostenibilidad de Wallapop, junto a los creadores del cortometraje: Ana Rujas, escritora y guionista, y Luc Knowles, director. La pieza audiovisual GRACIASse proyectó ante los protagonistas del documental, personalidades del mundo cinematográfico español, creadores de contenido, entre ellos Marta Sango, Jedet, Tamara Gr, Amarna Miller o Samantha Hudson y, por supuesto, empleados de la plataforma.
Tras diez años facilitando una forma de consumir más humana y consciente, Wallapop quiere homenajear a las 17 millones de personas que han fomentando la economía circular a través de la compraventa de productos reutilizados; y que han generado un impacto positivo, no solo en el medio ambiente y en la economía, sino también en la sociedad.
Las seis historias reales que protagonizan este documental nos muestran cómo alargar la utilidad de los objetos que nos rodean, y no solo nos hace sentirnos mejor con nosotros mismos, sino que nos puede cambiar la vida. En estos testimonios se mezclan emocionantes casualidades, conexiones inesperadas y nuevos proyectos, que nos enseñan nuevas formas de entender y relacionarnos con el mundo que nos rodea.
Entre nuestros protagonistas nos encontramos con Ana, que se apuntó a un curso de pintura para conocer a gente en España y acabó conectando a través de Wallapop con personas que saben apreciar su arte. O Belén, cuya compra de una cómoda a Miguel y 5€ a deber fueron el origen de una futura familia.
El documental GRACIAStambién relata la historia de Xavier, que tras una mudanza hace ya siete años decidió abrir su propio negocio de restauración de muebles antiguos, LlavaVintage, que luego vende en Wallapop. O las de Jon e Iban, quienes pudieron camperizar una furgoneta (comprada en la plataforma) con objetos vendidos en Wallapop, y dedicarse a la vida rural montando el negocio de sus sueños: una quesería donde la gran mayoría de la maquinaria fue adquirida en la plataforma.
La primera alfombra roja reutilizada de España
Antes de la proyección hubo una bienvenida muy especial. Dada la importancia de la alfombra roja en este tipo de eventos, Wallapop quiso aprovechar la ocasión para inspirar y concienciar de la necesidad de elevar los productos reutilizados a escenarios donde su presencia sigue causando sorpresa.
Para la première de su cortometraje, Wallapop organizó el primer evento “alfombra roja” reutilizado de la historia de España, en la que cada elemento ya había sido fabricado, estrenado y utilizado previamente.
Se animó a todos los invitados a llevar looks reutilizados para la ocasión, en un contexto en el que la tradición es estrenar un conjunto que sólo se lleva una vez. La plataforma estableció un dress code “Wallapop”, retando a los invitados a estrenar sus mejores outfits con prendas reutilizadas, que además tienen un valor humano y medioambiental.
Además, la propia alfombra por la que pasaron los invitados más top, hacía un guiño a la red de historias que se entrelazan dentro de la comunidad y a la importancia de extender la vida útil de los objetos: estaba configurada con la unión de más de 15 textiles encontrados en Wallapop, dando como resultado una original alfombra roja digna de estrenos.
Una banda de delincuentes juveniles sobrevive gracias a pequeños robos, pero todo comienza a salir mal cuando accidentalmente roban una gran cantidad de dinero que le pertenece a la yakuza. La edad desnuda (Suppadaka no nenrei) es la película de yakuzas con la que el estudio Nikkatsu presentó a su James Dean japonés, que también moriría en trágicas circunstancias poro tiempo después. Dirigida por Seijun Suzuki, está protagonizada por Keiichirô Akagi, Saneko Ozawa, Bokuzen Hidari, Toshio Takahara, Mieko Hiro’oka y Kotoe Hatsui. Con motivo del centenario del nacimiento de este director, Filmin ha añadido a su catálogo una docena de sus largometrajes, entre los que se puede ver actualmente esta película.
En busca del James Dean japonés
Seijun Suzuki pasó a la historia por su peculiar estilo que combinaba el arte pop con la esencia pulp, sin escatimar en personajes atípicos e historias donde la violencia tenía tanto peso como la propia trama. Es con el estudio Nikkatsu con el que tuvo mayor vía libre para hacer lo que quiso en pantalla mientras respetaba (hasta cierto punto) los guiones que recibía, pero no fue hasta la década de los 60 donde veríamos al Suzuki más puro.
Así, durante la segunda mitad de los 50 el estudio Nikkatsu buscaba su James Dean japonés, y parece que lo encontraron para ponerlo al frente de La edad desnuda (Suppadaka no nenrei). El protagonista de esta clásica película de Yakuzas, Keiichiro Akagi, se convertiría en la estrella que buscaba la compañía, sin embargo, moriría poco tiempo después a causa de un accidente de tráfico, como el ídolo americano. Puede que ese sea el detalle más importante que trascienda de esta película de Suzuki, no siendo una de sus películas más relevantes, quedando tan sólo como una historia del paso a la madurez de unos jóvenes delincuentes que quieren encontrar su camino en un mundo injusto que los ha dado de lado.
