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68 SEMINCI. Crítica de ‘Animal’: Vidas marcadas por el dolor y la tristeza

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Animal - 68 Seminci

Las críticas de David Pérez «Davicine» en la 68 SEMINCI:
Animal

Kalia, madre soltera, lleva más de una década como animadora de un hotel al que Eva, con veinte años y procedente de Polonia, acaba de llegar para desempeñar el mismo trabajo. Sus historias se entrelazan en Animal, ganadora del Premio a la mejor interpretación en Locarno y exploración de la rutina de coreografías, bingo y alcohol que constituye la jornada de los empleados de un todo incluido en el archipiélago heleno que Sofia Exarchou filma bajo la deslumbrante y multicolor luz de unos focos que alumbran una frenética noche de la marmota.

Escrita y dirigida por Sofia Exarchou, Animal está protagonizada por Dimitra Vlagopoulou, Flomaria Papadaki, Ahilleas Hariskos y Voodoo Jürgens, entre otros. La película se presentó en el Festival de Sundance 2023 y se ha presentado a nivel nacional en la 68 Seminci.

Un verano todo incluido

El primer largometraje de Sofia Exarchou, Park (2016), fue ampliamente aclamado tras su estreno en los festivales de Toronto y San Sebastián, donde ganó el Premio Nuevos Directores, y en su nueva película vemos cómo los hoteles todo incluido son la máquina turística griega y sus animadores son los trabajadores que brindan entretenimiento, pero nos plantea una interesante pregunta sobre todo lo que rodea esta faceta turística: ¿Qué significa tener que ponerse el mismo disfraz, interpretar los mismos papeles y entregar todos los días con la misma energía y sonrisas?

Vivimos una época en la que no son pocas las películas ambientadas en centros turísticos de los que incluyen de todo, formando casi un subgénero cinematográfico que ha dado grandes sorpresas recientemente. Sofia Exarchou recoge el testigo y arranca su historia con la temporada veraniega y la recepción tanto de animadores como de clientes en una isla griega, girando la acción alrededor de los trabajadores del hotel Mirage. En un ambiente donde la decadencia parece haber empapado cada rincón del hotel, estos animadores deben trabajar exhaustivamente en la creación de espectáculos escénicos que ofrezcan la ilusión de pasar un buen rato a los turistas allí presentes.

Animal, de Sofia Exarchou

Cruces de caminos sin rumbo

He de admitir que nunca he sido demasiado fan de los hoteles y cruceros con todo incluido, aunque respeto que haya gente de todas las edades que acudan a estas ofertas turísticas para desconectar completamente. Dentro de estas opciones de vacaciones hay todo tipo de hoteles, y Animal se centra en uno donde la decadencia parece estar presente, y el ambiente no es precisamente el más festivo de todos. Las historias de los trabajadores ya presentes con los nuevos fichajes se cruzan como carreteras sin rumbo que poco pueden hacer para cambiar su destino.

El mundo del espectáculo nunca ha estado tan en boca de todos como ahora, con la huelga de actores en Hollywood, y si allí mismo vemos como actores que trabajan en series con millones de espectadores deben tener un segundo trabajo, qué no tendrán que hacer para sobrevivir los personajes de Animal, de quienes sabemos que trabajan en el mejor hotel de la zona pero viven en pésimas condiciones y se apresuran a intentar conseguir un trabajo extra por las noches para no vivir tan ahogados. Como dejan claras las historias de cada uno de ellos al presentarse, no están allí por ser su sueño trabajar en un resort, sino que todos son artistas (de teatro, de circo, de musicales,…) que buscan cualquier medio para hacer lo que aman y poder actuar.

Animal, de Sofia Exarchou

Una mujer mirando al pasado y sin futuro

Al frente de la historia central tenemos a la bailarina Kalia, interpretada por Dimitra Vlagopoulou, quien ha estado haciendo este mismo trabajo desde hace años, intentando mantener la sonrisa mientras canta para una escasa cantidad de turistas. Este trabajo la permite mantenerse a duras penas económicamente pero también ser otra persona durante unos instantes, consiguiendo salir de su triste existencia durante las actuaciones en las que simula ser una estrella de la música. En su camino se cruzará un espíritu afín, la de la joven e inexperta Eva, interpretada por Flomaria Papadaki, a quien vemos claramente (tanto ella como los espectadores) como una versión joven y con ilusiones de la propia Kalia, cuyo futuro no le depara nada mejor y de quien no se dice explícitamente por qué terminó trabajando en este hotel, pero se pueden sacar conclusiones con las pistas que nos van dejando.

Kalia, sintiendo que ha encontrado a un yo más joven, toma a Eva bajo su ala, y la introduce en un mundo de consumo excesivo de alcohol, sexo casual y fiestas sin fin, donde cada noche termina al amanecer y con una resaca difícil de aguantar pero que le facilita seguir adelante. Las historias de estas dos mujeres y el resto de animadores es mostrado casi a modo de documental, siguiendo de cerca los pasos de todos ellos en su día a día, tan de cerca que vemos aún más reforzada la tristeza que marca la vida de todos ellos y los polvorientos alojamientos en los que residen mientras esperan volver a actuar en el siguiente turno de trabajo. Esa oscuridad y tristeza que impregna cada escena viene aderezada con pequeños toques de humor negro en algunas escenas que implican a los turistas a quienes animan, pero la sensación apesadumbrada que baña cada plano es tan marcada que nos provoca una pena que durará incluso tras su visionado.

Presentada a nivel nacional en la 68 Seminci, Animal es una película sencilla y desoladora pero altamente efectiva, capaz de reflejar el dolor de sus personajes y trasladarnos la tristeza de sus vidas mientras son incapaces de encontrar una salida a la oscuridad de su día a día, consiguiendo conmover con sus tristes historias y sus brillantes actrices.


¿Qué te ha parecido la película Animal, de Sofia Exarchou?

68 SEMINCI. Sección oficial. Crítica de ‘Sala de profesores’: El colegio como campo de batalla

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Sala de profesores

Las críticas de José F. Pérez Pertejo en la 68 SEMINCI:
Sala de profesores

Ilker Çatak, director alemán de evidente ascendencia turca en su nombre y apellido, dirige su cuarto largometraje en esta Sala de profesores que se convirtió en la gran triunfadora de los premios Lola del cine alemán (equivalentes a los Óscar, Goya, César… en Alemania) pasando por encima de uno de los grandes éxitos recientes del cine germánico, la hinchadísima Sin novedad en el frente que se alzó, el pasado año, con el Óscar a la mejor película internacional entre otros muchos premios.

Sala de profesores es, incuestionablemente, otro tipo de cine más pegado a la realidad aunque algunas licencias dramáticas puedan hacerla resultar un poco excesiva en algunos momentos. La acción nos sitúa en un colegio de secundaria el día que comienza una nueva profesora sustituta, Carla Nowak (Leonie Benesch), tan idealista como inexperta en el manejo de las complejas situaciones que se le van a presentar. El colegio es cualquier cosa menos una balsa de aceite, al parecer llevan una temporada produciéndose robos tanto en las aulas como en la sala de profesores y la directora lo ha convertido poco menos que en un estado policial en el que los interrogatorios están a la orden del día fomentando, incluso, la delación entre compañeros o dando por buenas las sospechas sin pruebas.

A medida que las cosas se van calentando más de la cuenta, Carla, auténtica protagonista del film, intentará jugar sus propias cartas con mejor voluntad que acierto y acabará complicándose la existencia a sí misma y crispando, más aún, el ambiente del colegio.

