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LOCARNO 76. Crítica de ‘Première affaire’ (‘First Case’): Historia de iniciación sexual y laboral

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Première affaire (First Case)

Las críticas de David Pérez «Davicine» en el 76 Festival de Locarno:
Première affaire (First Case)

Nora, de 26 años y abogada recién graduada, siente que no tiene ninguna experiencia en la vida real cuando se ve envuelta en su primer caso penal. Desde el encuentro inicial con su cliente y a lo largo de la investigación, Nora descubre la crueldad del mundo que rodea su vida privada y profesional. Rápidamente se deja llevar por su nueva vida y comienza a cometer un error tras otro. Dirigida por Victoria Musiedlak, Première affaire (First Case) está protagonizada por Noée Abita, Anders Danielsen Lie, Alexis Neises, François Morel y Saadia Bentaïeb. La película ha podido verse en la Sección Piazza Grande del Locarno Film Festival 2023.

Première affaire (First Case)

Un debut que augura un gran futuro

Victoria Musiedlak es una guionista y directora francesa que, trabajando como primera asistente de dirección durante siete años, tuvo tiempo de escribir y dirigir tres cortometrajes y escribir guiones para televisión. En 2021, dirigió su cuarto cortometraje, Laetitia 35, y ahora se lanza al debut en la dirección de largos.

Para su primer largometraje, Victoria Musiedlak acierta con el título (original), pues es una película de iniciación en muchos sentidos. Première affaire puede referirse a un caso legal, pero también puede referirse a una aventura amorosa. Así, esta película es una historia sobre la mayoría de edad, algo mayor a lo que acostumbramos en el cine, pues suele reflejarse el paso de la adolescencia a la madurez, y aquí la protagonista pasa de los estudios universitarios al mundo laboral. La historia gira alrededor de Nora, una joven licenciada en derecho que trabaja para un bufete de abogados parisino y comienza a descubrir la muerte, la violencia, la intimidad y la mentira.

Première affaire (First Case)

Personajes marcados por la dualidad

Noée Abita interpreta a Nora Aïd, una joven que, a pesar de tener 25 años, su apariencia y su voz evidencian su juventud, lo que muchas veces significa inexperiencia ante la crueldad del mundo tanto laboral como judicial. A diferencia de sus amigas, se nos presenta como una joven reservada y bastante desconectada de los placeres en comparación con otros jóvenes de su edad, lo que hace que ella acabe entregándose con pasión en todo lo que se implica. Además, su personaje también ayuda a introducir en la película la tensión racial, y es que Nora es de origen magrebí y su madre es escéptica sobre la carrera laboral de su hija viendo todo lo negativo que tendrá que afrontar en la vida. Inmadura e ingenua, pero buena estudiante y aplicada trabajadora, se enfrenta a su primer caso criminal, en el que un joven es acusado de asesinar a una chica que se llevaba mal con su hermana.

El caso consigue plantearnos dudas sobre la inocencia o culpabilidad del acusado, especialmente por presentar un personaje con apariencia de tener evidentes problemas a la hora de relacionarse con los demás y con un pasado complicado tanto familiar como socialmente. En este caso, ella conoce a un atractivo policía que la traerá de cabeza y despertará más intereses que los meramente profesionales, interpretado por el noruego Anders Danielsen Lie, la estrella masculina habitual de las películas de Joachim Trier. Para él es un caso mas que debe resolver lo antes posible, para ella es su primer caso y también su posible primera historia de amor.

Première affaire (First Case)

Al frente del bufete en el que trabaja Nora tenemos a Saint Brieux, interpretado notablemente por François Morel, un actor que aporta experiencia y amplia filmografía para dar vida a un gran abogado que es fiel reflejo de la condescendiente burguesía parisina. Pocos personajes principales, pero todos ellos encarnan una cierta dualidad, teniendo la mayoría una parte oscura y, sin necesidad de un gran desarrollo ni profundidad en las mentes de todos ellos, somos capaces de comprender sus motivaciones y sus reacciones ante lo que acontece a su alrededor.

En resumen, Première affaire (First Case) es una historia de iniciación, una coming-of-age francesa plagada de dilemas éticos y morales, que presenta tanto un personaje principal interesante como una trama central atractiva que hace que no haya tiempo para el aburrimiento ni tengamos respuestas fáciles en este gran debut en el largometraje de Victoria Musiedlak.


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(Finalizado y actualizado) Sorteamos entradas dobles para preestreno de ‘No tengas miedo (Cobweb)’

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No tengas miedo (Cobweb)

El 25 de agosto Vértice 360 estrena en cines No tengas miedo (Cobweb), película de suspense y terror dirigida por Samuel Bodin, el creador, director y coguionista de Marianne, la serie de terror francesa que triunfó entre los fans del género.

En No tengas miedo (Cobweb), Peter, de ocho años, vive atormentado por culpa de los misteriosos golpes provenientes del interior de la pared de su dormitorio. Sus padres insisten en que sólo están en su imaginación. A medida que el miedo de Peter se intensifica, empieza a creer que sus padres podrían estar escondiendo un terrible y peligroso secreto… y ¿Qué hay más aterrador para un niño que dejar de confiar en su familia?

Se trata de la ópera prima de Samuel Bodin como director de largometrajes, estando inspirada en el cuento «El corazón delator» de Edgar Allen Poe publicado en enero de 1843. El guion corre a cargo de Chris Thomas Devlin, responsable también del guion de otro proyecto de terror esperado, el remake de La matanza de Texas.

No tengas miedo (Cobweb) está protagonizada por Antony Starr (The Boys), Lizzy Caplan (Castle Rock) y Woody Norman (C’mon C’mon. Siempre adelante), y con motivo de este estreno, y gracias a Vértice 360, tenemos para vosotros 10 entradas dobles para ver la película en el preestreno que tendrá lugar en Madrid:

  • DÍA: martes 22 de agosto de 2023
  • HORA: 20:00 horas
  • LUGAR: CINESA PROYECCIONES (Calle Fuencarral, 136. Madrid)


Para participar en el sorteo podéis hacerlo de cualquiera de las siguientes maneras (o todas las que queráis) antes del 19 de agosto, inclusive:

    He leído y acepto el Aviso Legal y la Política de Privacidad.

    Declaro, bajo mi propia responsabilidad, ser mayor de 18 años y respondo de manera exclusiva de la veracidad de dicha declaración.

