Nuevo tráiler de ‘Vaiana’, donde vemos a Dwayne Johnson como Maui

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23 marzo, 2026

Nuevo tráiler de 'Vaiana', donde vemos a Dwayne Johnson como Maui

Ya ha visto la luz el nuevo tráiler de la adaptación en acción real de Vaiana, protagonizada por Dwayne Johnson, que vuelve a interpretar su papel del semidiós Maui y Catherine Lagaʻaia en el papel de Vaiana. La película se estrena solo en cines el 8 de julio de 2026 de la mano de Disney.

Además de Lagaʻaia y Johnson, el reparto de Vaiana incluye al actor John Tui, natural de Auckland (Nueva Zelanda), en el papel del padre de Vaiana, el jefe Tui; la actriz samoano-neozelandesa Frankie Adams, que interpreta a la madre de Vaiana, Sina; y a Rena Owen, de Bahía de las Islas (Nueva Zelanda), en el papel de la venerada abuela de Vaiana, Tala.

En esta adaptación en acción real de Disney de la aventura animada nominada al Óscar, Vaiana responde a la llamada del océano y, por primera vez, viaja más allá del arrecife de su isla de Motunui con el semidiós Maui en un viaje inolvidable para devolver la prosperidad a su pueblo.

Vaiana está dirigida por Thomas Kail (Hamilton), producida por Dwayne Johnson, Dany Garcia, Beau Flynn, Hiram Garcia y Lin-Manuel Miranda; y con la producción ejecutiva de Thomas Kail, Scott Sheldon, Charles Newirth y Auliʻi Cravalho, quien prestó su voz a Vaiana en las películas animadas Vaiana y Vaiana 2.

Prime Video estrenará la serie ‘Cochinas’ el 24 de abril

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David Pérez "Davicine"

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23 marzo, 2026

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Prime Video estrenará la serie 'Cochinas' el 24 de abril

Prime Video ha anunciado que estrenará el 24 de abril su próxima serie Original Cochinas, protagonizada por Malena Alterio, Celia Morán y Álvaro Mel y dirigida por Andrea Jaurrieta (Nina), Laura M. Campos (Valeria) y Núria Gago (Su vida en tus manos). Además, ha desvelado el tráiler oficial de esta serie que se presentó en el pasado Festival de Cine de Málaga.

Completan el reparto Raquel Pérez, Celia de Molina, Chani Martín, Esperanza de la Encarnación, Álvaro Almodóvar, Albert Baró, Ana Mencía, Josele Román, Aina Picarolo, David Castillo, Enrique Asenjo, Jose Luis García-Pérez, Paqui Horcajo, Juanjo Cucalón, Blanca Javaloy, y cuenta con la participación de Daniela Blume.

Cochinas nos lleva hasta Valladolid, 1998. Nines es un ama de casa de aires conservadores que se ve forzada a enfrentarse a todo lo que creía saber sobre sí misma cuando su marido cae en coma, dejando el videoclub familiar a su cargo. Nines descubre que el negocio está en quiebra, y decide especializarse en el único género que les da dinero: el porno. Lo que le faltaba, rodearse de penes y pezones todo el santo día. Menos mal que tiene la ayuda de Chon, la deslenguada empleada del videoclub, y Agu, un cinéfilo empedernido, para convertir el “Dorothy” en el primer videoclub porno de la ciudad, un lugar que acabará convirtiéndose en el epicentro de un terremoto entre las vecinas del barrio. La liberación sexual ya es imparable.

Malena Alterio interpreta a Nines, la abnegada ama de casa que hace malabares para sacar adelante a su familia, y quien poco a poco se va liberando de sus propios prejuicios, empezando a dejarse llevar por el empoderamiento profesional y el placer sexual. Celia Morán es Chon, una mujer dura y hecha a sí misma que vive su propia liberación sentimental en el viaje que hace junto a Nines para salvar al Dorothy. Álvaro Mel interpreta a Agustín, un chico tímido y despistado que guarda un gran secreto: el sexo no va con él y su liberación pasa por aceptarse a sí mismo, lo que no será fácil.

Ya disponible en Apple TV la miniserie ‘Mujeres imperfectas’

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Ignacio Mittenhoff

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22 marzo, 2026

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Mujeres imperfectas, el nuevo thriller psicológico protagonizado y producido por Elisabeth Moss y Kerry Washington, y creado para televisión por Annie Weisman, se estrenó en Apple TV con los dos primeros episodios el pasado miércoles 18 de marzo, seguidos de un nuevo capítulo cada semana hasta el 29 de abril.

Basada en la novela homónima de Araminta Hall, la miniserie disecciona un crimen que destroza la vida de tres mujeres unidas por una amistad de décadas. El thriller explora la culpa y la venganza, el amor y la traición, y los compromisos que marcan sus vidas irreversiblemente. A medida que la investigación se desarrolla, se revela también la verdad sobre cómo incluso las amistades más cercanas pueden no ser lo que parecen.