El robo (prácticamente incitado por ella misma) que sufre la propia Carla, los medios que ha utilizado para descubrir al culpable y la ligereza con la que acusa a quien, a todas luces, parece culpable, desencadenarán la tormenta perfecta en la que alumnos, padres y profesores entrarán en permanente conflicto sin que nadie, absolutamente nadie, haga las cosas bien.

Con estos ingredientes, Ilker Çatak escribe (junto a Johannes Duncker) un guion cargado de personajes ambivalentes y dilemas éticos que dirige con pulso firme, dando tensión dramática al metraje con un montaje electrizante y una muy inquietante banda sonora de Marvin Miller con los que mantiene al espectador con la continua sensación de que algo está a punto de pasar.

Y este es uno de los grandes méritos del film, la creación de un ambiente tenso y claustrofóbico (la cámara apenas sale del colegio en toda la película) en el que, además de los citados montaje y música, se suma la gradual incorporación de personajes y situaciones que complican las cosas cada vez más. La entrevista a Carla y su tergiversación por parte de los responsables de la revista del colegio (aprendices del peor periodismo posible) es un buen ejemplo de esto. Como lo es el hecho de que el joven Oskar (Leonard Stettnisch), un buen chico y brillante alumno al que las circunstancias colocan en el epicentro del conflicto decida tomarse la justicia por su mano.

La poderosísima interpretación de Leonie Benesch contribuye también a darle nervio al film, su rostro es capaz de modular todos los estados de ánimo posibles y crea un personaje alejado de todos los arquetipos vistos en los muchos dramas escolares que se han realizado a lo largo de la historia del cine. También Çatak se aparta de estos modelos planteando un film que ni juzga a sus personajes ni pontifica con discurso alguno. Presenta a los personajes, expone sus acciones y deja que todo siga el curso natural que siguen las cosas cuando la convivencia se maneja con reproches, gritos, amenazas e incluso golpes. Aunque estamos ante un drama escolar, la sensación, a menudo, es que nos encontramos ante un thriller policial en el que no está claro quiénes son los héroes ni quienes los villanos.

Aunque como se apuntó al principio, algunas situaciones pueden resultar excesivas, la película no pierde credibilidad en ningún momento y mantiene al espectador en un permanente estado de tensión. Sala de profesores es una de esas películas que invitan a acalorados debates a la salida del cine.  Cada situación plantea un dilema ético que admite opiniones encontradas. Cada personaje tiene un posicionamiento cuestionable pero comprensible.

68 SEMINCI. Sección oficial. Crítica de ‘The Shadowless Tower’: O de cómo vivir sin hacer sombra

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The Shadowless Tower

Las críticas de José F. Pérez Pertejo en la 68 SEMINCI:
The Shadowless Tower

Puesto que no conocía de nada a Zhang Lu, director chino de The Shadowless Tower, recurro a internet para echar un vistazo a su filmografía, descubro que tiene ya 61 años, diecisiete obras dirigidas entre cortometrajes, documentales y obras de ficción, algunas de nacionalidad coreana y otras china como esta que nos ocupa. Algunas de ellas han participado en festivales como Locarno o secciones paralelas de Cannes o Berlín hasta que, por fin, el pasado Festival de Berlín en su edición número 73, programó en su sección oficial esta torre sin sombra que se presenta también en la vallisoletana SEMINCI.

The Shadowless Tower es una de esas películas puzzle en las que el director va ofreciendo al espectador la información dosificada a través de secuencias que solo una vez transcurrida buena parte del metraje comienzan a tener un sentido narrativo. Resulta, por tanto, difícil entrar en una película pausada, reflexiva e innecesariamente larga (144 minutos).

El punto de arranque es la visita que un grupo familiar hace a una tumba en un cementerio para honrar la memoria de la abuela con unas flores. Aquí nos presentan al protagonista de la película, aunque todavía no sabemos que lo será. Se trata de un hombre de mediana edad llamado Gu (Xin Baiqing) que, recién divorciado, acude al cementerio acompañado de su hija Xiao Xiao, y de su hermana y su cuñado con los que, tras el divorcio, vive la niña.

A partir de aquí, la película seguirá fundamentalmente los encuentros y desencuentros de Gu con una serie de personajes con los que la interacción tendrá, en ocasiones, efectos balsámicos y, en otras, disruptivos. Gu es un escritor en horas bajas, que, en sus propias palabras ya solo escribe sobre cosas banales.

Toda la película está impregnada de un curioso aire melancólico que impregna la mayoría de las secuencias. La película está apoyada sobre la soledad de Gu y sus dificultades para rehacer su vida sentimental tras su divorcio y sus relaciones personales con los demás, ya sea con la joven fotógrafa Ouyang (Huang Yao), con su inquilino, con su cuñado o, de forma fundamental, con un padre cuyo contacto perdió hace más de cuarenta años cuando un incidente público le convirtió en un paria a los ojos de la sociedad o, con su propia ex mujer, de la que nada sabremos hasta el tramo final de la película.

Es decir, The Shadowless Tower trata, además de la soledad como tema central, del fatalismo de ciertos acontecimientos que determinan nuestras vidas, de las dificultades para mirar al pasado, del peso de la culpa, del perdón, de la pérdida y de las raíces familiares y personales. Parece intuirse también un canto de amor a Pekín por parte del director, pero no es tan explícito como para hacerse notorio.

La torre sin nombre a la que alude el título, y que no aparece en pantalla hasta transcurrida media hora de película tiene, como entidad física, poca o nula importancia en la película. Se trata de una edificación en forma de torre cuyas características arquitectónicas hacen que su sombra no pueda verse en ninguna parte. Esto funciona (o pretende funcionar) como una metáfora de la vida del protagonista, un tipo gris, demasiado considerado con todo el mundo, algo que en esencia sería una virtud pero que hace que su existencia no parezca tener importancia (crear sombra) para nadie. “Tanta educación levanta un muro entre las personas” le dirá su ex mujer en un momento determinado.

Hay momentos muy hermosos en The Shadowless Tower, tanto visualmente como de hondura narrativa. El problema es que contar lo que cuenta, mostrar lo que muestra y expresar lo que expresa puede hacerse con la misma eficacia, la misma belleza y el mismo lirismo en mucho menos tiempo. Para ver sin prisas (ni sueño).

68 SEMINCI. Crónica 5. ‘Sala de profesores’, ‘A Batalha Da Rua Maria Antònia’ y ‘Juniper’.

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Sala de profesores - 68 Seminci
Cobertura realizada por Daniel Farriol:
68 SEMINCI – Semana Internacional de Cine de Valladolid 2023
No es cine todo lo que reluce se ha desplazado hasta Valladolid para disfrutar de la 68 SEMINCI, y os iremos contando nuestras primeras impresiones de todas las películas que tengamos la oportunidad de ver, así como todas otras cosas interesantes que sucedan en estos días tan señalados y dedicados al mejor cine de autor internacional. Hoy os hablamos de las películas: Sala de profesores, A Batalha Da Rua Maria Antònia y Juniper.

Sala de profesores - 68 SeminciSALA DE PROFESORES
(The Teachers’ Lounge)

Dirigida por: İlker Çatak
Intérpretes: Leonie Benesch, Michael Klammer, Rafael Stachowiak, Anne-Kathrin Gummich
País: Alemania
Sección Oficial

Sinopsis: Bienaventurados los idealistas, pues son quienes más sufren los rigores del mundo. Carla, profesora primeriza, llega a un instituto llena de ilusiones. Pronto, el hechizo se desvanecerá bajo el peso de una realidad en la que un pequeño hurto desencadena una serie de consecuencias en las que se entrecruzan los prejuicios, los límites de la privacidad, el acoso escolar y el rol inquisitorial de las redes sociales.