    No tengas miedo (Cobweb)


    Duración, premio y bases del sorteo:

    • El sorteo estará activo desde la fecha de publicación del mismo hasta el 19 de agosto, inclusive.
    • El premio consiste en una entrada doble para ver la película en el preestreno indicado, para cada uno de los 10 ganadores.
    • Podéis leer las bases legales de nuestros sorteos aquí.

    Actualización: Los ganadores han sido:

    • @MarDeBooks
    • @ser_mad2007
    • 𝑨𝒏𝒂 𝑵𝒂𝒉𝒂𝒓𝒓𝒐 𝑨𝒗𝒊𝒍𝒂.
    • @juankarpenter51
    • Pilar Parreño @guillegodoy9
    • @evacoslada
    • CriticaFrikiTV
    • Nuevos Vagos
    • El Hombre Piña Julio Vallejo H.
    • @aliicia_7 @RimadaJesus

    Crítica de ‘Rojo, blanco y sangre azul’: Comedia homorromántica de visionado fácil y agradable

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    Rojo, blanco y sangre azul

    Las críticas de Laura Zurita:
    Rojo, blanco y sangre azul

    Alex Clarademont-Díaz, el hijo millennial de la presidenta de los Estados Unidos, es un tesoro para el marketing de la Casa Blanca: atractivo, carismático e inteligente. Lo que nadie sabe es que no soporta al príncipe Henry, el hijo de la reina de Inglaterra. Así que, cuando la prensa sensacionalista se hace con una fotografía que refleja un altercado entre Alex y Henry, las relaciones entre Estados Unidos y el Reino Unido se enfrían. Ambos países trazan un plan para paliar los daños. Lo que empieza como una falsa amistad, publicada en Instagram, se va transformando en algo más profundo de lo que Alex y Henry podrían haber imaginado.

    Rojo, blanco y sangre azul está dirigida por Matthew López e interpretada por Taylor Zakhar Perez, Nicholas Galitzine, Clifton Collins Jr, Uma Thurman, Rachel Hilson, Sarah Shahi, Stephen Fry y Ellie Bamber. La película se estrena en España el 11 de agosto de 2023 en Prime Video.

    Rojo, blanco y sangre azulComedia muy romántica

    Los primeros minutos de Rojo, blanco y sangre azul describen un incidente en una boda, y tiene un humor de tartazo en la cara tan facilón y ridículo que, de no haberme comprometido a escribir esta crítica, la hubiera apagado ahí mismo. Pero no lo hice, mi paciencia fue recompensada, y después de este episodio, la película mejora ostensiblemente.

    Rojo, blanco y sangre azul es entretenida y, durante buena parte de su metraje, convence, pero sigue teniendo un toque inverosímil. Nadie puede creer que las personas de las casas reales puedan ser tan arbitrarias (y maleducadas) con dignatarios de una gran potencia, ni que un representante de un gobierno extranjero mandado a una boda real no sepa ni lo más básico en cuanto a títulos, pero después de todo, no se espera que las comedias sean ni rigurosas ni creíbles, y la escritora, estadounidense, parece no poder dejar de reírse un poco de la idea de la realeza y sus alrededores.

    Basada en la novel homónima de Casey McQuiston, Rojo, blanco y sangre azul es una comedia romántica de libro, con dos personajes atractivos, jóvenes y ricos que empiezan como oponentes y terminan congeniando. Lo novedoso y refrescante en ella es que se trata de dos hombres, y que en ningún momento ninguno de ellos lo concibe como algo extraño.

    Durante muchos años el cine LGTB ha presentado personas atormentadas por su identidad, o, al menos, por las reacciones de la sociedad a ésta. Rojo, blanco y sangre azul se encuadra en le marco de obras en el que la identidad queer se presenta con naturalidad, y las historias de amor son sencillamente eso, de amor, en las que las personas involucradas tienen una orientación distinta de la mayoritaria. La reacción del entorno es tan buenista que la historia tiene un tono de cuento de hadas del siglo XXI, y para eso está hecha, para hacernos sentir bien

    Rojo, blanco y sangre azulBuena banda sonora

    La banda sonora de Rojo, blanco y sangre azul está llena de vida y buenas vibraciones, compuesta en su mayoría de buenas versiones de temas conocidos, usados con originalidad y buen gusto.

    La relación de los jóvenes en la película es tan tierna como apasionada. Los personajes tienen una historia común, y tienen tiempo de conocerse y de crear un vínculo, no se nos hace creer que tanto compromiso viene de un simple y rápido flechazo.

    El factor más importante para que Rojo, blanco y sangre azul nos haga sentir bien son, sin duda, sus protagonistas, ambos carismáticos y fotogénicos. Taylor Zakhar Perez como Alex tiene ese aire de cateto reinado que tan bien le viene al personaje. Y el guapísimo Nicholas Galitzine es creíble como Príncipe Henry, ya que tiene la rara habilidad de vestir un esmoquin como una segunda piel, y parecer cómodo y no disfrazado.

    Rojo, blanco y sangre azul es una comedia romántica apta para jóvenes adultos y románticos empedernidos, un ejemplo de cine LGTB hecho para todos los públicos. Optimista y bienintencionada, tiene vocación de ser un visionado fácil y agradable, y eso lo cumple con creces.


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    Ciclo Seijun Suzuki: Crítica de ‘La historia de una prostituta’ (‘Shunpu den’) (1965)

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    La historia de una prostituta (Shunpu den)

    Las críticas de David Pérez «Davicine»:
    Ciclo Seijun Suzuki:
    La historia de una prostituta (Shunpu den)

    Seijun Suzuki aborda con su particular maestría y estilo uno de los temas tabú de la sociedad japonesa de la posguerra: la prostitución durante la Segunda Guerra Mundial. En La historia de una prostituta (Shunpu den), Harumi se ofrece voluntariamente como “confort woman” en el frente de Manchuria durante los meses previos a la Segunda Guerra Mundial. Allí deberá prestar sus servicios profesionales a cientos de soldados, aunque con dos de ellos forjará una relación especial.

    Se trata de un relato de amor trágico, enfrentado a los códigos militares en tiempos de guerra, dirigido por Seijun Suzuki, con guion de Hajime Takaiwa y Taijirô Tamura, y protagonizada por Tamio Kawaji, Yumiko Nogawa, Isao Tamagawa, Shoichi Ozawa, Toshio Sugiyama, Daisaburô Hirata, Tomiko Ishii, Kotoe Hatsui y Kazuko Imai. Con motivo del centenario del nacimiento de este director, Filmin ha añadido a su catálogo una docena de sus largometrajes, entre los que se puede ver actualmente esta película.