El reparto lo completan Joel Kinnaman, Corey Stol, Leslie Odom Jr., Audrey Zahn, Jill Wagner, Rome Flynn, Sheryl Lee Ralph, Violette Linnz, Indiana Elle, Jackson Kelly, Keith Carradine, Ana Ortiz y Wilson Beth.

El éxito teatral ‘Tres’ da el salto al cine

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Ignacio Mittenhoff

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22 marzo, 2026

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Arranca el rodaje de la comedia Tres, la adaptación de la exitosa obra homónima de Juan Carlos Rubio, bajo la dirección de María Ruiz, que firma su segunda película tras Ni contigo ni sin mí, que próximamente llegará a las salas de cine.

Rocío, Ángela y Carlota no se han visto en las últimas tres décadas. Exactamente desde que terminaron sus estudios. Amigas inseparables hasta ese momento, el devenir de sus vidas las ha llevado a diferentes puntos. Aunque, a estas alturas del partido, tienen algo en común: a punto de cumplir cincuenta, sienten que la vida no ha salido como esperaban y que no han cumplido el sueño de ser madres. Durante una larga noche deciden poner solución a su situación. ¿Es demasiado tarde? ¿Y si encuentran al hombre ideal, se quedan embarazadas de él y forman una familia? Localizado el espécimen soñado, deben plantearle la gran pregunta: “¿te importaría prestarnos tres espermatozoides?”.

Producida por A Contracorriente Films, Álamo Producciones Audiovisuales, Tres en raya la película S.L. (Secuoya Studios) y Twin Freaks Studio, Tres cuenta con un elenco compuesto por Olivia Molina (La casa), Teresa Riott (Valeria), Aixa Villagrán (La virgen roja) y Maxi Iglesias (Matices). La cinta explora la complejidad de la amistad, el paso del tiempo y la maternidad, todo ello con un toque humorístico y fresco.

Tráiler y póster de ‘Wild Horse Nine’, dirigida por Martin McDonagh

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David Pérez "Davicine"

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21 marzo, 2026

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Tráiler y póster de 'Wild Horse Nine', dirigida por Martin McDonagh

Ya ha visto la luz tanto el tráiler como el póster de Wild Horse Nine, dirigida por el ganador del Óscar Martin McDonagh (Escondidos en Brujas, Siete psicópatas, Tres anuncios en las afueras, Almas en penas de Inisherin).

Poco antes del golpe de Estado chileno de 1973, los agentes de la CIA Chris (John Malkovich) y Lee (Sam Rockwell) son enviados desde Santiago a la Isla de Pascua por su jefe de oficina, MJ (Steve Buscemi). Entre las emblemáticas estatuas de la isla, y mientras los veteranos compañeros se enfrentan a sus oscuros pasados y a las conspiraciones del presente, el nuevo vínculo de Chris con dos estudiantes rebeldes (Mariana di Girolamo y Ailín Salas) amenaza con dar un giro inesperado al viaje de todos a este remoto paraíso.

Wild Horse Nine está protagonizada por el dos veces nominado al Óscar John Malkovich, el ganador del Óscar Sam Rockwell, Steve Buscemi, Mariana Di Girólamo, Ailín Salas, junto a Tom Waits y Parker Posey. Con guion de McDonagh, la película vuelve a reunir al guionista y director con Searchlight Pictures, Blueprint Pictures y Film4, tras su colaboración en Almas en penas de Inisherin, nominada a nueve premios Óscar, con Graham Broadbent, Pete Czernin, McDonagh y Anita Overland como productores.

La película de Searchlight Pictures se estrenará próximamente solo en cines.

Crítica de ‘La sonrisa del mal’: Abrazos que duelen

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Daniel Farriol

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21 marzo, 2026

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Crítica de 'La sonrisa del mal': Abrazos que duelen

Las críticas de Daniel Farriol:
La sonrisa del mal

La sonrisa del mal (La valle dei sorrisi en versión original, y con título internacional The Holy Boy) es un drama psicológico italiano con elementos fantásticos que está dirigido por Paolo Strippoli (La clásica historia de terror, Piove), quien coescribe el guion junto a Jacopo Del Giudice y Milo Tissone. Remis es un pequeño pueblo enclavado en un valle aislado en las montañas. Sus habitantes son excepcionalmente felices. Parece el destino perfecto para el nuevo profesor de educación física Sergio Rossetti, atormentado por un pasado misterioso. Al poco tiempo de llegar, el profesor descubre que tras esta aparente serenidad se esconde un ritual inquietante: una noche a la semana, los aldeanos se reúnen para abrazar a Matteo Corbin, un adolescente capaz de absorber el dolor ajeno. El intento de Sergio por salvar al joven despertará el lado oscuro de la comunidad.

Está protagonizada por Michele Riondino, Romana Maggiora Vergano, Giulio Feltri, Paolo Pierobon y Roberto Citran. La película se estrenó en España en el Festival de Sitges 2025 y también ha podido verse en Seminci 2025 dentro de las Proyecciones Especiales – Noche PUFA. La película se ha estrenado en salas de cine de España el 20 de marzo de 2026 de la mano de Alfa Pictures.