Sin perder de vista a la yakuza
El mundo de las mafias japonesas ha sido retratado múltiples veces en el cine de Suzuki, y a pesar de estar ante una proto coming of age, La edad desnuda no se olvida de los gánsteres, aunque aquí mucho más jóvenes de lo habitual, niños que viven en una zona desolada. Para este grupo de pequeños gángsteres Suzuki eligió un reparto joven que cumple con sus funciones pero en ocasiones sobreactúa por el bien de la comedia, dado que el toque de humor rara vez falta en la filmografía de este cineasta.
La edad desnuda es una de las muchas películas de jóvenes rebeldes que Suzuki hizo al principio de su carrera, y sin nada destacable que la haga memorable, sí que Suzuki muestra una gran empatía por sus jóvenes personajes, y no se hace pesada en ningún momento dada su escasa duración.
Rodada principalmente en exteriores, tiene un toque de neorrealismo que por desgracia se diluye con el uso excesivo de la retroproyección durante las carreras de motos, algo perdonable sabiendo que la película es de finales de los 50 y no había tantos recursos como ahora para hacer verdaderas escenas adrenalínicas de carreras callejeras.
En resumen, La edad desnuda es una atípica combinación de géneros entre la delincuencia juvenil y las carreras callejeras, donde como siempre destaca la dirección de Seijun Suzuki y su capacidad para sacar lo mejor de su reparto mientras nos deleita con un montaje visualmente llamativo. Lástima el pobre guion que tiene, que no daba para llegar ni a una hora de duración.
¿Qué te ha parecido la película La edad desnuda (Suppadaka no nenrei)?
Olvido es un thriller dramático español que está dirigido por Inés París (La noche que mi madre mató a mi padre, Miguel y William) y cuenta con un guion de Fermín Palacios. La historia transcurre en Valencia, en el año de la gran riada, tras hallarse entre el barro los cadáveres de jóvenes que no han muerto ahogados. Una joven periodista iniciará una peligrosa investigación junto a un sargento de la policía local para esclarecer qué oscura conspiración se oculta tras los crímenes y porqué muchos pretenden taparla.
Está protagonizada por María Caballero (The First Omen, Alma), Morgan Blasco (Fishbone, La entrevista), Javier Butler (Novatos, Reset), Jorge Cabrera (Lucas, Unicornios), Carlos Olalla, Magüi Mira, Ramón Ródenas y Jordi Aguilar. La película tuvo su presentación en el marco del Festival Cinema Jove 2023 y puede verse en cines seleccionados gracias a La Dalia Films desde el día 29 de Junio de 2023.
Intriga con potente trasfondo histórico
Olvido es una ambiciosa producción independiente que sitúa la investigación de unos crímenes en el escenario de «la riuà» que asoló Valencia en el año 1957, con todo lo que eso conlleva implícitamente a nivel sociopolítico. La directora Inés París asume el reto y sale airosa gracias a una creíble reconstrucción histórica que saca un enorme partido a sus limitaciones presupuestarias. La trama del filme sigue a Olvido Granell (María Caballero), una joven periodista que trabaja en el periódico «Valencia al día» a las órdenes de su padre, Luis (Carlos Olalla), teniendo que lidiar con la etiqueta de ser la primera mujer en la redacción. Junto a su fotógrafo de confianza, Raúl Arnal (Javier Butler), acude a la desembocadura del río para cubrir la noticia de la Gran Riada, pero lo que allí encuentran entre el barro son varios cadáveres de jóvenes que no parecen haber muerto ahogados.
Se vivían tiempos oscuros en la posguerra con el liderazgo autocrático de la primera etapa del franquismo que, por aquel entonces, estaba sufriendo sus propias guerras internas que acabarían pergeñando el aperturismo internacional coronado con la visita de Eisenhower en 1959 unido al paulatino alejamiento de la influencia nazi. Pero antes, en el año 1957, el país estuvo marcado por las intensas lluvias que provocaron el desbordamiento del río Turia a su paso por la capital valenciana, algo que ocasionaría más de 80 muertos e incalculables daños materiales. Olvido rescata aquellos hechos históricos como marco ideal para construir un thriller criminal que pone en valor el poder de la palabra en la transmisión de la verdad de generación en generación.
Por eso no es baladí la elección del título, nombre de la periodista protagonista que también apela a la necesidad de recuperar nuestro pasado histórico a través de la memoria colectiva.
No es una película sobre «la riuà», es un thriller criminal
Sin embargo, en Olvido, tanto la riada como la convulsa situación política del país funcionan solo como telón de fondo y nunca asumen el verdadero protagonismo de la historia. La película prefiere enfocarse en los entresijos del cine de género a través de la investigación que realiza la periodista protagonista junto a un sargento de la policía, Joaquín Caplliure (Morgan Blasco), tras la extraña desaparición de pruebas relacionadas con unos cadáveres hallados en la cuenca del río. Ambos se meterán en serios problemas al desoír las órdenes de sus superiores, pero por el camino descubrirán una conspiración que tiene ramificaciones en distintos poderes fácticos y que, de manera tangencial, tiene relación con toda la situación política que explicábamos antes.