Nuestra opinión: Una de las mejores películas vistas en la Sección Oficial (centrándonos en un cine de autor más apegado a la filosofía de siempre de Seminci) fue Sala de profesores del alemán de origen turco İlker Çatak. La trama de un robo de dinero dentro de la sala de profesores del título proporciona al director un espacio para desarrollar sus tesis sociales en un entorno educativo. De esa forma, la propia escuela se convierte en un espejo de la propia sociedad, albergando los distintos personajes que van desfilando por pantalla las actitudes y prejuicios que a menudo surgen al confrontar una situación límite, es decir, las paredes del edificio sirven como estructura férrea para mostrar las dinámicas de poder de cualquier sociedad occidental.

Çatak consigue dotar a su película de un ritmo frenético que utiliza siempre el punto de vista de Carla (espléndida Leonie Benesch), una profesora recién llegada al centro cuyo idealismo se verá sacudido cuando decida denunciar a una compañera del centro educativo. El in crescendo dramático, a veces con un punto de exageración, conduce al personaje central a una espiral de odios cruzados que sacan a relucir lo peor de los seres humanos, así como la influencia determinante en el pensar colectivo de las fake news o los juicios paralelos, pero también las normas establecidas que buscan mantener el control de la situación desde el caos de la desinformación.

Sala de profesores es un filme muy interesante, dinámico (recibió el premio al mejor montaje) y con una estupenda banda sonora que potencia la tensión acumulativa que proponen los acontecimientos descritos en el guion. No deja indiferente y aporta reflexiones de gran calado, por algo ha sido la película escogida por Alemania para representar al país en los Oscar.

A Batalha Da Rua Maria Antonia - 68 SeminciA BATALHA DA RUA MARIA ANTÔNIA
(The Battle)

Dirigida por: Vera Egito
Intérpretes: Pâmela Germano, Isamara Castilho, Caio Horowicz, Philipp Lavra
País: Brasil
Alquimias

Sinopsis: Sigue los pasos de un grupo de estudiantes que participan en las protestas que tuvieron lugar en 1968 entre los alumnos de la Universidad de São Paulo, contrarios a la dictadura militar, y los de la Mackenzie, favorables a ella.

Nuestra opinión: A Batalha Da Rua Maria Antônia competía en una nueva sección llamada Alquimias y ha sido una de las propuestas más aplaudidas de todas las proyecciones a las que he asistido esta Seminci, lástima que haya pasado algo desapercibida precisamente por estar en una sección paralela a la oficial. La película está inspirada en hechos reales y es una concienzuda recreación hora a hora del enfrentamiento acontecido en São Paulo el 2 de octubre de 1968 entre los estudiantes de dos universidades: la Facultad de Filosofía, Ciencias y Letras de la Universidad de São Paulo (FFCL-USP) y la Universidade Presbiteriana Mackenzie. No solo estaban separadas por una calle si no que cada una representaba una postura política e ideológica sobre el discurrir de la dictadura militar brasileña. El altercado, bajo la mirada impertérrita de la policía, se saldó con un estudiante muerto.

La directora Vera Egito nos muestra lo ocurrido en un tono casi documentalista utilizando el banco y negro y un formato de pantalla recortado. A través de la acción y el inminente caos se recrea a través de las distintas posturas de los personajes centrales que luchan por sus ideales desde posicionamientos distintos (desde el idealismo pasivo hasta la violencia como respuesta). Entre los discursos de activismo político también perfila a sus personajes a través de otras pulsiones más emocionales que forman un compendio bastante realista a todo lo que pudo ocurrir entre las paredes del edificio universitario. La textura rugosa de la imagen nos remite al cine europeo de los años 60, con planos secuencia larguísimos que siguen cámara en mano a los personajes durante su encierro a través de pasillos y dependencias, logrando incrementar la tensión en cada nueva escena.

A Batalha Da Rua Maria Antônia es un filme visceral, en forma y fondo, que emociona desde la inmediatez y sacude por su honestidad. Pese a estar ambientado en 1968, resulta de rabiosa actualidad con la extrema derecha ocupando las instituciones, esa batalla estudiantil de hace casi 60 años parece transmitirse de generación en generación en una sociedad siempre dividida en dos bandos que puede extrapolarse a lo que sucede ahora en diversos países latinoamericanos o en la propia Europa.

Juniper - 68 SeminciJUNIPER

Dirigida por: Matthew J. Saville
Intérpretes: Charlotte Rampling, Márton Csókaś, George Ferrier, Edith Poor
País: Nueva Zelanda
Proyecciones Especiales – Clausura

Sinopsis: Desencuentros e incompatibilidades presiden la obligada y tensa convivencia entre un joven depresivo, expulsado del internado en el que estudia, y su abuela, una excorresponsal de guerra, enferma, alcohólica, arrogante y malhumorada.

Nuestra opinión: Juniper ha sido una clausura desangelada para poner el broche a esta controvertida 68 Seminci donde el nuevo director y su equipo han apostado por un cine autoral arriesgado que ha sacado de quicio a más de un semanista habitual (muchos me han asegurado que el año que viene no renovarán su abono o que preferirán apostar por ir a otros festivales).

Pero, Juniper, no es para nada ese cine, es más, podría catalogarse como un melodrama obvio y telefilmero más propio de una sobremesa televisiva que de una clausura en un festival tan importante. La razón principal de escoger esta película de 2021 que incluso está editada en BluRay en países como Alemania, ha sido poder invitar a recoger su Espiga de Honor a su protagonista, Charlotte Rampling, convertida en la estrella indiscutible de esta edición. Solo por eso es perdonable la inclusión de una película tan nimia como esta.

Juniper es un retrato familiar sobre la relación entre un adolescente conflictivo y su peculiar abuela, malhumorada y alcohólica, que está postrada en una silla de ruedas tras una vida llena de aventuras como corresponsal de guerra. Pese al drama personal que marca las reacciones de los personajes, todo transcurre por una previsibilidad absoluta y los retratos psicológicos carecen de la profundidad necesaria para que podamos empatizar o emocionarnos con lo que ocurre.

Juniper es un coming of age sobre la manera de afrontar vida, dolor y muerte que tiene demasiados lugares comunes en el retrato de esa abuela que transformará la vida del adolescente y le hará concebir su existencia desde una nueva perspectiva. Por suerte, la sola presencia de Rampling en pantalla eleva lo melindroso de la propuesta a algo más apetecible en cada una de sus apariciones con un vaso de ginebra en la mano.


68 SEMINCI 2023

SEMINCI 2023

68 Seminci. Palmarés. ‘La imatge permanent’ se alza con la Espiga de Oro

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68 Seminci. Palmarés. 'La imatge permanent' se alza con la Espiga de Oro

La imatge permanent, de la debutante Laura Ferrés, se ha alzado con la Espiga de Oro de la 68 Semana Internacional de Cine de Valladolid, una edición cuyo palmarés aplaude a un nuevo plantel de mujeres cineastas. Alice Rohrwacher, Angela Schanelec, Molly Manning Walker, Vera Egito, Sara Summa, Nina Gantz, Alice Brygo, Sofia Exarchou, Reema Sengupta, Emma Axelroud Bernard y la también española Marina Alberti han visto reconocidos sus trabajos en las principales categorías de los premios oficiales de la presente edición del festival.