Dolor y gloria

La sonrisa del mal es una sorprendente incursión en el cine de terror que circunda el género a partir de lo que ocultan sus personajes. La historia nos presenta a Sergio Rossetti (Michele Riondino), un hombre que se traslada a un pequeño pueblo aislado en las montañas donde todos parecen felices. Sin embargo, él arrastra un dolor interno inmenso, un trauma del pasado que descubriremos más tarde y que le ha convertido en una persona arisca y desconfiada, con graves problemas de alcoholismo y autoestima. Al llegar al pueblo, asume su nuevo trabajo como profesor de educación física con desdén y completa desmotivación, nada parece llenarle en su día a día ni tampoco muestra ningún interés por sus alumnos, excepto por Matteo Corbin (Giulio Feltri), un adolescente introvertido al que todo el mundo trata distinto y por el que siente curiosidad.

Tras una desafortunada noche en el bar del pueblo que regenta Michela (Romana Maggiora Vergano), Sergio será llevado a una iglesia donde la gente acude en masa para sanar sus dolencias. Allí descubrirá cuál el verdadero secreto de «El valle de las sonrisas» (título original de la película en italiano). El cine de terror reciente ya nos ha demostrado en varias ocasiones que el trasfondo de las sonrisas forzadas puede ser aterrador, lo vimos en Smile (2022) y Smile 2 (2024) de Parker Finn, o en los ancianos de Mulholland Drive (David Lynch, 2001), por citar algunos ejemplos. En este caso, las sonrisas son una forma de eludir el sufrimiento y el sentimiento de pérdida que conlleva el devenir de cualquier existencia, pero lo que se envuelve de un aura mística y religiosa puede ocultar algo mucho más oscuro que tendrá consecuencias como las de cualquier pacto fáustico.

El terror emerge a través de lo cotidiano

El director italiano Paolo Strippoli a menudo comenta en sus entrevistas que no se siente un director de cine de terror aunque todas sus películas se acerquen al género de una forma u otra. En La sonrisa del mal se lo toma con calma, el ritmo es cauteloso y contemplativo al inicio, mostrando especial interés por desarrollar a sus personajes y el entorno en el que se desenvuelven para que así comprendamos mejor las motivaciones de cada uno, todo eso antes de acometer un tercer acto de género puro con imágenes que hielan la sangre.

En ese sentido, la narrativa de la película está mucho más cercana a las novelas de Stephen King o a las ficciones de Mike Flanagan, que al terror comercial que basa su impacto en los sustos. Strippoli genera el miedo a través de lo cotidiano, integrando lo fantástico de una manera armónica y subterránea en situaciones que de otra manera podían haber caído en el ridículo.

La sonrisa del mal tiene dos puntos de vista principales. Por un lado, el de Sergio, en cierta manera, el mismo que tiene el espectador. Junto a él descubriremos los secretos que albergan los habitantes del pueblo y nos plantearemos la misma reflexión: ¿si pudiéramos eliminar el dolor de nuestras vidas seríamos más felices o precisamente eso nos restaría humanidad? Esta parte de la película también puede verse como una crítica a las comunidades religiosas que operan como sectas y a la gente que busca en el refugio de la fe la solución a sus problemas, también plantea cuestiones acerca de la salud mental en la sociedad contemporánea. Muchos temas que se hilvanan con solvencia.

El «niño santo» con poderes demoníacos

El otro punto de vista es el de Matteo, un joven con «poderes» que se siente aislado y utilizado por los demás, cuya única manera de rebelarse es a través de la violencia aunque eso suponga perder lo que le hace especial. La subtrama del «niño santo» (traducción del título anglosajón que han dado al filme) es una suerte de coming of age que plantea cuestiones interesantes sobre la identidad sexual, la alienación social o el bullying escolar. Aunque algunas cuestiones parecen apartar demasiado la parte fantástica de la trama principal, Matteo tiene características que le emparentan con Carrie (Brian De Palma, 1976) o la Charlene de Ojos de fuego (Mark L. Lester, 1984).

En realidad, La sonrisa del mal es una rara avis dentro del género actual que se debate entre el drama social y el terror religioso sin decantarse del todo por ninguno, algo que puede restarle público. Por ejemplo, la relación que se entabla entre el profesor y el alumno está llena de ternura, pero puede suponer un escollo que impaciente a los amantes del terror, mientras que el horror explícito de la parte final puede incomodar a los interesados únicamente en el desarrollo dramático de la historia.

En definitiva, La sonrisa del mal es una sorpresa inesperada con una sugestiva mezcolanza de géneros que nos adentra en una historia iniciática desde la perspectiva del género fantástico. Entre los muchos temas que toca, de ahí su duración de 122 minutos, nos propone reflexionar sobre la aceptación del dolor, la pérdida y el sentimiento de culpa, como partes indivisibles de nuestras vidas.

¿Qué te ha parecido la película La sonrisa del mal? ¿Coincides con nuestra crítica?