    La historia de una prostituta (Shunpu den)

    Aprovechando al máximo los recursos visuales

    El director Seijun Suzuki nunca evitó hacer ciertas reivindicaciones a través de su cine, muchas centradas en la Segunda Guerra Mundial, y en La historia de una prostituta (Shunpu den) nos presenta una una imagen nihilista y oscura de la campaña japonesa en China. La película dista mucho de ser una historia de amor tradicional, en la que no hay ningún atisbo de esperanza, y son sus imágenes las únicas que nos alejan de una obra repleta de desesperación socialmente crítica, casi feminista para los estándares de la época, que nos impresiona desde su inicio, con una deslumbrante e ingeniosa escena de apertura.

    Suzuki tenía ya un estilo muy marcado en 1965, y aunque no hay posibilidad de apreciar el deleite visual que suele presentar en sus películas a color, el empleo del blanco y negro refuerza la temática y la desesperación de sus personajes, haciendo un buen uso de todos los recursos técnicos disponibles para que la tristeza no se imponga sobre el nivel visual. El cineasta muestra su distanciamiento de las producciones habituales de Nikkatsu, y hace un empleo acertado y extremo de la cámara lenta para detener la acción, especialmente en las escenas dramáticas, empleando también un montaje de imágenes fijas de primeros planos de los protagonistas, exagerando el dramatismo, todo con una bella puesta en escena, pintando un cuadro histórico que dista mucho de la imagen que nos presentan muchas veces de la guerra en nuestros días.

    La historia de una prostituta (Shunpu den)

    No hay héroes en la guerra

    A nivel de personajes, Suzuki acostumbraba a tener héroes en sus películas, pero en esta historia no hay héroes, solo la locura y el horror de la guerra, y, como ya viéramos en otra de sus películas, Gate of Flesh, mujeres degradadas a meros objetos que, sin embargo, muestran más decencia y tienen más valores que los oficiales que vemos. La historia de una prostituta (Shunpu den) es un melodrama basado en un éxito de ventas de Tajiro Tamura, pero ha sido llevado a la pantalla como una adaptación de la novela más cercana a la realidad, y se centra en una mujer que, si bien podríamos ver como una antiheroína, es una joven rebelde y decidida pero autodestructiva.

    La protagonista de la película, Harumi (interpretada por Yumiko Nogawa), se aleja en parte del personaje mucho más romántico que se nos presentaba en la novela de Tamura, siendo una mujer traicionada por su amante que decide ir al frente para atender las necesidades de los soldados japoneses junto con algunos de sus compañeras. La hermosa y carismática Yumiko Nogawa es la que más destaca del reparto, capaz de mostrarse como una mujer con coraje aunque deba recurrir a la prostitución, emocionándonos con sus inocentes y grandes ojos oscuros. Su imagen inocente se mantiene incluso cuando debe ir al frente chino como prostituta japonesa, una inocencia que contrasta con el dolor y el horror de la guerra, en un momento en el que la humanidad parece desvanecerse.

    La historia de una prostituta (Shunpu den)

    Los conflictos de la protagonista van más allá de su profesión, y entra en conflicto cuando conoce al capitán hambriento de poder Narita (interpretado por Isao Tamagawa), quien la reclama para sí mismo, obligándola a tener una relación de amo-sirvienta al creer que ella es de su propiedad. Su subordinado Mikami (interpretado por Tamio Kawaji) es un idealista humanista, y cierra un complejo triángulo amoroso al estar ella realmente enamorada de él, siendo incapaz éste de decidirse entre el amor y el cumplimiento de sus deberes. El amor entre Harumi y Mikami tendrá consecuencias cada vez más dramáticas en esta sociedad dominada por estructuras de honor y poder.

    La historia de una prostituta (Shunpu den) es una clara muestra de la capacidad de Seijun Suzuki para adaptarse a cualquier guion o novela original a la hora de llevarlas a la pantalla grande, siendo capaz de sacar su lado más irónico y estridente visualmente en el cine de yakuzas pero también dirigir de forma sobresaliente una melancólica tragedia como es este melodrama bélico que muestra el inhumano código de honor del ejército japonés.


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    Crítica de ’Pequeños grandes amigos’: Nada más que buenas intenciones

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    Pequeños grandes amigos

    Las críticas de José F. Pérez Pertejo:
    Pequeños grandes amigos

    Estamos ante una de esas películas a las que se les ven las buenas intenciones a kilómetros de distancia, empezando por el título, Pequeños grandes amigos, traducción libérrima del título original francés Quand tu seras grand que literalmente vendría a decir Cuando seas mayor.

    El problema con las buenas intenciones es que hay que hacer algo con ellas que supere su mera exhibición. No se puede pretender que los espectadores con un poquito de sentido crítico se coman un punto de partida argumental bastante inverosímil (en el comedor de un colegio hay goteras y, mientras arreglan la avería, se decide que los niños vayan a comer al comedor de una residencia de ancianos vecina a la misma hora que comen los ancianos) si luego no se va a desarrollar una historia con la suficiente enjundia y profundidad como para olvidar cómo empezó todo.

    Andréa Bescond y Eric Métayer, guionistas y directores, confían en que la unión de dos ingredientes a priori tan infalibles como ancianitos entrañables y niños adorables poniéndolos a cantar, a bailar y a jugar va a dar lugar a una película edificante, a un canto a la tolerancia y a un monumento a los valores humanos. Y no, o sí pero no. No a cualquier precio ni de cualquier manera.

    El film comienza de un modo prometedor poniendo el foco en una vergonzante realidad (al parecer común en muchos países, no solo en el nuestro) cual es la escasez de personal trabajando en las residencias de ancianos, con turnos eternos y funciones poco definidas entre diferentes categorías profesionales. Pero lejos de profundizar en la situación, no vaya a alterarnos el ánimo, Bescond y Métayer rehúyen todo asomo de seriedad y reducen el tema a varios chascarrillos de pasillo algunos de trazo tan grueso que resulta vergonzante. Pretender arrancar la carcajada del espectador con que un auxiliar se manche la camisa con las heces de un anciano que salen salpicadas de un pañal tras una discusión es algo que uno podría esperar en una película de John Waters, pero no aquí.