Por eso hay que dejar claro que, aunque la película comience con imágenes de archivo de la inundación, esta no es una película sobre el desastre de la riada. No se trata, pues, de una de esas historias de supervivencia y superación que tanto gustan al director del periódico donde trabaja Olvido (otra manera de evitar incomodar al régimen). Lo que nos propone Inés París es un thriller oscuro que funciona bajo los códigos habituales de un género que tuvo su auge durante los años 90, pero mediante una ambientación que busca alejarse de los estándares estadounidenses para centrarse en la propia idiosincrasia de nuestro país, es decir, algo similar a lo que hizo Alberto Rodríguez en La isla mínima (2014).
El resultado es irregular, pero siempre atrayente, tan solo se echa en falta una mayor valentía a la hora de integrar todo ese contexto sociopolítico alrededor de la trama criminal que durante su precipitado desenlace deja algunos cabos sueltos precisamente por la falta de concreción en su discurso.
Lo que no se cuenta
La directora Inés París siempre ha estado interesada en retratar temas de igualdad de género, de ahí su trabajo como socia fundadora en CIMA (Asociación de mujeres cineastas y de medios audiovisuales), así que tener como protagonista a una mujer periodista y madre viuda en los años 50, le permite sacar a relucir algunas desigualdades existentes y, de paso, homenajear a las pioneras que iniciaron un camino que aún hoy en día se sigue construyendo. En ese sentido, la película no pretende ser aleccionadora ni discursiva, tan solo muestra cómo eran las cosas.
Por eso, para mi, lo más interesante que tiene Olvido es lo que no se cuenta o, si se prefiere, lo que se cuenta desde la sutileza. La situación política de la España de posguerra mantenía a muchos ciudadanos como «ahogados en vida», así que la riada de Valencia me parece un emplazamiento metafórico excelente para la coexistencia de los personajes. Por ejemplo, la primera imagen que vemos de Olvido en la película es su reflejo invertido en un charco de barro, algo que incide en aquella sensación de ahogamiento para toda una generación de jóvenes que reclamaba en las universidades mayor tolerancia democrática a la hora de expresarse en libertad. Por desgracia, es una situación que vuelve a estar de actualidad con la irrupción de la extrema derecha en las instituciones y la amenaza a algunos derechos sociales adquiridos.
En un momento dado de la película, Olvido le pregunta al Sargento Caplliure: «¿Es usted creyente?; a lo que él responde: «Sí, pero creo más en el mal que en el bien». Olvido nos habla desde la superficie y desde su subtexto sobre cómo los tentáculos del mal asociados a las altas esferas del poder atrapan siempre a los más débiles o con menos recursos económicos.
La búsqueda de la verdad
Pero más allá de todas estas consideraciones sobre el posible subtexto de Olvido, el filme apuesta en primer término por una investigación detectivesca bastante entretenida que mantiene su interés hasta el final gracias a la pareja protagonista interpretada con solvencia por María Caballero y Morgan Blasco. Por encima de las limitaciones presupuestarias o una falta de ritmo dramático en momentos clave, destaca la dirección de producción y el trabajo de escenografía para hacer creíble este regreso al pasado, además de contar con una estupenda fotografía en tonos fríos creada para la ocasión por Javier Alomar.
Olvido es un filme pequeño e independiente que no renuncia a tener ambiciones grandes al recuperar en imágenes un momento histórico clave de nuestro pasado y hacernos reflexionar así sobre el valor de la memoria, la importancia del periodismo de investigación o la eterna lucha por hallar la verdad en un mundo que prefiere ocultarse en la cobardía de la mentira.
Hacía meses que ya habíamos visto su tráiler, pero al fin Prime Video ha confirmado que la película original española Awarenessse estrenará el 11 de octubre en la plataforma.
Se trata de una gran apuesta de ciencia ficción dirigida por Daniel Benmayor (Xtremo, Tracers, Bruc) y protagonizada por Carlos Scholz (Toy Boy, Feria: La luz más oscura), Pedro Alonso (La casa de papel, El ministerio del tiempo), María Pedraza (Toy Boy, Élite), Óscar Jaenada (Operación Marea Negra, Hernán) y Lela Loren (American Gods, Altered Carbon).
En Awarenessnos presentan a Ian (Carlos Scholz), un adolescente rebelde que vive con su padre (Pedro Alonso) al margen de la sociedad. Sobreviven a base de pequeños timos gracias a la extraordinaria habilidad de Ian para proyectar ilusiones visuales en la mente de los demás. Tras perder el control sobre sus poderes en público, dos bandos enfrentados empiezan a perseguirlo. En su huida, Ian tendrá que decidir en qué lado va a librar esa guerra en la que se ha visto obligado a participar.
Rodada entre Cataluña, Madrid y Castilla y León, Awarenesses una producción de Federation Spain, liderada por Juan Solá y Nacho Manubens, con Mark Albela como productor ejecutivo y de Dbenma Content con Daniel Benmayor como productor y director, quien también está a cargo del guion junto con Iván Ledesma, a quienes debemos la trepidante Xtremo, un thriller de acción sin complejos que nos ofreció un gran entretenimiento y no dejó indiferente a nadie.