Crítica de ‘Una hija en Tokio’: Un padre contra el tiempo y la ausencia

Por

Laura Zurita

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20 marzo, 2026

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Crítica de ‘Una hija en Tokio’: Un padre contra el tiempo y la ausencia

Las críticas de Laura Zurita:
Una hija en Tokio

Un conductor de taxi francés afincado en Tokio busca recuperar el vínculo con su hija, de la que fue separado tras su divorcio de una mujer japonesa. Un encuentro fortuito con una adolescente mestiza reabre una herida que nunca llegó a cerrarse.

Una hija en Tokio está escrita y dirigida por Guillaume Senez e interpretada por Romain Duris, Judith Cheml y Mei Cirne-Masuki. La película se estrena en España el 20 de marzo de 2026 de la mano de A Contracorriente Films.

Un pez fuera del agua

El comienzo de Una hija en Tokio introduce un elemento de extrañeza que actúa como puerta de entrada al conflicto: un hombre de fisonomía caucásica conduce un taxi por las calles de Tokio, se expresa en japonés con naturalidad y parece conocer la ciudad al dedillo. Esa imagen, en apariencia anecdótica, ya nos presenta a Jay en Tokio: la de alguien que pertenece y, sin embargo, permanece inevitablemente fuera.

Una hija en Tokio nos va desvelando la historia. Jay estuvo casado con una mujer japonesa, tuvo una hija con ella (Lily) y, tras la ruptura, la ha perdido, literalmente. La aparición de una adolescente mestiza, a la que Jay recoge en su taxi, introduce el elemento decisivo del relato. A partir de ese encuentro, la búsqueda toma un cariz progresivamente más y más problemático. Jay toma decisiones a veces extremas, mientras se enfrenta a un problema profundo y complejo: ¿existe la paternidad cuando los vínculos nunca llegaron a consolidarse?

La película se adentra en una realidad legal poco conocida en Occidente. En Japón, tras un divorcio, la custodia no suele ser compartida, sino que se concede en exclusiva a uno de los progenitores, conforme al Código Civil de Japón, normalmente la madre. El otro queda relegado a una posición prácticamente inexistente en la vida del menor, sin derecho a visitas, aun cuando deba seguir asumiendo obligaciones económicas como la pensión.

Una hija en Tokio aborda este marco desde una perspectiva claramente crítica. La legislación permite el borrado de uno de los progenitores, generando una fractura difícilmente reparable. La película apenas se detiene en explorar sus fundamentos o justificaciones (la estabilidad del menor, la evitación del conflicto) lo que provoca que el espectador la perciba casi exclusivamente como una maquinaria injusta. En este sentido, se echa en falta una mayor complejidad en el conflicto, apuntando apenas una reflexión sobre el modelo familiar que subyace a la norma. Lo que podría haber sido una denuncia centrada en lo legal se convierte en una reflexión más amplia sobre el significado del tiempo en las relaciones. La película sugiere que el verdadero drama no es solo la separación, sino el tiempo perdido: ese intervalo irrecuperable que imposibilita cualquier restitución plena. Cualquier desenlace estará marcado por el tiempo perdido.

Sensibilidad sin melodramatismo

Mientras Una hija en Tokio se queda en su trama principal, emociona de veras y late con fuerza e intensidad. Una trama secundaria con una madre francesa que ha sido privada de su hija introduce un contrapunto interesante —al evidenciar que la situación no responde únicamente a una cuestión de género—, pero su desarrollo resulta limitado y no termina de encajar plenamente en la estructura dramática.

La fotografía de Una hija en Tokio presenta la vida en Tokio mate y casi fría, con la ciudad como un espacio opaco, que, con mucha amabilidad deja a los extraños fuera. La banda sonora, utilizada con discreción, incluye momentos diegéticos, en los que nos acercamos a la dimensión emocional de los personajes a través de la música.

El trabajo de Romain Duris como Jay da en el blanco. Su interpretación tranquila refuerza la dimensión trágica del personaje. Jay es un hombre solitario, marcado por el paso del tiempo, cuya obstinación nace en su negativa aceptar la pérdida más que en la racionalidad. Se gana nuestra empatía por su constancia silenciosa, construida con coraje, que no con esperanza.

Una hija en Tokio cuenta su historia con sensibilidad, y un tono más reflexivo que melodramático. La película muestra su fuerza en la contención y en la lucidez con la que expone una realidad implacable en una reflexión sobre si todas las pérdidas pueden repararse. Y que, en ocasiones, el amor no basta para recuperar lo que el tiempo y las estructuras han decidido borrar.