La triunfadora de la 68 Seminci supone la continuación lógica en la trayectoria de Laura Ferrés, que ganó el Goya, el Gaudí y la Semana de la Crítica de Cannes con su cortometraje Los deshederados (2017), un trabajo a caballo entre el documental y la ficción sobre la quiebra de la empresa de su padre estrenado en la Sección Oficial de la 62 Seminci. Este galardón supone la segunda Espiga de Oro a una producción española en los 68 años de historia del festival y la primera que gana una mujer cineasta del país.

El Jurado Internacional ha otorgado la Espiga de Plata a La quimera, cuarto largometraje de la directora italiana Alice Rohrwacher, quien reincide en uno de esos retratos de la Italia profunda, en este caso la de los años ochenta, a través de una historia de ladrones arqueológicos y amores perdidos con Isabella Rossellini en el reparto.

José Luis Cienfuegos, director de la Semana Internacional de Cine de Valladolid
José Luis Cienfuegos, director de la Semana Internacional de Cine de Valladolid

El estilo minimalista, distanciado y elíptico de Música ha reportado a Angela Schanelec el premio Ribera del Duero a la mejor dirección en esta 68 Seminci cuyo palmarés ha reconocido la belleza austera de los planos de Ivan Marković con el galardón a la mejor fotografía, ha valorado de Schanelec «su mirada única y la forma de aproximarse a las historias cual compositora que juega a esconder la emoción en el interior de sus imágenes para dejarla estallar de la forma más conmovedora y bella».

Por su parte, la británica Molly Manning Walker, que llegaba a Valladolid tras su triunfo en la sección Un Certain Regard de Cannes, suma ahora el premio Pilar Miró a la mejor nueva dirección por How to Have Sex, en la que habla sobre el consentimiento sexual a través de un grupo de adolescentes británicos de vacaciones en Grecia. La película también se ha alzado con el premio del Jurado Joven de esta sección.

Léa Seydoux se ha alzado con el premio a la mejor actriz por The Beast, de Bertrand Bonello, un cruce de géneros en el que ofrece una fascinante variedad de registros a través de tres personajes ubicados en distintas épocas, mientras Dave Turner, bombero y hostelero de profesión hasta que Ken Loach lo eligió para papeles secundarios en Yo, Daniel Blake (2016) y Sorry We Missed You (2019), ha sido reconocido con el premio al mejor actor por El Viejo Roble.

Marco Bellocchio ha sido reconocido con el premio Miguel Delibes al mejor guion, nueva denuncia contra las estructuras de poder a partir de la historia real del secuestro de un niño judío por parte del papado en pleno proceso de reunificación italiana.

El premio José Salcedo al mejor montaje ha sido para la alemana Gesa Jäger por Sala de profesores, de İlker Çatak, mientras que el premio de la crítica internacional (Fipresci) ha aplaudido el debut del español Víctor Iriarte en la ficción con Sobre todo de noche.

El Viejo Roble ha sido la preferida del público, que ha decidido con sus votos y una puntuación de 4,73 puntos sobre cinco otorgar su premio a un viejo conocido del festival. La Espiga de Oro al Cortometraje ha recaído en Wander to Wonder, una nueva y detallista pieza de stop motion firmada por una de las grandes promesas de la animación europea como es Nina Gantz.

Marina Alberti ha ganado la Espiga de Plata por Aitana, una obra homenaje a su madre, cuyo nombre da título al cortometraje, y a una memoria fragmentada sobre la que se cierne la amenaza del olvido. El Cortometraje Candidato a EFA Valladolid 2024 es Le Mal des ardents, de la francesa Alice Brygo.

Os dejamos aquí el palmarés completo de la 68 Seminci.

68 SEMINCI. Sección oficial. Crítica de ‘El viejo roble’: La solidaridad como única salida

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El viejo roble

Las críticas de José F. Pérez Pertejo en la 68 SEMINCI:
El viejo roble

Pocos directores, por no decir ninguno, tienen una filmografía tan sólida y coherente como el veterano Ken Loach que, a sus 87 años, le pone el que probablemente será el broche de oro con El viejo roble (The Old Oak). Podría discutirse sobre que algunas de sus películas están más logradas que otras, pero en ninguna abandona su combativo carácter social ni traiciona su ideario cinematográfico.

El viejo roble es el nombre de un decadente pub en un más aún decadente pueblo de tradición minera en el noreste de Inglaterra. El cierre de las minas provocó despoblación, devaluación de las viviendas, depauperación económica y una melancolía que empapa el ánimo de todos los habitantes. TJ Ballantyne (Dave Turner) regenta el pub, último punto de reunión social del pueblo, con paciencia y empatía hacia sus vecinos.

El guion, escrito por Paul Laverty, inseparable guionista de Loach desde hace más de treinta años, nos sitúa en ese pueblo, en el momento de la llegada de un autobús de refugiados sirios que han sido llevados al pueblo precisamente porque la despoblación y el abaratamiento de las viviendas hace más sencillo acomodarles allí que, por ejemplo, en una gran ciudad. La acogida a los sirios en la secuencia inicial, con la que Loach y Laverty ponen las cartas sobre la mesa, divide a los habitantes del pueblo entre la hostilidad y la indiferencia.

Esa secuencia inicial sirve, además, para hacer una presentación de personajes que pondrá el foco en Yara (Ebla Mari), una joven siria permanentemente pegada a su cámara fotográfica, que es, además, la única que habla inglés de manera fluida. La avería de la cámara, debida a la agresión de un cretino, será el detonante argumental para que entable contacto con TJ y entre ambos surja una corriente de empatía que los llevará a emprender la solidaria puesta en marcha de un comedor social.

Pero al mismo tiempo que cuentan esta historia, Laverty desde el guion y Loach con la puesta en escena y la cámara, analizan el origen de algo tan irracional como el racismo. Pero no lo hacen desde el retrato sino desde la indagación. Es decir, El viejo roble no es un “film denuncia” que se limite a señalar una situación, es un film que trata de investigar en un doble sentido: por un lado tratan de encontrar dónde esta él germen, en qué momento se enciende la chispa que desata el desdén, el desprecio o la insensibilidad con el sufrimiento ajeno que, irremediablemente, conduce al odio. Y por otro lado, investigan sobre si existe alguna vía en que estas dos comunidades tan dispares en apariencia tienen alguna posibilidad de convivir en armonía.

Pero una vez hecha esta investigación, Loach y Laverty no se quedan en la mera exposición o divulgación de los resultados, sino que ambos autores (guionista y director son aquí indisolubles) proponen una solución (la única que ven viable) que es la solidaridad. Y se encargan de subrayar la solidaridad como algo diferente a la simple caridad, aunque en ocasiones sean conceptos difíciles de diferenciar.

El viejo roble

Loach aprovecha con inteligencia lo ventajoso que resulta tener un bar para la puesta en escena de una película. Allí sitúa el epicentro de la acción y lo que no ocurre allí, es allí dónde lo cuentan unos personajes que componen una galería variopinta de caracteres, algunos un tanto arquetípicos pero que funcionan para vehiculizar el relato.

TJ y Yara a través de los excelentes trabajos de los debutantes Dave Turner y Ebla Mari representan lo mejor de cada una de sus comunidades, el esfuerzo por acoger que debe hacer el que recibe y el esfuerzo por integrarse que ha de hacer el que llega. Con la suma de esos esfuerzos nada debería salir mal.

Dave Turner dota a su personaje de una bonhomía y una humanidad cargada de matices con una interpretación muy difícil de ver en un debutante. A lo largo de la película es capaz de sacar las tripas del pasado que, en buena parte, explican el presente y su necesidad de agarrarse a algo por lo que vivir.