    El planteamiento de la película también podría apuntar a algo tan interesante y delicado como la vulnerabilidad de los ancianos, la creciente necesidad de atención y cuidados o el sufrimiento por el abandono y/o la soledad. La idea de que la simbiosis entre ancianos y niños, la otra edad extrema de la vida, también vulnerable, puede resultar beneficiosa para ambos es tan teóricamente hermosa como peliaguda de poner en práctica. Y Bescond y Métayer han sacado el catálogo de lugares comunes, tópicos y arquetipos para realizar una película blandengue e inane en la que todo es previsible, manido y ya visto, desde el niño rebelde y malencarado que se encariña con un anciano porque comparte con él la pasión por el “riesgo” a la niña adorable que canta como los ángeles y empatiza con una anciana que también pretende cantar.

    En ningún momento la película acaba de decantarse por el drama ni por la comedia y, desde luego, no alcanza a ser algo tan complicado de hacer como una tragicomedia. Pequeños grandes amigos es, más bien, una película de esas concebidas para hacer sentir bien al personal (incluyendo a los que la realizan), una “feel-good movie” por usar el cada vez más común término anglosajón, pero que de tan simple, se queda en película frívola y superficial.

    El reparto no es mucho mejor. El protagonismo gravita entre un Vincent Macaigne tan incontenido e insoportable como de costumbre y Aïssa Maiga que hace lo que puede con un papel muy mal escrito. Sus reacciones son incoherentes, sus cambios de opinión y de actitud son continuamente forzados a golpe de guion y no como respuesta a lo que va ocurriendo. Más lástima da ver a Marie Gillain, el maravilloso descubrimiento de Bertrand Tavernier en La carnaza (L’appât, 1995), reducida a un papel tan intrascendente y simplón que podría haberlo interpretado cualquier actriz debutante.

    Del final es mejor ni hablar porque hay momentos que rozan el esperpento, más aún cuando el director de la residencia, interpretado por el propio Eric Métayer, codirector del film, se reserva unos planos de buenrrollismo sonrojante.

    Y todo es una verdadera lástima porque la idea de Pequeños grandes amigos era tan buena como las intenciones, pero ni las buenas ideas ni las buenas intenciones bastan cuando desde el principio se renuncia, no ya a la trascendencia, sino a los más elementales principios de la coherencia argumental, el rigor narrativo y la finura interpretativa.

    Crítica de ‘Megalodón 2: La fosa’: Entretenimiento submarino a base de acción

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    Crítica de ‘Megalodón 2: La fosa’

    Las críticas de David Pérez «Davicine»:
    Megalodón 2: La fosa

    En Megalodón 2: La fosa nos sumergimos en aguas desconocidas junto a un equipo de investigación en una misión que va a explorar las profundidades más abismales del mar. Pero su viaje se convierte en caos cuando un malévolo operativo minero amenaza su misión y los obliga a librar una batalla de alto riesgo por la supervivencia. Enfrentados a colosales Megalodones y a implacables saqueadores medioambientales, nuestros héroes deben correr más rápido, ser más astutos y nadar a mayor velocidad que sus despiadados depredadores en una trepidante carrera contra el tiempo.

    Dirigida por Ben Wheatley (In The Earth), a partir de un guion de Jon Hoeber & Erich Hoeber y Dean Georgaris, basada en la novela «Meg: La fosa» de Steve Alten, su reparto está formado por Jason Statham (Operación Fortune: El gran engaño), Wu Jing (Wolf Warrior), Sienna Guillory (El portal del guerrero), Sophia Cai, Page Kennedy (Megalodón), Sergio Peris-Mencheta (Sin límites), Skyler Samuels (Mi madre contra todos) y Cliff Curtis (Avatar: El sentido del agua). La película se estrena en cines el 4 de agosto de la mano de Warner Bros. España.

    Crítica de ‘Megalodón 2: La fosa’

    Dando el salto a Hollywood

    El director británico Ben Wheatley ha ido haciéndose una más que interesante filmografía con títulos como Kill List, High-Rise o Free Fire, entre otros, y sorprende que se ponga al frente de la dirección de la secuela de Megalodón, pero está claro que esto le permitirá tener abiertas las puertas de Hollywood siguiendo los pasos de otros cineastas independientes a lo largo de la historia del cine.

    Desde hace unos años ha estado intentando dar ese salto, y tras haberse caído la secuela de Tomb Raider para la que estaba ya listo para asumir la dirección, Wheatley optó por otra secuela de un éxito de taquilla, teniendo un buen presupuesto con el que trabajar y un reparto conocido. El resultado es una película que bien podría equiparar su presupuesto al de toda su filmografía anterior, y de la que nadie dirá que bien merecerá un Oscar pero al menos da lo que promete, y lo hace con creces, siendo claro su público objetivo, aunque poco importase quien dirigiese esta aventura.

    Crítica de ‘Megalodón 2: La fosa’

    Acción entre megalodones y otros seres

    Megalodón 2: La fosa es por tanto una secuela de un éxito en taquilla que recluta en sus filas a un cineasta con algo interesante que aportar, aunque luego no tiene margen de maniobra pues todo el esfuerzo de la película se orienta en escenas cada vez más grandes de acción con dosis de humor, apoteosis de efectos especiales y momentos para dejar al espectador boquiabierto a pesar de saber que lo que se ve es imposible que pueda ser real. Prueba de ser un producto hecho para el entretenimiento es que cuenta con Jason Statham en plan James Bond enfrentándose a tiburones gigantes. ¿Veracidad? Innecesaria para su finalidad, y es que todo lo que vemos es prácticamente imposible pues, por mucho que nos lo vendan, nadie puede estar en esas profundidades marinas sin traje protector por mucho que ventile sus senos paranasales como Jason Statham.

    Esta secuela apuesta todo a la acción, una acción que cumple con lo que exigimos al saber lo que estamos viendo, sin llegar a ser en ningún momento memorable, pero que más de una vez nos saca una risa tonta por lo irreal que es todo. Y viendo cuál era su predecesora, tenía la difícil misión de llevar aún más al límite al espectador y sus personajes, por lo que hay más megalodones, más grandes y más seres salidos de las profundidades marinas. Por si eso no fuera suficiente, tenemos villanos humanos (ahí entra en acción, y nunca mejor dicho, Sergio Peris-Mencheta) y todo tipo de artilugios futuristas que nos adentran más en una secuela de Aliens que de Megalodón. Tan sólo se puede objetar que, a pesar de dar lo que buscamos, podría tener algunos diálogos más interesantes y no meras frases para salir del paso entre explosión y explosión, lo que hace que solo nos acordemos de Statham al final de la película y eso por saber que es él, obviando casi al resto de secundarios.