**¿Qué te ha parecido la película Una hija en Tokio?**

Crítica de ‘Amarga Navidad’: Almodóvar y el agotamiento del artista

Por

Laura Zurita

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20 marzo, 2026

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Crítica de ‘Amarga Navidad’: Almodóvar y el agotamiento del artista

**Las críticas de Laura Zurita:
Amarga Navidad**

Elsa, directora de publicidad, atraviesa una crisis personal en pleno puente navideño tras la muerte de su madre. Su huida hacia el trabajo la sumerge en una vorágine de agotamiento y negación del duelo, hasta que una crisis de pánico la fuerza a detenerse. Decidida a recomponer su vida, emprende un viaje a Lanzarote con Patricia, su amiga, también abatida por tensiones emocionales, mientras su pareja, Bonifacio, queda en Madrid sosteniendo lo que parece un equilibrio frágil.

Pedro Almodóvar escribe y dirige Amarga Navidad. En su reparto encontramos a Bárbara Lennie y Leonardo Sbaraglia, junto con Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Patrick Criado, Milena Smit y Quim Gutiérrez, entre otros. La película se estrena en España el 20 de marzo de 2026 de la mano de Warner Bros.

Sello del autor

Es bien sabido que la figura de Pedro Almodóvar ocupa un lugar especial en el cine español. Ha construido un universo propio, reconocible en lo estético, lo temático y lo emocional, conjugando melodrama, ironía y una muy deliberada provocación, explorando con libertad cuestiones como el deseo y la identidad. ¿Cómo olvidar películas como Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), Todo sobre mi madre (1999), Volver (2006) y Dolor y gloria (2019)?

Las últimas películas del director han entrado en una etapa más melancólica y decadente. Así, Amarga Navidad es una película absolutamente almodovariana, más interesante en su ambición que redonda en su ejecución. Almodóvar cuida la estética hasta el menor detalle, privilegiando los encuadres simétricos, estáticos, con los personajes a menudo centrados frente a fondos que parecen cuadros en exposición.

La fotografía de Amarga Navidad es muy típica del autor. Los colores llenan la pantalla, en especial el rojo otoñal frente a verdes más sobrios, y disputan el protagonismo a los personajes. Los fuertes contrastes evocan una idea que atraviesa toda la obra: las contradicciones en la vida y en la escritura. Los interiores, grandes, cálidos y decorados como obras de arte, remiten a una elegancia casi obsesiva. El vestuario y el maquillaje, otros de los grandes aciertos, se sostienen en una estética minuciosamente medida. La piel y sus imperfecciones apenas se retocan, con gestos de descuido apenas perceptibles en maquillajes que aparenta espontaneidad pero que ha sido diseñado con precisión quirúrgica. Nada queda al azar, todo es deliberado y posee su propio relato, flotando sobre el argumento aparente.

Esta estética tan elaborada de Amarga Navidad no persigue el naturalismo, ni en el mundo creado ni en las interpretaciones. Los personajes no conversan como lo haría la gente común, habitan su propio y lujoso mundo y se perciben más como piezas de una fábula que como humanos de carne y hueso. Pedro Almodóvar rueda con gran cuidado formal, pero con distancia afectiva: es como si los personajes estuvieran allí porque la historia lo exige, no porque necesitemos conocerlos de verdad.

El núcleo narrativo de Amarga Navidad nos presenta a una mujer que lo tiene todo, o al menos eso parece. Un novio aparentemente perfecto, hermoso e insípido, todo calma y ternura, un trabajo muy rentable, una amiga con problemas de pareja y otra que arrastra un gran dolor. Todo ello, casi como piezas dispuestas sobre un tablero, conduce al retrato de una creadora que lucha contra sus demonios internos mientras escribe, con un somero maquillaje, sobre su vida y la de sus allegados.

Ese gesto, el de incorporar la vida de otros a la propia obra, transforma la película en un ensayo sobre el acto creativo. Escribir se convierte en una forma de canibalización emocional, una forma de apropiación de la vida propia y ajena.

Melancolía y nostalgia

Pero esa riqueza visual no siempre encuentra su correlato en la profundidad humana. Los personajes, más que personas, se presentan como conceptos: arquetipos que el guion emplea para explorar ideas más amplias sobre el duelo, la memoria y la escritura de uno mismo. Más adelante, la propia película revelará el porqué, adentrándose plenamente en su tesis central. Amarga Navidad alcanza su mejor momento en un diálogo sobre el arte, la creación y el dolor inherente a ese proceso. Se articula aquí una reflexión sobre los creadores que envejecen y son conscientes de su propia decadencia. Estos sentimientos se presentan de forma deliberadamente expositiva, generando reflexión más que emoción en el espectador. No es una película que busque conmover, sino ser contemplada y admirada, tanto que aburre un poco a base de abrumar.

La banda sonora de Amarga Navidad resuma melancolía y nostalgia, muy de acuerdo con el tono de la película. En particular, hay un número de una Chavela Vargas cerca del final de su carrera (en consonancia con el anuncio de la decadenica) que da lugar a uno de los pocos momentos de emoción de la película.

Amarga Navidad tiene un elenco plagado de grandes nombres, en particular Bárbara Lennie y Leonardo Sbaraglia. Son grandes actores y entregan con gran talento lo que el director les pide, solo que el guion no les da espacio para brillar. Como excepción, hay escenas en las que Carmen Machi o Amaia aportan algo de aire fresco.