El viejo roble es una película emotiva, cargada de buenas intenciones, y como todo lo que va cargado, de vez en cuando rebosa y cae en algunos excesos sentimentales, pero en absoluto es una película edulcorada, si acaso, se edulcora un poquito el fatalismo de los personajes y las situaciones que les ocurren.

No sé si Ken Loach, a sus 87 años, se plantea hacer más películas; si no fuera así, El viejo roble es un brillante epílogo a una filmografía jalonada por títulos como Kes, Riff-Raff, Agenda oculta, Lloviendo piedras, Mi nombre es Joe, Dulces dieciséis o El viento que agita la cebada. Muchos de esos títulos han pasado por la SEMINCI de Valladolid, festival que le ha distinguido con dos espigas de oro, una espiga de plata, un premio especial del jurado y le ha dedicado una retrospectiva, la publicación de una monografía y una Espiga de Honor. Ayer, tras el pase oficial, cuando Ken Loach y Paul Laverty volvieron a salir al escenario del Teatro Calderón para el breve coloquio posterior, fueron recibidos por una tremenda ovación con el público puesto en pie, algo que no he visto nunca en las treinta y cuatro ediciones de que llevo a las espaldas. Se respiraba un sincero y cariñoso agradecimiento mutuo entre público y director, con aroma de despedida, que resultó muy emocionante, sobre todo para los más veteranos del lugar.

Palmarés de la novena edición de Another Way Film Festival

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Palmarés de la novena edición de Another Way Film Festiva

Another Way Film Festival ha clausurado su novena edición con más de 10.500 espectadores, presenciales y virtuales, y participantes en sus actividades, con una programación de 43 títulos repartidos entre documentales, películas de ficción, cortometrajes y una miniserie con temáticas en torno al cambio climático, la crisis energética, el consumo en relación con el medioambiente, la justicia social y el activismo.

Marta García Larriu, directora del festival, ha declarado:

Actualmente podemos palpar una gran necesidad de comprensión, de empoderamiento y organización social y hemos querido responder a esta necesidad con la programación y actividades paralelas. En esta edición que finaliza, hemos mostrado una fantástica selección de películas que han ido más allá de lo convencional, desafiando los límites de la creatividad y la sostenibilidad.

Palmarés Another Way 2023

La película Kristos, The Last Child de Giulia Amati, que competía en Sección Oficial y tuvo su estreno nacional dentro del marco del festival, se ha alzado con el Premio del Jurado. Por su parte, Paradise de Alexander Abaturov ha obtenido la Mención Especial del Jurado.

El Premio Odisea para su exhibición en la cadena fue otorgado a Deep Rising de Matthieu Rytz y narrado por Jason Momoa. La Mención especial EELISA (European Engineering Learning Innovation and Science Alliance), un apoyo valorado en 2.000€ para presentar la película ganadora en algunas universidades que conforman la alianza, recayó en Plastic Fantastic de Isa Willinger. El documental retrata la crisis del plástico a través de las voces de la industria, científicos y activistas.

El Premio del Público en Sección Oficial ha recaído en Surrender Your Horns de Bryony Dunne, un documental experimental que mezcla mundos reales y de fantasía sobre la relación del ser humano con los animales. Por su lado, en Sección Impacto la película ganadora del Premio del Público ha sido para Delikado de Karl Malakunas, el relato de tres carismáticos líderes activistas que arriesgan sus vidas por preservar la última frontera ecológica en Filipinas. 

Durante la clausura también se revelaron los trabajos ganadores de la séptima edición del concurso de cortometrajes “Rueda por el cambio” y el guión seleccionado de la convocatoria “Guiones por el cambio”. Los trabajos ganadores de “Rueda por el cambio” han sido en la categoría nacional El establo de Elisa Puerto Aubel, Premio del Jurado; y en la categoría internacional Manimondo de Michele Tozzi, Premio del Público, destinado al trabajo con más visionados en el canal de YouTube del festival. 

Además, el guión ganador de “Guiones por el cambio” ha sido el documental Melodía para el fin del mundo de Eva Montoya, dotado de 2.000€ para el desarrollo de su guion.

68 SEMINCI. Sección oficial. Crítica de ‘La quimera’: Lo posible, lo imaginado y lo vivido

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La quimera

Las críticas de José F. Pérez Pertejo en la 68 SEMINCI:
La quimera

Las dos principales acepciones de la palabra quimera se abrazan en el título y en el argumento del cuarto largometraje de la directora italiana Alice Rohrwacher, una de las creadoras más imaginativas, profundas y originales surgidas en el cine europeo de lo que va de siglo.

La quimera es, en la mitología clásica (originariamente en la griega), un monstruo imaginario que vomitaba llamas y tenía cabeza de león, vientre de cabra y cola de dragón; pero el término también se aplica en literatura y, por extensión, en el lenguaje coloquial a “aquello que se propone a la imaginación como posible o verdadero, no siéndolo”.

Alice Rohrwacher nos sitúa en la Toscana y nos presenta a una galería de personajes pintorescos, la mayoría de los cuales componen una banda de saqueadores de yacimientos arqueológicos etruscos encabezada por un inglés llamado Arthur (Josh O’Connor), un hombre permanentemente atribulado, atormentado por la pérdida de su novia, que vive en una destartalada chabola y viste trajes mugrientos que le dan un aspecto de vagabundo de esos que provocan que, a su paso, uno se lleve la mano a la nariz. Arthur tiene un talento innato para detectar (utilizando la técnica de los zahoríes para encontrar agua) los yacimientos etruscos que permanecen ocultos en el subsuelo.

Cerca de su chabola vive, en una decadente casa noble, una anciana profesora de música (Isabella Rossellini) que ejerce como protectora de Arthur por quien parece sentir una especial debilidad, al mismo tiempo alberga en su casa a una joven discípula, llamada Italia (Carol Duarte) aprendiz de canto con nulo talento a la que en realidad utiliza como sirvienta.

La quimera se constituye como una película casi inclasificable, una fábula poética en la que resultaría imposible, o al menos muy complejo, desentrañar todas las metáforas y simbolismos imbricadas en las imágenes y en los personajes a través de la mirada al pasado, al reciente, el que nos ha hecho el daño (físico o emocional) más evidente, pero también al lejano, al pasado establecido en la cultura y la civilización a la que pertenecemos y que, queramos o no, también nos determina como seres pensantes y obrantes.

La quimera 02

Hay, en la filmación, un juego con los formatos cinematográficos, el 16 y el 35 se entrelazan para representar lo onírico y lo real, aunque la realidad y los sueños sean, como en pocos films, tan difíciles de separar. La acción se detiene y transcurre pausada cuando la directora quiere pegar la cámara a los personajes y la imagen se acelera (literalmente) cuando quiere aligerar los tiempos muertos o las transiciones en una suerte de antielipsis. Todos estos juegos (formatos, velocidades y ensoñaciones) podrían parecer artificiosos (y tal vez lo sean) pero curiosamente otorgan, desde el artificio, coherencia a la narrativa y a la estética de una creadora para la que no existen los personajes huecos ni los planos de relleno. La sombra de Fellini es alargada.

Rohrwacher escribe un film circular, el principio y el final se abrazan argumental y visualmente a través de lo bucólico de las imágenes y lo trascendente del relato que queda propuesto sutilmente a la imaginación del espectador (“como posible o verdadero, no siéndolo”). La travesía del personaje de Arthur es lírica y épica, una aventura personal que le permitirá liberarse de todo apego material (no estás concebida para ser vista por los ojos humanos) e inmaterial (el amor de Italia) para acabar renunciando a sí mismo.