    Crítica de ‘Megalodón 2: La fosa’

    Entre Aliens y The Abyss

    La puesta en escena, que como comento bien podría ser de una película con aliens intentando quitar de en medio a un operativo militar que se adentra en una misión espacial, no solo está presente por los exotrajes a modo de trajes espaciales, los submarinos a modo de naves o lo oscuro y lúgubre que es todo en el fondo marino como si fuera un planeta desconocido, sino que también sigue ciertos patrones como la búsqueda de una sensación claustrofóbica que incremente el temor en los personajes, algo visto efectivamente en Aliens aunque también en aventuras bajo el agua como The Abyss y Underwater.

    Sin duda, lo mejor de la película son las escenas submarinas donde el temor invade a sus protagonistas, aunque el entretenimiento llegue de la mano de las luchas a pie de playa, y a pesar de lo inverosímil de lo que vemos, nunca se vuelve tan alocada como la franquicia Sharknado, que no deja de ser un placer culpable con menos presupuesto, e incluso se acerca más a Pacific Rim a falta de megarobots, aunque tarde o temprano acabaremos viéndolos si siguen adelante con nuevas entregas.

    En resumen, Megalodón 2: La fosa no busca ser más de lo que es, y consigue entretener y sorprender a base de acción sin límites, animales cada vez más grandes y un Statham camino de ser el nuevo Chuck Norris, capaz de vencer a todo y a todos solo con sus habilidades e ingenio.


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    Ciclo Mia Hansen-Løve: Crítica de ‘Eden: Lost in Music (Eden, 2014)’

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    Eden: Lost in Music

    Las críticas de José F. Pérez Pertejo:
    Ciclo Mia Hansen-Løve
    Eden: Lost in Music (2014)

    Tras sus tres primeros largometrajes, absolutamente armónicos entre sí a pesar de sus diferencias argumentales, Mia Hansen-Løve dirigió Eden: Lost in Music (Eden) un film que, en una mirada superficial y visto desde el presente cuando la carrera de la directora francesa consta ya de ocho largometrajes, podría parecer un artefacto, un cuerpo extraño en su filmografía.

    Y en cierto modo lo es porque a pesar de algunos méritos, que los tiene, fundamentalmente en la última media hora, y que se pueden advertir algunos de los rasgos de estilo propios de su cine, Eden: Lost in Music no alcanza la calidad ni la calidez de sus otros films víctima de un metraje excesivo, un tratamiento demasiado superficial de los personajes y un actor protagonista (Félix de Givry) un tanto limitado en sus cualidades interpretativas.

    El guion es el único de sus ocho películas que Mia Hansen-Løve no firma en solitario. Lo coescribió junto a su hermano Sven Hansen-Løve que ejerció como DJ en la noche parisina durante más de una década desde inicios de los noventa con el apogeo de la música electrónica, fundamentalmente con el estilo Garage que, a los no versados en este tipo de música, resulta indistinguible de los demás subtipos de música techno. El film es, por tanto, una especie de relato biográfico de Sven al tiempo que pretende servir de retrato generacional durante casi un par de décadas.

    En Eden, Mia Hansen-Løve lleva al paroxismo su estilo de fragmentación del relato mediante elipsis. Fiel a su costumbre de datar sus películas, la directora salpica el metraje de rótulos con las fechas que nos informan de que la acción nos lleva, a lo largo del film, desde noviembre de 1992 hasta septiembre de 2008; dieciséis años que, más allá del crecimiento de las barbas, no se traducen en ningún envejecimiento físico de sus intérpretes que, a pesar de su juventud, no pueden tener el mismo rostro con dieciocho años que con treinta y cuatro.

    Paul (Félix de Givry), álter ego de Sven Hansen Love, es un joven desnortado que para disgusto y preocupación de su madre (Arsinée Khanjian) no tiene la más mínima intención de seguir estudiando y opta por vivir de noche, en un mundo de alcohol y drogas en compañía de un grupo de amigos tan desnortados como él. Sus sucesivas novias (una de las cuales es interpretada por la por entonces musa del cine indie y hoy célebre directora Greta Gerwig) le van dejando a medida que maduran lo suficiente como para entender que ese tipo de vida no puede durar para siempre. “Necesito a alguien que me de seguridad, Paul, tú no me la das” le dirá Margot, una de sus últimas relaciones antes de tomar conciencia de que la vida como DJ no puede durar para siempre.

    Por encima de todas sus fragmentaciones, el film está dividido en dos grandes partes. La primera lleva por título «Paradise Garage» y se extiende entre 1992 y 2008, y la segunda, “Lost in Music” abarca desde 2008 a 2013.

    En la primera parte asistimos, fundamentalmente, al retrato de la ambientación. Una sucesión de muestras musicales que se acompaña de la vorágine de alcohol y drogas en la que viven Paul y sus colegas. Aquí, el exceso de elipsis, lejos de infundir el pulso narrativo que la historia necesita, rompe demasiado la unidad argumental y compone un relato deshilvanado, insustancial y, por momentos, tedioso. Algo a lo que contribuye la falta de carisma de unos personajes con los que resulta muy difícil empatizar. Ni el torpe Arnaud (Vincent Macaigne) ni el atolondrado Thomas (Vincent Lacoste) o la voluble Louise (Pauline Étienne) están construidos en el guion con la suficiente fuerza. Tan solo tiene cierta enjundia el personaje de Cyrill, con el que se hace presente el suicidio como uno de los temas recurrentes en los films de Mia Hansen-Løve, personaje interpretado por Roman Kolinka, actor que será protagonista de los dos siguientes films de la directora: El porvenir y Maya.

    Paul alcanza cierto éxito y reconocimiento que nunca se acompaña de una retribución económica que le permita salir de sus permanentes problemas financieros. El grupo de amigos viaja a Estados Unidos para participar en encuentros de música techno y Paul consigue pinchar en uno de los clubs de más éxito. En Nueva York se reencontrará con Julia (Greta Gerwig) que le abandonó años antes, ella, casada y madre de familia ha pasado página mientras él mantiene una relación con Louise llena de altibajos.

    Eden: Lost in MusicEn la segunda parte, titulada Lost in Music, son mucho más reconocibles los elementos temáticos y los rasgos estilísticos de Mia Hansen-Løve. Tenemos a un personaje protagonista en crisis, atrapado por sus deudas y su drogadicción que prosigue su bajada a los infiernos. Hay, a partir de aquí un paralelismo notable con El padre de mis hijos, segundo film de la directora, aunque la sombra del suicidio no llegue a consumarse.