En resumen, Amarga Navidad explora, con una estética impecable, un discurso intelectual sobre el dolor del envejecimiento, la escritura como forma de duelo y la inevitable mezcla de placer y crueldad que implica transformar la vida en relato. Es brillante en su imagen, interesante como reflexión, pero algo aburrida y confusa como relato.

**¿Qué te ha parecido la película Amarga Navidad?**

Vídeo avance de los estrenos de cine del 20 de marzo de 2026

Por

Boris M.

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20 marzo, 2026

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Vídeo avance de los estrenos de cine del 20 de marzo de 2026

Hoy, 20 de marzo de 2026, llegan todos los estrenos de cine de la semana, y nos decantamos por La sonrisa del mal (La valle dei sorrisi / The Holy Boy), un drama psicológico italiano con elementos fantásticos que está dirigido por Paolo Strippoli (La clásica historia de terror, Piove), que coescribe el guión junto a Jacopo Del Giudice y Milo Tissone protagonizado por Michele Riondino, Romana Maggiora Vergano, Giulio Feltri, Paolo Pierobon y Roberto Citran.

En La sonrisa del mal (La valle dei sorrisi / The Holy Boy), tras una desafortunada noche en el bar del pueblo que regenta Michela (Romana Maggiora Vergano), Sergio será llevado a una iglesia donde la gente acude en masa para sanar sus dolencias. Allí descubrirá cuál el verdadero secreto de «El valle de las sonrisas» (título original de la película en italiano).

Podéis leer la crítica de uno de nuestros colaboradores durante la última SEMINCI en la proyección en colaboración con PUFA (Pucela Fantástica) aquí.

A continuación os dejamos con los tráilers de los estrenos de cine de la semana que llegan a las salas hoy, 20 de marzo de 2026:

Estrenos de cine de la semana: 20 de marzo de 2026

Por

Boris M.

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20 marzo, 2026

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Estrenos de cine de la semana: 20 de marzo de 2026

Hoy, 20 de marzo de 2026, llega a las salas de cine la esperada última película de Pedro Almodóvar, Amarga Navidad, pero también curiosamente tenemos un par de películas de terror para los amantes del género como nosotros, entre otras opciones.

A continuación os dejamos con la lista de los estrenos de cine de la semana que llegan a las salas hoy, 20 de marzo de 2026:

Amarga Navidad

Título original: Amarga Navidad
Año: 2026
Duración: 111 min.
País: España
Dirección: Pedro Almodóvar
Guion: Pedro Almodóvar
Reparto: Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Milena Smit, Patrick Criado, Quim Gutiérrez, Carmen Machi, Rossy de Palma, Gloria Muñoz, Antonio Araque, Antonio Romero, Samuel López
Música: Alberto Iglesias
Fotografía: Pau Esteve Birba
Género: Drama, Navidad, Familia, Amistad, Maternidad

Elsa es una directora de publicidad cuya madre muere durante un largo puente del mes de diciembre. Encuentra refugio en el trabajo, aunque es más bien una huida hacia adelante. Trabaja sin parar y, sin darse cuenta, no se concede el tiempo necesario para guardar el duelo por la ausencia materna. Hasta que una crisis de pánico la obliga a detenerse e imponerse un descanso. Su pareja, Bonifacio, es su tabla de salvación en esos momentos de crisis. Elsa decide viajar a la isla de Lanzarote acompañada por su amiga Patricia, que también necesita alejarse de Madrid, mientras que Bonifacio se queda en la ciudad.

Elegir mi vida

Título original: Partir un jour
Año: 2025
Duración: 94 min.
País: Francia
Dirección: Amélie Bonnin
Guion: Amélie Bonnin, Dimitri Lucas
Reparto: Juliette Armanet, Bastien Bouillon, François Rollin, Tewfik Jallab, Dominique Blanc, Mhamed Arezki, Pierre-Antoine Billon, Amandine Dewasmes, Solal Lucas, Jean-Pierre Schlagg, Igor Kovalsky, Ludovic Berthillot, Eric Mariotto
Música: Keren Ann, Gonzales, Germain Izydorczyk, Theo Kaiser, Thomas Krameyer, Emma Prat, Pauline Rambeau de Baralon
Fotografía: David Cailley
Género: Musical, Comedia, Drama, Romance, Comedia dramática

Cécile está a punto de cumplir su gran sueño: abrir su propio restaurante. Sin embargo, una inesperada llamada la obliga a dejar todos sus sueños atrás y volver a su pueblo natal para cuidar a su padre enfermo. Allí, lejos del ritmo frenético de la ciudad, se reencuentra con su primer amor, lo que despierta en ella recuerdos dormidos y emociones que creía superadas. Mientras lucha entre sus deseos personales y las obligaciones familiares, Cécile debe replantearse lo que realmente quiere en la vida.