La quimera es una película hermosa, divertida y dispuesta a despertar las conciencias y los corazones de los espectadores. Resulta gozoso reencontrar a Isabella Rossellini que tan poco se prodiga en el cine, a la Carol Duarte que nos conquistó en La vida invisible de Eurídice Gusmão, a la hermana de la directora, Alba Rohrwacher en un breve y simbólico personaje de nombre Espartaco y, por supuesto, a Josh O’Connor el siempre atildado y elegantísimo príncipe Carlos de Inglaterra en las temporadas 3 y 4 de The Crown, convertido aquí en un poético pordiosero.

68 SEMINCI. Crónica 4. ‘Samsara’, ‘The Beast in the Jungle’ y ‘The Beast’.

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The Beast in the Jungle - 68 Seminci
Cobertura realizada por Daniel Farriol:
68 SEMINCI – Semana Internacional de Cine de Valladolid 2023
No es cine todo lo que reluce se ha desplazado hasta Valladolid para disfrutar de la 68 SEMINCI, y os iremos contando nuestras primeras impresiones de todas las películas que tengamos la oportunidad de ver, así como todas otras cosas interesantes que sucedan en estos días tan señalados y dedicados al mejor cine de autor internacional. Hoy os hablamos de las películas: Samsara, The Beast in the Jungle y The Beast.

Samsara - 68 SeminciSAMSARA

Dirigida por: Lois Patiño
Intérpretes: Amid Keomany, Toumor Xiong, Simone Milavanh, Mariam Vuaa Mtego
País: España
Sección Oficial

Sinopsis: Una historia sobre la vida, la muerte y la reencarnación que comienza con una anciana en Laos y termina con dos niñas y una cabritilla en Zanzíbar.

Nuestra opinión: Samsara ha sido una de las películas que más debate ha suscitado esta 68 Seminci porque escenifica a la perfección el cambio de rumbo que ha dado el festival bajo la dirección de José Luis Cienfuegos, apostando por un cine de autor más exigente y arriesgado, algo que no parece estar calando en el público semanista habitual. La nueva propuesta del gallego Lois Patiño incide en un cine que está en los márgenes del cine documental y desdibuja la frontera entre ficción, realidad y experimentación narrativa, tal y como se atestiguaba en anteriores obras como Costa da Morte (2013) o Lúa vermella (2020), muy celebradas en circuitos independientes.

En esta ocasión, sin perder un ápice de su identidad, abandona las costumbres y tradiciones gallegas para embarcarse en un fascinante viaje entre Laos y Zanzíbar, con un interludio sensorial que escenifica el contenido del «Bardo Thodol» (el libro tibetano de los muertos) donde se prepara a personas moribundas para el proceso de reencarnación posterior a su muerte. Con esa ambiciosa idea conceptual, Patiño nos invita durante una secuencia de 15 minutos, casi como el maestro Erice, a «cerrar los ojos» para dejarnos llevar por los sonidos y luces estroboscópicas que nos llevarán a esa travesía sensorial por un Bardo imaginario, casi como si estuviéramos en plena secuencia onírica de una odisea espacial kubrickiana. Pero más allá de lo anecdótico, lo importante es el modo en que el espacio envuelve a los personajes convirtiendo la relación hombre-naturaleza en el nexo de toda su obra.

Samsara es una película exigente que requiere de la implicación emocional del espectador, de otra manera la experiencia será infructuosa. Sin embargo, es indudable la capacidad que tiene el director en imbuirnos del estado contemplativo asociado al budismo con una mirada que rehuye del exotismo gratuito, logrando imágenes perdurables en el tiempo con una historia mínima que permite un acercamiento cultural sincero en sus dos partes diferenciadas. Un filme (injustamente) polémico por estos lares que tiene toda la pinta (pese a la opinión de muchos) de colarse en el palmarés y es que no podemos renunciar en un festival de cine de autor a directores que precisamente intentan proponer un cine distinto con su propio sello, como demuestran esas escenas rodadas en África que guardan una tremenda similitud con las mariscadoras de la Costa da Morte.

The Beast in the Jungle - 68 SeminciTHE BEAST IN THE JUNGLE
(La Bête dans la jungle)

Dirigida por: Patric Chiha
Intérpretes: Anaïs Demoustier, Tom Mercier, Béatrice Dalle, Martin Vischer
País: Francia
Alquimias

Sinopsis: La relación de dos amantes que, entre cuerpos en movimiento y a lo largo de veinticinco años, se acercan y alejan en una sala de fiestas sin percatarse de que, a su alrededor, el tiempo avanza y el mundo cambia.

Nuestra opinión: The Beast in the Jungle es un sorprendente drama existencial sobre el miedo a vivir y el miedo a morir sin haber vivido. Ha sido muy curioso y gratificante asistir en la 68 Seminci a la proyección de tres títulos que están inspirados libremente en la novela corta «The Beast in the Jungle» de Henry James, en concreto, La habitación verde (François Truffaut, 1978), que también ha servido para homenajear a la actriz Nathalie Baye, la desmedida y fantasiosa La Bête (Bertrand Bonello, 2023), y finalmente esta fascinante La bête dans la jungle (Patric Chiha, 2023) donde la acción de la novela se traslada al interior de una discoteca durante los años 1979 a 2004.

Ese periodo temporal asociado a un club nocturno nos permite revisar la evolución musical, social e histórica, a través de la ambientación y pequeños detalles que se deslizan por debajo de la historia principal, aunque paradójicamente la atmósfera del filme adquiera un tono de fábula atemporal que reflexiona sobre el amor, la obsesión y los miedos. The Beast in the Jungle es una adaptación inteligente que moderniza el texto original, donde destaca la presencia de Anaïs Demoustier, así como un hipnótico tratamiento de la imagen que va adaptándose al desarrollo argumental.

La verdad es que las pocas películas que he podido ver en la sección Alquimias de nueva creación en Seminci, me están sorprendiendo de manera grata con propuestas de autor que se alejan de convencionalismos narrativos sin perder de vista la conexión con el público.

The Beast - 68 SeminciTHE BEAST
(La Bête)

Dirigida por: Bertrand Bonello
Intérpretes: Léa Seydoux, George MacKay, Guslagie Malanda, Dasha Nekrasova
País: Francia, Canadá
Sección Oficial

Sinopsis: Hastiada de sufrimientos, cansada de pesares, Gabrielle decide librarse de toda emoción gracias a una tecnología capaz de suprimir esas rémoras llamadas sentimientos. En el proceso, repasará sus vidas pasadas y sus sucesivos encuentros con Louis, su amor imposible y causa de esa decisión.

Nuestra opinión: The Beast es un drama de ciencia-ficción tan complejo como irregular, otro tour de force desafiante de Bertrand Bonello que no ha convencido demasiado por aquí. En mi caso particular, tuve la suerte de ver la película el mismo día que La bête dans la jungle (Patric Chiha, 2023), para así poder comparar mejor las distintas opciones respecto a un mismo texto de partida en la novela de Henry James.

Bonello decide rodar su historia en tres épocas temporales distintas (año 1910, 2014 y 2044), creando una distopía emocional demasiado confusa, pero no exenta de partes visualmente asombrosas como la secuencia del incendio/inundación. Es curioso que la película funcione mejor cuanto más clásica se vuelve y naufrague en fragmentos donde se introducen elementos formales propios de nuestra época. The Beast relata una historia de amor vivida varias veces y de distinta forma (por eso la parte del youtuber psicópata rechina un montón) con la excusa de que en un futuro cercano una máquina permite a las personas purificar sus emociones reviviendo sus vidas pasadas.