    Paul, como hiciera el arruinado productor Grégoire Canvel en aquella película, tiene una secuencia de confesión y hundimiento. Si Grégoire le confesaba a su esposa interpretada por Chiara Caselli que no podía más, aquí Paul se derrumba ante su madre a quien confiesa “no puedo más, estoy agotado, tengo deudas enormes y problemas con la droga”. También es similar la secuencia que Paul tiene con su asesora financiera que tratará de reestructurar su deuda tal y como hacía el liquidador que intervenía la productora Moon Films para tratar de pagar a todos los acreedores.

    El film se completa con un breve epílogo, en diciembre de 2013, con el que Hansen-Løve abre un resquicio a la luz tras dos horas de oscuridad, incluyendo, como suele ser recurrente en su cine, una referencia poética, en este caso del estadounidense Robert Creeley, en la que se habla del ritmo de la vida y la muerte de lo que acaba y lo que empieza.

    Eden: Lost in Music

    Crítica de ‘Agente Stone’ (‘Heart of Stone’): Gal Gadot ya tiene su misión imposible

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    Agente Stone

    Las críticas de David Pérez «Davicine»:
    Agente Stone (Heart of Stone)

    Una agente de espionaje, que trabaja para una organización global dedicada a mantener la paz, intenta impedir que una hacker robe su arma más preciada (y más peligrosa). Gal Gadot (Wonder Woman, Alerta roja) salta a la acción en este thriller de espías con Jamie Dornan y Alia Bhatt. Dirigida por Tom Harper, Agente Stone (Heart of Stone) cuenta también en su reparto con Sophie Okonedo, Matthias Schweighöfer, Paul Ready, Jing Lusi, BD Wong, Glenn Close y Jon Kortajarena. La película se estrena el 11 de agosto de 2023 en Netflix.

    Misión: Arrasar en Netflix

    Por si la escena inicial de Agente Stone no nos dejaba claras las intenciones de la película, los créditos demuestran que estamos ante una producción que ha llegado para convertirse en franquicia, la Misión Imposible de Gal Gadot emulando al mejor Ethan Hunt en versión femenina y con todos los recursos de una agencia que opera por encima de cualquier interés nacional. Tras la fallida Alerta roja, Netflix lo vuelve a intentar con Gadot para tener una franquicia de acción como ya hiciera con Chris Hemsworth y la franquicia Tyler Rake.

    Quienes adoren las misiones de Hunt encontrarán aquí ingredientes similares, dado que Gadot no solo protagoniza sino que también ha producido una película de espías inspirada en las hazañas de Hunt junto con Netflix sin ocultar sus intenciones, un homenaje descarado, lo que es evidente incluso por las declaraciones de la actriz y productora sobre su amor a la franquicia protagonizada por Tom Cruise. Recientemente estrenada en cines la última aventura de Hunt con resultados más que satisfactorios, Agente Stone tiene una difícil misión si se compara con ella, pero los formatos de ambas son distintos, pensada una para recaudar millones en los cines y la otra para atraer millones de espectadores que ya pagan Netflix.

    Agente Stone

    Agentes secretos para misiones globales

    Agente Stone llega en una época propicia para el cine de acción con grandes dosis de adrenalina, y en pleno verano qué mejor que disfrutar en casa de viajes por todo el mundo si no se marcha uno de vacaciones, comenzando en los Alpes de Trentino-Alto Adigio para continuar por las calles de Lisboa, e incluso alternando el calor de Senegal con el frio de Islandia. Todo este recorrido al más puro estilo de guía Lonely Planet con acción evidencia la intención de la película de ser una franquicia de acción global que recorra todo el mundo al enfrentarse los agentes a amenazas globales.

    La premisa, el desarrollo y la acción nos deja claro que no quieren sorprender, sino ofrecer los ingredientes necesarios para que los fans de este género disfruten al máximo, pero también enganche incluso a quienes no sean tan afines a la acción pero disfruten con aventuras por todo el mundo con un reparto de lujo liderado por Gal Gadot y agentes encubiertos que deben esconder sus cartas (y nunca mejor dicho) incluso a sus supuestos compañeros. Como valor añadido, introducen el «corazón» o, lo que es lo mismo, la tecnología que ayuda a las «cartas» o agentes a ser perfectos, algo así como una inteligencia artificial que puede acceder y controlar cualquier cosa que esté conectada a la red, lo que da mucho miedo sabiendo que nos encaminamos a algo parecido al ritmo que evoluciona la informática.

    Agente Stone

    Acción y Gadot de la mano

    Tom Harper quizás es el único que falla en su trabajo, pues la dirección de la película es algo irregular, o al menos no es capaz de conseguir equilibrar la primera parte de la película con la segunda, una vez se destapa el giro principal, ni logra escenas de acción sorprendentes más allá de los efectos visuales y los recursos informáticos que disponen los agentes a la hora de sacar adelante las misiones. No se pueden poner objeciones al ritmo y al guion, siempre claro y directo, pero en una época en la que la acción eleva a cotas elevadas de adrenalina a los espectadores, es necesario sobresalir en este apartado para que se destaque en el género, y aquí tenemos algunas escenas trepidantes, otras repletas de acrobacias, pero no siempre funcionan las peleas cuerpo a cuerpo ni las persecuciones.

    Sin duda, Agente Stone ha sentado las bases para una buena franquicia de acción, habiendo hecho los deberes a la hora de aprender lo que funciona en Misión Imposible y, sin lograr llegar a su nivel, si que logra equilibrar la acción con la parte más humana y emocional de sus personajes, siendo una película que parecía hecha a medida para Gal Gadot pero quien no acapara todo el protagonismo al no querer ser completamente autosuficiente su personaje y estar centrada en el trabajo en equipo. Gadot ha demostrado con creces en el pasado estar lista para la acción, y ha llevado sobre sus espaldas el peso de Wonder Woman, pero aquí necesitaba de algo más que su carisma para exprimir al personaje, y le han faltado diálogos más inspirados, como sucede con el resto del reparto.