La sonrisa del mal

Título original: La valle dei sorrisi
Año: 2025
Duración: 122 min.
País: Italia
Dirección: Paolo Strippoli
Guion: Jacopo Del Giudice, Paolo Strippoli, Milo Tissone
Reparto: Michele Riondino, Giulio Feltri, Paolo Pierobon, Romana Maggiora Vergano, Roberto Citran, Sergio Romano, Anna Bellato, Sandra Toffolatti, Gabriele Benedetti, Diego Nardini
Música: Federico Bisozzi, Davide Tomat
Fotografía: Cristiano Di Nicola
Género: Drama, Terror, Posesiones / Exorcismos, Enseñanza, Vida rural

Remis es un pequeño pueblo enclavado en un valle aislado en las montañas. Sus habitantes son excepcionalmente felices. Parece el destino perfecto para el nuevo profesor de educación física Sergio Rossetti, atormentado por un pasado misterioso. Al poco tiempo de llegar, el profesor descubre que tras esta aparente serenidad se esconde un ritual inquietante: una noche a la semana, los aldeanos se reúnen para abrazar a Matteo Corbin, un adolescente capaz de absorber el dolor ajeno. El intento de Sergio por salvar al joven despertará el lado oscuro de la comunidad.

Tafiti y sus amigos

Título original: Tafiti – Ab durch die Wüste
Año: 2025
Duración: 81 min.
País: Alemania
Dirección: Nina Wels, Timo Berg
Guion: Julia Boehme, Nicholas Hause
Reparto: Cosima Henman, Voz, Steve Hudson, Voz, Dela Dabulamanzi, Voz, Kathleen Renish, Voz,
Música: Carsten Rocker
Género: Animación, Aventuras, Comedia, Animales, Cine familiar

Cuando Tafiti, una joven suricata, conoce a Bristles, el cerdo salvaje, sabe que no pueden ser amigos. Pero cuando Bristles es atacado por un águila, es Tafiti quien corre a rescatarlo. En busca desesperada de un amigo, el divertido cerdo salvaje sigue a Tafiti a su casa, provocando sin querer un desafortunado accidente: el abuelo de Tafiti es mordido por una serpiente venenosa mortal. Sólo una mítica flor del desierto podrá salvarlo. Tafiti emprende un peligroso viaje para encontrar la flor, convencido de que debe hacerlo sola.

Una hija en Tokio

Título original: Une part manquante
Año: 2024
Duración: 98 min.
País: Francia
Dirección: Guillaume Senez
Guion: Guillaume Senez, Jean Denizot
Reparto: Romain Duris, Judith Chemla, Mei Cirne-Masuki, Tsuyu Shimizu, Shungiku Uchida, Yumi Narita, Patrick Descamps, Shinnosuke Abe, Morio Agata, Toshihiro Yashiba, Eriko Takeda, Masayuki Shida, Hajime Inoue
Música: Olivier Marguerit
Fotografía: Elin Kirschfink
Género: Drama, Familia, Paternidad

Jay es un taxista que ha pasado 13 años en Japón y recorre las calles de Tokio cada noche mientras carga con la ausencia de su hija, Lily, a quien no ha visto en casi una década. Después de una dolorosa separación, Jay perdió el derecho a la custodia compartida y, tras años de búsqueda sin éxito, se ha vuelto a Francia. Sin embargo, justo cuando está a punto de abandonar el país y su esperanza, un encuentro inesperado sucede: una noche, Lily sube a su taxi, dándole a Jay una oportunidad inesperada de reencontrarse con su hija.

Whistle: El silbido del mal

Título original: Whistle
Año: 2025
Duración: 85 min.
País: Canadá
Dirección: Corin Hardy
Guion: Owen Egerton
Reparto: Dafne Keen, Sophie Nélisse, Nick Frost, Percy Hynes White, Sky Yang, Alissa Skovbye, Lanette Ware, Mika Amonsen, Stephen Kalyn, Ruth Chiang, Julia Dyan, Jhaleil Swaby, Clayton Scott
Música: Doomphonic
Fotografía: Björn Charpentier
Género: Terror, Slasher, Sobrenatural, Terror adolescente

Un grupo de estudiantes inadaptados encuentra accidentalmente un antiguo silbato azteca maldito. Al soplarlo, liberan un terrorífico sonido que invoca sus futuras muertes, convirtiéndose en presas de un destino mortal. A medida que las víctimas se multiplican, los amigos luchan contra el miedo y la desesperación para descubrir el origen del artefacto y detener la cadena de sucesos macabros que han desatado, enfrentándose a fuerzas sobrenaturales que desafían toda lógica y ponen a prueba su valor y su amistad.

Your Name.