En el filme saca a colación la problemática de la Inteligencia Artificial tomando las riendas de nuestra convivencia, así como la pérdida de las emociones puras en un contexto donde prima la fría perfección, algo que ya pasaba en Gattaca (Andrew Niccol, 1997). Sin embargo, los saltos temporales de The Beast parecen desconectados entre sí, la sensación es estar zapeando por distintas películas y la esencia de la novela o el sentido metafórico de «la bestia» acaban diluidos sin que el espectador sea capaz de atar los cabos necesarios para comprender algunas de las decisiones que toma el director.

Lo mejor de esta adaptación es la parte ambientada en 1910 y la presencia magnética de Léa Seydoux, mientras que la curiosidad excéntrica la encontramos al llegar a los créditos finales que son sustituidos por un código QR en pantalla para que el público lo escanee a través de sus dispositivos móviles (con escena post créditos incluida). ¿Cine de autor o cine con ínfulas de autor? Esa es la cuestión que muchos están debatiendo cada día a las puertas del Teatro Calderón.


68 SEMINCI 2023

SEMINCI 2023

Vídeo avance de los estrenos de cine del 27 de octubre de 2023

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Vídeo avance de los estrenos de cine del 27 de octubre de 2023

Hoy, 27 de octubre de 2023, llegan todos los estrenos de cine de la semana, y nos decantamos por El chico y la garza del director japonés Hayao Miyazaki, una fantasía semiautobiográfica sobre la vida, la muerte y la creación, en homenaje a la amistad, de la mente del propio Hayao Miyazaki.

En El chico y la garza (Kimitachi wa dô ikiru ka), un joven llamado Mahito, que añora a su madre, se aventura en un mundo compartido por los vivos y los muertos. Allí, la muerte llega a su fin y la vida encuentra un nuevo comienzo.

Podéis leer la crítica de uno de nuestros colaboradores en la 71ª edición del Festival de San Sebastián aquí.


A continuación os dejamos con los tráilers de los estrenos de cine de la semana que llegan a las salas hoy, 27 de octubre de 2023:

Estrenos de cine de la semana: 27 de octubre de 2023

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Estrenos de cine de la semana: 27 de octubre de 2023

Hoy, 27 de octubre de 2023, es un gran día para muchos de nosotros, pues llega a los cines la esperada El chico y la garza, de Hayao Miyazaki, motivo más que suficiente para ir a los cines, pero hay muchas más opciones.

Estrenos de cine de la semana: 27 de octubre de 2023

A continuación os dejamos con la lista de los estrenos de cine de la semana que llegan a las salas hoy, 27 de octubre de 2023:

Alimañas

Título original: Alimañas
Año: 2023
Duración: 84 min.
País: España
Dirección: Jordi Sánchez, Pep Anton Gómez
Guion: Jordi Sánchez, Pep Anton Gómez
Reparto: Jordi Sánchez, Carlos Areces, Silvia Abril, Loles León, Carmina Barrios, Antonio Resines, Pilar Bergés, Saturnino García, Pere Vallribera, Blanca Martínez, Val Semure
Música: Isabel Royán
Género: Comedia, Comedia negra

Dos hermanos muy distintos entre ellos, Carlos y Paco (Carlos Areces y Jordi Sánchez), acaban unidos por la ambición de heredar un edificio propiedad de su madre, ya anciana. En ese lugar ambos tienen puestas todas sus esperanzas para mejorar su precaria situación económica.


Besos negros

Título original: Besos negros
Año: 2022
Duración: 70 min.
País: Colombia
Dirección: Alejandro Naranjo
Guion: Alejandro Naranjo, Omar A. Razzak
Reparto: Gladys Rodríguez, Andrés Tirado, Edgar Kerval, Rick Nekro,
Música: Andrés Martínez Corbo, Alejandro Alonso Gayoso, Gonzalo Maceira Hermida, Iván Blanco Silva
Fotografía: Alejandro Naranjo
Género: Drama

La figura del Diablo y de Dios se mezclan esta película de Alejandro Navarro. Besos Negros (2022) recorre la vida de varios personajes que buscan llegar a la felicidad a través de los anticuados rituales del amor. Una mujer se siente profundamente traicionada y recurre a un exorcista para cambiar esta sensación. Al mismo tiempo un hechicero adorador de satán le pide matrimonio a su novio.


Coraje

Título original: Ta farda
Año: 2022
Duración: 86 min.
País: Irán
Dirección: Ali Asgari
Guion: Ali Asgari, Alireza Khatami
Reparto: Sadaf Asgari, Ghazal Shojaei, Babak Karimi, Amirreza Ranjbaran, Nahal Dashti, Mohammad Heidari, Milad Moayeri, Katayoon Saleki, Noyan Abdardideh
Música: Ali Birang
Fotografía: Rouzbeh Raiga
Género: Drama, Familia, Maternidad

Fereshteh tiene que esconder a su bebé ilegítimo durante una noche para que no lo vean sus padres, que acuden en una visita sorpresa. Su amiga Atefeh la ayuda. Se embarcan en una odisea durante la cual deben sopesar cuidadosamente quiénes son sus aliados.


Divertimento

Título original: Divertimento
Año: 2022
Duración: 110 min.
País: Francia
Dirección: Marie-Castille Mention-Schaar
Guion: Clara Bourreau, Marie-Castille Mention-Schaar
Reparto: Oulaya Amamra, Lina El Arabi, Zinedine Soualem, Niels Arestrup, Nadia Kaci, Laurent Cirade, Louise Legendre, Ariane Ascaride
Música: Elise Luguern
Fotografía: Naomi Amarger
Género: Drama, Biográfico, Música, Basado en hechos reales

Año 1995. Con 17 años, Zahia Ziouani sueña con ser directora de orquesta. Su hermana gemela, Fettouma, es violonchelista profesional. Arrulladas por la música clásica sinfónica desde la infancia, a las dos jóvenes les gustaría que esta música fuera accesible a todos y en todas partes. ¿Cómo realizar un sueño tan ambicioso en los años 90, siendo mujer, de origen argelino y viviendo en Seine-Saint-Denis? Con determinación, pasión, valentía y, sobre todo, con el increíble proyecto de crear su propia orquesta: Divertimento.


El asesino (The Killer)

Título original: The Killer
Año: 2023
Duración: 118 min.
País: Estados Unidos
Dirección: David Fincher
Guion: Andrew Kevin Walker, Novela gráfica: Alexis Nolent
Reparto: Michael Fassbender, Tilda Swinton, Charles Parnell, Arliss Howard, Kerry O’Malley, Sophie Charlotte, Sala Baker, Emiliano Pernía, Monique Ganderton, Gabriel Polanco, Monika Gossmann, Kellan Rhude, Génesis Estévez
Música: Trent Reznor, Atticus Ross
Fotografía: Erik Messerschmidt
Género: Thriller, Drama, Crimen, Cómic

El protagonista (Michael Fassbender) de The Killer (David Fincher) no tiene ni siquiera un nombre. Él ha sido toda su vida un asesino a sueldo que ha estado viajando por todo el mundo cumpliendo siniestros encargos. Sin embargo, ahora, después de tantos años de soledad y asesinatos, no tiene tan claras las cosas y no sabe si abandonar este horrible tipo de vida. Por ello, acaba fallando en su último encargo y siendo perseguido por sus clientes. En la película también participan los actores Tilda Swinton y Charles Parnell.