    Agente Stone

    Un reparto sin mucho donde trabajar

    Más allá de esta imposibilidad del reparto de sacar lo mejor de sus personajes por la ausencia de desarrollo de muchos de ellos y de carencia de diálogos inspirados, no hay duda que la parte humana es la que más destaca, y si bien Gadot hace un buen contraste cuando se deja ver como una agente novata y cuando saca su amplia experiencia como agente encubierta, Jamie Dornan da un mayor valor a su personaje más allá de lo que parece sobre el papel.

    Alia Bhatt servirá de reclamo para sus fans de Bollywood y es agradable como una hacker antagónica mientras Sophie Okonedo luce maravillosa como jefa de las cartas combinando carisma y autoridad sin desmerecer su personaje, destacando también la presencia de Jon Kortajarena como villano, Matthias Schweighöfer como la ayuda de las cartas desde su impresionante sala de control de situaciones, y el pequeño papel de Glenn Close.

    En resumen, Agente Stone es el punto de partida de una franquicia de acción que cuenta como reclamo con Gal Gadot, y de la que seguramente puedan sacar más provecho a sus personajes cuando no tengan que poner sobre la mesa las cartas, ofreciendo por el momento algunas buenas escenas de acción con diálogos insípidos para entretener sin necesidad de demasiadas sorpresas ni giros.


    ¿Qué te ha parecido la película Agente Stone?

    Crítica de ‘Háblame’: Cine de terror con un trasfondo dramático

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    Crítica de ‘Háblame’: Cine de terror con un trasfondo dramático

    Las críticas de Laura Zurita:
    Háblame

    La solitaria adolescente Mia se engancha a la emoción de invocar espíritus utilizando una mano embalsamada, pero cuando se enfrenta a un alma que dice ser su madre muerta, desata una plaga de fuerzas sobrenaturales y se debate entre decidir en quién puede confiar: en los vivos o en los muertos.

    Háblame está dirigida por los hermanos gemelos Danny ye interpretada por Ari McCarthy, Hamish Phillips, Kit Erhart-Bruce, Sarah Brokensha, Jayden Davison, Sunny Johnson, Sophie Wilde, Marcus Johnson, Kidaan Zelleke y James Oliver. La película se estrena en España el 11 de agosto de 2023 de la mano de Diamond Films España.

    HáblameLo sobrenatural como adicción

    Los adolescentes tienen poco sentido del riesgo y a menudo son, a los ojos de cualquiera que no tenga su edad, imprudentes. En Háblame un grupo de adolescentes se entregan a unos juegos con el mundo de los espíritus llenos de riegos, pero que parecen ser adictivos.

    En un retrato generacional, cercano y realista, el juego de los chicos con lo sobrenatural se vuelve viral. El espectador percibe algo que los adolescentes parecen ignorar, que lo que sucede es terrorífico y va a tener consecuencias, lo que contribuye en arado sumo a la sensación de incomodidad y miedo. Esa atmósfera de incomodidad, en la que el terror parece asomar por doquier, tomando formas extrañas e inusuales, es lo que hace Háblame tan efectiva como película de terror. Pasamos miedo de veras, envueltos en una historia triste y dramática, y no por una serie de sustos más o menos efectista.

    Los directores han trabajado mucho con un canal de Youtube, y Háblame es su paso a la gran pantalla. Es sorprendente que su debut sea una obra tan rotunda y tan madura, sin rastro de espita youtubero. Los hermanos Philippou han sabido combinar su creatividad con un dominio sofisticado del lenguaje cinematográfico, y rodearse de un quipo técnico competente. Llevan su película con sobriedad y un enfoque original y dramático sobre lo sobrenatural. El final es sorprendente y desolador; en muy pocos minutos y con pocos medios se nos describe un destino triste e irrevocable, al tiempo que la historia principal adopta un nuevo y sobrecogedor ángulo.

    Crítica de ‘Háblame’: Cine de terror con un trasfondo dramático

    Mía es al tiempo egoísta y víctima

    Háblame habla de personas reales, con problemas reales y un trasfondo trágico. Mía, nuestra protagonista, es una persona herida, porque su madre murió en terribles circunstancias. Esta tristeza la convierte a la vez en víctima y artífice de un juego falaz. Los espíritus no son entidades fiables, que nos den respuestas francas al ser invocados, tienen su propia agenda, y usan a las personas que creen que los están usando a ellos. La película se ha hecho con un presupuesto relativamente modesto para una producción de este tipo.

    Los directores, con gran inteligencia, se adaptan a su limitado presupuesto y crean miedo con un uso imaginativo de la dirección. Háblame no abusa de efectos especiales digitales, y construye la tensión y el terror utilizando enfoques, movimientos de cámaras, planos cortos y dejando que la imaginación del espectador, complete el cuadro.

    La dirección de actores es notable, los directores consiguen que los jóvenes actúan con naturalidad y sin esos excesos en los que caen los intérpretes en cintas de género más convencionales. En el reparto destaca la joven protagonista, Sophie Wilde como Mía, con su aire triste y solitario. También el joven Zoe Terakes como Hailey, resuelve con mucho talento un papel físicamente muy exigente, y su aspecto desamparado hace aún más terrible la manera en la que es maltratado durante la cinta.

    Háblame es una película de terror, dramática y rotunda, con un enfoque original y un acertado sentido del ritmo. Profundamente dramática e inquietante, consigue dar miedo y emocionar mucho más que las películas de sustos al uso.


    ¿Qué te ha parecido la película Háblame

    Crítica de ‘Vampiro al rescate‘: Una aventura de vampiros un tanto descafeinada

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    Vampiro al rescate

    Las críticas de Ignacio Mittenhoff:
    Vampiro al rescate

    En Vampiro al rescate el eternamente joven y siempre elegante Vladimir el vampiro inmortal no ha podido encontrar una novia durante trescientos años. Ha intimidado, secuestrado y convertido a varias princesas en ranas, pero eso no ha facilitado el cortejo para el príncipe de las tinieblas. Mientras tanto, todo lo que la bella doncella Bárbara la Valiente hace es luchar contra los posibles pretendientes en la arena, pretendientes que solo codician su dote. Pero el Rey Lenteja descubrió cómo llegar a Barbara y es también el punto débil de Vladimir. Aunque olvidó tener una cosa en cuenta: a pesar de que tiene la vida y el corazón de Vladimir en sus manos, todavía hay espacio en su corazón para que el amor cobre vida.