Título original: Kimi no Na wa. (Your Name.)
Año: 2016
Duración: 106 min.
País: Japón
Dirección: Makoto Shinkai
Guion: Makoto Shinkai
Música: Radwimps
Fotografía: Makoto Shinkai
Género: Animación, Drama, Romance, Fantástico, Drama romántico, Adolescencia, Viajes en el tiempo, Película de culto

La joven Mitsuha vive en un pequeño pueblecito entre las montañas. Sin muchas sorpresas ni demasiadas emociones, la adolescente tiene un par de amigos, además de a su hermana pequeña, su abuela y su padre, con el que tiene una relación algo distante. La única expectación un poco emocionante es el cometa Tiamat, que está pasando cerca de la Tierra y por unos días será visible a simple vista. Pero un día despierta y descubre con asombro que no reconoce su cuerpo, y piensa que se trata de un extraño sueño. Pero no es así: se encuentra dentro del cuerpo de un chico, concretamente de Taki, un joven estudiante de bachillerato de la gran ciudad de Tokio. A Taki le sucederá lo mismo, y es Mitsuha la que se intercambia con él. Metidos dentro de un cuerpo que les resulta tan extraño, poco a poco, los dos jóvenes empiezan a comunicarse y, torpemente, van superando los retos que se presentan en ambas vidas. De esta forma, el vínculo que tienen se convierte en algo más. Lo que no saben es que algo inesperado está a punto de ser revelado.

‘Sisu: Camino a la venganza’: Reportaje fotográfico y detalles del steelbook 4K UHD + Blu-ray

Por

David Pérez "Davicine"

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19 marzo, 2026

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'Sisu: Camino a la venganza': Reportaje fotográfico y detalles del steelbook 4K UHD + Blu-ray

El hombre más peligroso del norte ¡ha vuelto! Sisu: Camino a la venganza ya ha salido a la venta en DVD, Blu-ray, 4K Ultra HD y una edición metálica limitada. Y si queréis más acción y adrenalina podéis haceros ya con el pack de las dos películas en DVD y Blu-ray. Con motivo de su reciente lanzamiento, os dejamos todos los detalles y un reportaje fotográfico del steelbook gracias a Arvi Licensing.

La película

La trepidante película de acción Sisu: Camino a la venganza, secuela de la exitosa SISU, dirigida y escrita por Jalmari Helander (SISU, Rare Exports: Un cuento gamberro de Navidad, Big Game), se estrenó en cines el pasado mes de noviembre de la mano de Sony Pictures.

Al regresar a la casa donde su familia fue brutalmente asesinada durante la guerra, «el hombre que se niega a morir» (Jorma Tommila) la desmantela, la carga en un camión y se propone reconstruirla en un lugar seguro en honor a ellos. Cuando el comandante del Ejército Rojo, que mató a su familia (Stephen Lang, de No respires), regresa empeñado en terminar el trabajo, se produce una implacable y espectacular persecución a través del país, una lucha a muerte llena de escenas de acción increíbles e ingeniosas.

Sisu: Camino a la venganza está protagonizada por Jorma Tommila (SISU, Rare Exports: Un cuento gamberro de Navidad), Richard Brake (Doom, Kingsman) y Stephen Lang (Avatar: El sentido del agua, No respires), entre otros.

Hazte con ella:

Podéis haceros con Sisu: Camino a la venganza en 4K UHD + Blu-ray aquí.

La edición steelbook de Sisu: Camino a la venganza

La edición 4K UHD de Sisu: Camino a la venganza en caja metálica Steelbook luce un diseño llamativo y original respetando el póster de la película para extraer esa imagen como reclamo en la portada, mientras que la contraportada nos presenta a los dos personajes principales enfrentados cara a cara, con una imagen representativa de la película.

El formato de los discos que incluye está indicado en la parte frontal del papel que acompaña al Steelbook, en cuya parte trasera se incluye la sinopsis, detalles técnicos y artísticos, y una imagen de la película.

El interior del Steelbook está ilustrado con una imagen promocional con el protagonista de la película armado hasta los dientes, albergando los discos, tanto 4K UHD como Blu-ray, serigrafiados con imágenes diferentes.

Imagen y sonido:

Características técnicas 4K UHD:

Audio: Castellano, Inglés, Italiano, Alemán DTS-HD Master Audio 5.1; Inglés Dolby Atmos (7.1 Compatible); Servidio de audiodescripción en inglés Dolby Digital 5.1.
Subtítulos: Castellano, Portugués, Inglés, Inglés para sordos, Francés, Alemán, Italiano, Turco y Árabe.
Pantalla: Película en Ultra Alta Definición en pantalla ancha (2.39:1).
Duración: 89 minutos.

Características técnicas Blu-ray:

Audio: Castellano y Servicio de Audiodescripción en Inglés Dolby Digital 5.1; Inglés, Francés, Alemán e Italiano DTS-HD Master Audio 5.1.
Subtítulos: Castellano, Portugués, Inglés, Inglés para sordos, Francés, Alemán, Italiano, Árabe y Turco.
Pantalla: Película en Alta Definición en pantalla ancha (2.39:1).
Duración: 89 minutos.

Contenido adicional:

Esta edición 4K UHD + Blu-ray de Sisu: Camino a la venganza en edición metálica incluye bastantes contenidos adicionales:

Subiendo la apuesta (3:03 min.). A modo de tráiler, tenemos una selección de los momentos más destacados de la película y algunas entrevistas breves intercaladas.
Escena eliminada (00:41 min.). Final alternativo.