El chico y la garza

Título original: Kimitachi wa dô ikiru ka
Año: 2023
Duración: 124 min.
País: Japón
Dirección: Hayao Miyazaki
Guion: Hayao Miyazaki, Novela: Genzaburô Yoshino
Música: Joe Hisaishi, Canción principal: Kenshi Yonezu
Género: Animación, Drama, Fantástico, Drama psicológico, Años 40

Película de animación dirigida por Hayao Miyazaki para el Studio Ghibli, que cuenta el relato de un mucahcho adolescente que, a través de diálogos con su tío, reflexiona sobre cómo vivir y comportarse con el resto de la sociedad, mientras plantea cuestiones vitales como la pobreza y la discriminación.


Hypnotic

Título original: Hypnotic
Año: 2023
Duración: 92 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Robert Rodriguez
Guion: Robert Rodriguez, Max Borenstein
Reparto: Ben Affleck, Alice Braga, William Fichtner, Hala Finley, JD Pardo, Dayo Okeniyi, Jeff Fahey, Tony Amendola, Stacey Travis, Cristian de la Fuente, Kelly Frye, Derek Russo, Jackie Earle Haley
Música: Rebel Rodriguez
Fotografía: Pablo Berron, Robert Rodriguez
Género: Thriller, Acción, Intriga

Este thriller de ciencia ficción narra la historia de Daniel Rourke, un detective que busca a su pequeña hija desaparecida. Mientras investiga una serie de extraños robos a bancos, Rourke pondrá en duda cualquier cosa que ve o que siente. Contará con la ayuda de Diana Cruz, una psíquica que le hablará de un nuevo concepto: ‘hypnotic’, y cómo todo aquello que oye o ve parece perfectamente normal, sin serlo. Será entonces cuando el detective, sin diferenciar a ciencia cierta lo que es real o no, persiga y sea perseguido simultáneamente por un misterioso y esquivo individuo que parece tener la clave para encontrar a la niña desaparecida.


La contadora de películas

Título original: La contadora de películas
Año: 2023
Duración: 115 min.
País: España
Dirección: Lone Scherfig
Guion: Walter Salles, Rafa Russo, Isabel Coixet, Novela: Hernán Rivera Letelier
Reparto: Bérénice Bejo, Antonio de la Torre, Daniel Brühl, Sara Becker, Geraldine Neary, Luis Dubó, Pablo Schwarz, Mario Horton, Max Salgado, Ariel Mateluna, Francisco Diaz, Santiago Urbina, Beltrán Izquierdo
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Daniel Aranyó
Género: Drama, Años 60

Años 60, desierto de Atacama, Chile. María Magnolia es una mujer que a pesar de vivir bajo difíciles condiciones, trata de transmitir a su hija, María Margarita, su pasión por el arte. María Margarita se convertirá en la contadora de historias del pueblo, donde la mayor parte de sus habitantes no pueden pagarse una entrada de cine.


Mamacruz

Título original: Mamacruz
Año: 2023
Duración: 84 min.
País: España
Dirección: Patricia Ortega
Guion: Patricia Ortega, José F. Ortuño
Reparto: Kiti Mánver, Pepe Quero, Inés Benítez, Silvia Acosta, Loles Gutiérrez, Mari Paz Sayago, María José Mariscal, Paula Díaz, Úrsula Díaz Manzano
Música: Paloma Peñarrubia
Fotografía: Fran Fernández Pardo
Género: Comedia, Drama, Vejez / Madurez, Internet / Informática

Cruz es una abuela que lleva muchos años, décadas ya, sin saber lo que es un orgasmo. Ella, devota de sus creencias religiosas, no le daba importancia ni tampoco se lo había planteado… hasta que un día navegando por Internet empieza a sentir de nuevo deseos y sensaciones que ya creía extinguidas. Pero, ¿cómo compaginar sus creencias con este nuevo despertar sexual y sensual que ha llegado de pronto a su vida?


Quan no acaba la nit (Cuando la noche no termina)

Título original: Quan no acaba la nit
Año: 2023
País: España
Dirección: Óscar Montón
Guion: Tirso Calero, Begoña Soler, Óscar Montón
Reparto: Roberto Hoyo, Carla Pascual, Sergio Castillo, Álex Monterde, Alex Peral, Leo de Bari, Chimo Bayo, Juanma Fernández, Lía Herbor, Adrià Lerma, Toni Llorens, Paqui Rondan, Pepa Sarrió, Manuel Valls
Música: Javier Contreras, Mª Elena García Ferrandez
Fotografía: David Monton
Género: Drama, Amistad, Años 90

Principios de la década de los 90. Los jóvenes Pol, Carlos, Cris y Fran experimentan de lleno el impacto de la «movida valenciana», conocida en el resto del país como «la Ruta del Bakalao». Con apenas 18 años, y sin grandes planes vitales, los muchachos pasan sus días esperando que llegue el viernes para salir de fiesta en busca de la diversión infinita, una forma de evasión de sus problemas cotidianos.


Retribution

Título original: Retribution
Año: 2023
Duración: 91 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Nimród Antal
Guion: Andrew Baldwin, Chris Salmanpour, Historia original: Alberto Marini
Reparto: Liam Neeson, Jack Champion, Embeth Davidtz, Matthew Modine, Arian Moayed, Emily Kusche, Lilly Aspell, Noma Dumezweni, Jerry Kwarteng, Christian Koerner, Nedy John Cross, Michael S. Ruscheinsky
Fotografía: Flavio Martínez Labiano
Género: Thriller, Intriga, Thriller psicológico, Remake

Matt Turner (Liam Neeson) es un hombre de negocios estadounidense que vive en Berlín y que, en el transcurso de un día, se encuentra en una carrera contrarreloj para salvar a su familia y su propia vida. Cuando lleva a sus hijos a la escuela, Matt recibe una llamada telefónica, una voz misteriosa le advierte que su vehículo está lleno de explosivos. Para proteger a su familia y resolver el misterio, Matt debe seguir las instrucciones del extraño y realizar una serie de tareas a contrarreloj. Remake de la película española de 2015 ‘El Desconocido’.


Trolls 3: Todos juntos

Título original: Trolls Band Together
Año: 2023
Duración: 91 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Tim Heitz, Walt Dohrn
Guion: Jonathan Aibel, Glenn Berger, Elizabeth Tippet
Reparto: Justin Timberlake, Anna Kendrick, Zooey Deschanel, Christopher Mintz-Plasse, Troye Sivan, Daveed Diggs, Kunal Nayyar, Kevin Michael Richardson, Andrew Rannells, Kenan Thompson, Amy Schumer, Zosia Mamet
Música: Theodore Shapiro
Género: Animación, Comedia, Fantástico, Infantil, Secuela, Cine familiar

Poppy y Branch son oficialmente, por fin, pareja (#broppy). A medida que se relacionan, Poppy descubre que Branch tiene un pasado secreto. Una vez formó parte de su fenómeno boyband favorito, BroZone, con sus cuatro hermanos: Floyd, John Dory, Spruce y Clay. BroZone se disolvió cuando Branch era todavía un bebé, al igual que la familia, y Branch no ha vuelto a ver a sus hermanos desde entonces. Pero cuando Floyd, el hermano de Branch, es secuestrado por sus talentos musicales por un par de nefastos villanos estrellas del pop, Velvet y Veneer, Branch y Poppy se embarcan en un angustioso y emotivo viaje para reunir a los otros hermanos y rescatar a Floyd de un destino aún peor que la oscuridad de la cultura pop.