    Vampiro al rescate es la segunda película que dirige el director Roman Artemiev, que también pone voz al vampiro, y está producida por Vadim Sotskov, Sergei Selyanov y Sergei Zernov. El reparto lo componen Elizaveta Boyarskaya, Viktor Dobronravov, Anton Eldarov, Nikita Kologrivyy, Irina Savina, Elena Shulman, Dimitriy Sychyov, Vladimir Sychyov y Ekaterina Tarasova. La película se estrena en cines el 11 de agosto de 2023 de la mano de Cinemarán.

    Vampiro al rescate

    De nuevo podemos ver vampiros en el cine animado

    Últimamente el personaje de terror por excelencia del mundo del cine no se ha dejado ver por el cine de animación. Exceptuando El pequeño vampiro allá por el año 2017, o la comedia animada Hotel Transilvania en el año 2012 y sus secuelas, no ha sido el Conde Drácula un personaje que hayamos disfrutado mucho en el cine para los más pequeños. Con Vampiro al rescate volvemos a poner el contador a cero, aunque, viendo el resultado, casi hubiese sido mejor habernos quedado en el Hotel Transilvania y no haber salido de él.

    Al terminar de ver Vampiro al rescate he encontrado ciertas similitudes con otra película que nada tiene que ver con ésta, ni en calidad ni en argumento, pero sí con unos personajes protagonistas con demasiadas coincidencias en común: Shrek. En este caso cambiamos a un ogro por un vampiro, un burro por un pan de jengibre y mantenemos al personaje femenino como una princesa/guerrera muy autosuficiente, y ya tenemos el mismo reparto en las dos películas. ¡Ah!, y sin olvidarnos del malvado rey que ansía casarse con la bella princesa/guerrera. No digo que haya sido a propósito, pero las semejanzas ahí están.

    Vampiro al rescate

    Demasiados amores 

    El tema del amor es la base de toda la película. El problema es que lo tratan con demasiada exageración, demasiado extremista en algunos momentos. Por un lado tenemos a nuestro protagonista con una lista infinita de mujeres que no cumplen con sus exigencias y se ve obligado a convertirlas a todas en ranas, siendo incapaz de encontrar el amor. Luego tenemos a la villana, un personaje muy siniestro que también busca el amor y obliga a nuestro vampiro a casarse con él. También aparece el rey del pueblo, que idea un plan para que secuestren a nuestra heroína y él poder salvarla y así casarse con ella. Luego están los habitantes del pueblo que luchan contra Bárbara para ver si alguno consigue vencerla y así recibir como premio su corazón. Demasiados amores que vienen y van, y que pueden confundir a los más pequeños y quizá enfurecer a algún papá o mamá por como tratan este tema tan delicado.

    El tono de Vampiro al rescate es demasiado oscuro. Tiene cierto sentido, ya que estamos hablando del Conde Drácula. Pero en determinados momentos la película puede convertirse en una auténtica película de terror para los más pequeños: la villana que desea casarse con el protagonista, la lucha entre el espectro y el vampiro, incluso la marioneta Narizín pueden hacer que los niños y niñas más temerosos se tapen los ojos o peguen algún que otro salto del susto que se pueden llevar. En cuanto a la acción y al humor, pues ambos están presentes, pero ni hay escenas con las que soltemos una buena carcajada ni escenas que nos hagan estar en tensión.

    Vampiro al rescate

    Personajes planos y simplones

    En cuanto a los personajes, todos resultan demasiado planos, y no hay ninguno que sobresalga por encima de los demás, ya sea por su ternura, su valentía o su faz cómica. Por un lado tenemos al trío protagonista: Vladimir es un personaje demasiado oscuro y a veces un poco aburrido, aunque debe ser familia de Blade, ya que tiene una gran facilidad para viajar a plena luz del día a pesar de ser un vampiro; Bárbara es demasiado prepotente, y el panecillo de jengibre a veces es demasiado absurdo. Son unos personajes que no terminan de enganchar, y no nos alegramos ni nos entristecemos con las cosas que les ocurren durante la película.

    En el bando de los villanos tenemos al rey del pueblo y su inseparable Narizín, un personaje que quizá los niños no terminen de entender, y con razón: una marioneta con vida propia, que encarna el mal y el egoísmo, y no duda en aprovecharse del inocente y simplón rey para conseguir sus propósitos. También está la malvada bruja deseosa de casarse con Vladimir, un personaje que provoca auténtico terror, que está muy logrado y que consigue crearnos esa sensación de miedo y rechazo cada vez que aparece. Y luego muchos personajes secundarios, destacando Bram y Stoker, dos murciélagos quizá un tanto desaprovechados, ya que lo poco que aparecen provocan las situaciones más divertidas de la película.

    Vampiro al rescate

    Un aspecto visual igual que sus personajes: demasiado simple

    El aspecto visual es simplemente aceptable. No llega (ni se le acerca) a la calidad de las grandes producciones, aunque otras con menor presupuesto tienen un acabado mejor que Vampiro al rescate. Está claro que al público al que va dirigido no les va a importar, pero la diferencia es tan abismal que se hace necesario mencionarlo.

    En resumen, Vampiro al rescate es una película que entretendrá a los más pequeños y recupera un personaje que se deja ver poco para el público infantil, pero que no llega al mínimo exigible para querer hacer un segundo visionado o querer que estrenen una secuela en los próximos años.


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    Vídeo avance de los estrenos de cine del 11 de agosto de 2023

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    Vídeo avance de los estrenos de cine del 11 de agosto de 2023

    Hoy, 11 de agosto de 2023, llegan todos los estrenos de cine de la semana, y nos decantamos por Gran Turismo, la espectacular nueva película de Neill Blomkamp (District 9, Elysium, Chappie).

    Gran Turismo está basada en la increíble historia real de un equipo formado por improbables outsiders – un gamer de clase obrera (Archie Madekwe), un antiguo piloto de carreras fracasado (David Harbour), y un ejecutivo idealista de los deportes de motor (Orlando Bloom). Juntos lo arriesgarán todo para alcanzar la élite mundial del deporte. Se trata de una historia inspiradora, emocionante y llena de acción que deja patente que nada es imposible cuando llevas el combustible en tu interior.

    Protagonizada por David Harbour (Stranger Things, Hellboy), Orlando Bloom (las sagas de El señor de los anillos y Piratas del Caribe), Archie Madekwe (Midsommar), Darren Barnet (Yo Nunca), Geri Halliwell Horner y Djimon Hounsou, Gran Turismo llega exclusivamente a los cines de toda España de la mano de Sony Pictures.


    A continuación os dejamos con los tráilers de los estrenos de cine de la semana que llegan a las salas hoy, 11 de agosto de 2023: