Las crónicas de Laura Zurita
en el 64 Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón:
Fantasía de los orígenes, las promesas incumplidas y culpas de nadie
Chica y lobo (Roc Espinet, 2026)
En una aldea medieval amenazada por los lobos que habitan los bosques cercanos, Paula, una adolescente tímida e insegura, vive marcada por el rechazo y las humillaciones de quienes la rodean. La aparición de una ancestral manada de lobos, enfrentada desde hace generaciones a los seres humanos, altera su existencia y la conduce a un viaje de descubrimiento personal.
Entre cazadores, espíritus salvajes, conflictos entre humanos y animales y una mitología propia, Paula tendrá que enfrentarse a los traumas de su infancia y descubrir una parte de sí misma que permanecía oculta. Una historia de iniciación en la que la protagonista deberá reconciliarse con su naturaleza y aceptar su identidad.
Dirección y creación original: Roc Espinet. Guion: Xavier Manuel. Voces protagonistas: Anna Castillo y David Verdaguer.
Chica y lobo nace de una novela gráfica del propio Roc Espinet. La adaptación al cine ha supuesto un largo proceso de desarrollo, con numerosas revisiones del guion y una compleja traducción del lenguaje gráfico de la novela al movimiento de la animación. Es, por tanto, un proyecto que ha acompañado a su autor durante quince años.
Hay algo de declaración de amor al cine de animación de otra época en Chica y lobo. Roc Espinet reconoce su admiración por Hayao Miyazaki y el universo de Studio Ghibli, especialmente por películas como La princesa Mononoke. Esa influencia se aprecia tanto en la relación entre los seres humanos y la naturaleza como en la construcción de un mundo fantástico donde los animales, los espíritus y las fuerzas naturales poseen una entidad propia.
El director reivindica una manera de entender la animación que no depende necesariamente de la perfección técnica. En su aproximación hay nostalgia por una animación más artesanal, con cierto aire vintage, y una disposición a aceptar pequeñas imperfecciones y accidentes del dibujo. No todo tiene que ser absolutamente pulido ni responder a una uniformidad visual. Es una postura interesante en un momento en el que buena parte de la animación comercial parece perseguir una limpieza y una perfección digital casi industrial.
También resulta significativo el universo medieval elegido para desarrollar la historia. No se trata únicamente de una decisión estética. El medievo permite imaginar un mundo menos tecnológico, más próximo a la naturaleza y donde las relaciones entre las personas, los animales y el entorno adquieren una dimensión más directa. La época funciona, además, como un territorio mítico, suficientemente alejado de nuestro presente para construir una mitología propia sin necesidad de explicar constantemente sus reglas desde parámetros contemporáneos.
Chica y lobo cuenta una historia completa dentro de ese universo. No se limita a utilizar la fantasía como decorado, sino que construye una mitología que acompaña el conflicto emocional de la protagonista. La transformación de Paula está relacionada con una herida de infancia que ha condicionado su personalidad y la ha alejado de su verdadera identidad. El encuentro con los lobos actúa como catalizador de un proceso de reconocimiento y aceptación de sí misma.
Su principal atractivo reside precisamente en la personalidad de ese universo visual y mitológico. Resulta estimulante que una producción española apueste por la animación tradicional y por una fantasía con identidad propia.
I See Buildings Fall Like Lightning (Clio Barnard, 2026)
Patrick, Shiv, Rian, Oli y Conor son cinco amigos que crecieron juntos en un barrio obrero de Birmingham. Compartieron infancia, juegos, colegios y sueños de futuro. Ahora, cuando se acercan a los treinta años, descubren que sus vidas han tomado caminos muy diferentes y que buena parte de aquellas expectativas juveniles se han quedado por el camino.
Rian ha conseguido enriquecerse y escapar de las dificultades económicas de su entorno, aunque el dinero no le ha permitido desprenderse de su pasado. Patrick, por el contrario, trabaja como repartidor de comida en bicicleta, mientras intenta sostener su vida familiar junto a Shiv. Conor espera un hijo y busca una salida económica a través de un proyecto empresarial. Oli, siempre dispuesto a disfrutar de la vida, parece avanzar hacia una situación cada vez más autodestructiva.
La película retrata las diferencias entre quienes compartieron un mismo origen y las distintas posibilidades que la vida les ha ofrecido. Una historia sobre la amistad, la desigualdad social, la memoria y la dificultad de escapar del lugar del que uno procede.
I See Buildings Fall Like Lightning está dirigida por Clio Barnard sobre un guion de Enda Walsh, basado en la novela homónima de Keiran Goddard. En el reparto encontramos a Anthony Boyle, Joe Cole, Jay Lycurgo, Daryl McCormack, Lola Petticrew y Millie Brady. La película tuvo su estreno mundial en la Quincena de Realizadores de Cannes 2026, donde obtuvo el premio del público.
La película construye un retrato coral de cinco amigos que, pese a conocerse desde niños, han terminado ocupando posiciones muy diferentes en la sociedad. Plantea una idea interesante, que compartir un origen no significa compartir un destino. Los cinco personajes proceden del mismo barrio, pero sus trayectorias han ido divergiendo. Uno ha conseguido acumular dinero y escapar de las limitaciones económicas de su entorno; otros continúan atrapados en trabajos precarios, dificultades familiares y expectativas que nunca llegaron a cumplirse.
La situación de Patrick resulta especialmente significativa. Su vida actual parece bastante alejada de las expectativas que pudo tener cuando era joven. Trabaja repartiendo comida en bicicleta, sostiene una familia con dificultades y vive en un entorno económico muy precario. Frente a él está Rian, cuya riqueza le proporciona una protección material que los demás no tienen. Sin embargo, Barnard no convierte esta diferencia en una oposición simplista entre el rico y los pobres: el dinero puede proteger de determinadas dificultades, pero no necesariamente resuelve las heridas personales ni permite escapar de la memoria.
Uno de los aspectos más interesantes de I See Buildings Fall Like Lightning es precisamente la manera en que observa las pequeñas contradicciones de sus personajes. Nadie está completamente desprovisto de cualidades, afectos o posibilidades. Incluso en las vidas más difíciles hay momentos de dignidad, humor y generosidad. Y tampoco la riqueza aparece como una solución definitiva a los problemas de la existencia.
El reparto consigue transmitir la familiaridad de unos personajes que llevan conociéndose toda la vida, algo fundamental para que funcionen los silencios, las discusiones y las tensiones acumuladas. No estamos ante cinco desconocidos que se encuentran para contar sus problemas, sino ante personas que comparten una historia anterior a la película y que se conocen demasiado bien como para esconderse completamente unas de otras.
Hay, además, un discurso particularmente significativo sobre el hogar y el lugar de procedencia. La intervención de Patrick sobre el privilegio de tener un hogar concentra buena parte de las intenciones de la película: el hogar no es solamente un espacio físico, sino también una condición social, económica y emocional. No todos pueden permitirse permanecer en él, abandonarlo o regresar cuando lo necesitan.
I See Buildings Fall Like Lightning está bien interpretada y su mirada sobre las diferencias de clase resulta pertinente, pero no tengo la impresión de que aporte una perspectiva especialmente novedosa sobre este territorio cinematográfico. Hemos visto bastantes películas que han explorado las frustraciones de la clase trabajadora británica, las dificultades para escapar del entorno de origen y la distancia entre las aspiraciones juveniles y la realidad adulta.
En ocasiones, sin embargo, el discurso social resulta demasiado explícito y algunas intervenciones parecen destinadas a subrayar lo que las imágenes y las situaciones ya habían explicado. El gran parlamento sobre el hogar, por ejemplo, tiene fuerza y está bien interpretado, pero también concentra de manera muy evidente el mensaje que la película quiere transmitir.
En definitiva, I See Buildings Fall Like Lightning es un drama coral sólido, con buenas interpretaciones y una mirada humana sobre la desigualdad y la amistad. Su mérito está en la observación de los personajes y en la credibilidad de sus relaciones, más que en la originalidad de su planteamiento. Es una película que funciona y emociona, aunque no necesariamente descubre un territorio nuevo.
Heysel 85 (Teodora Ana Mihai)
Bruselas, 29 de mayo de 1985, final de la Copa de Europa entre Juventus y Liverpool. Marie, hija y jefa de prensa del alcalde de Bruselas, asiste al partido con sus padres. También está Luca Rossi, periodista que cubre el encuentro para la televisión italiana, acompañado de familiares llegados de Italia. Antes del pitido inicial el desorden se desborda, decenas de personas mueren y se impone el caos.
Heysel 85 está dirigida por Teodora Ana Mihai, quien elabora el guion junto con Teodora Ana Mihai, Lode Desmet e Isabelle Darras. En el reparto encontramos a Violet Braeckman, Matteo Simoni, Josse De Pauw, Ben Segers y Fabrizio Rongione
Sobre el horror de Heysel ya hay documentales en los que esta película puede basarse. Entre ellos, The Heysel Tragedy (Jan Verheyen y Jean-Philippe Leclaire, 2022), concebida como serie, y Heysel 1985 – Dans l’enfer de la foule, de Christophe Hermans. En lugar de volver a reconstruir los hechos desde fuera, Heysel 85 nos pone dentro con alguien que vive los acontecimientos sin estar en el lugar donde se produce la muerte en el momento en que ocurre.
El grano de la película, con 16 mm, funciona para acompañar las imágenes documentales. La textura granulada se empareja bien con el material de archivo borroso. Se mezcla con ellas sin que se note la costura. Vemos la incertidumbre, las advertencias, el caos y la actitud de las autoridades. Recordemos que en Bélgica este es un un día de luto, algo parecido a lo que las Torres Gemelas fueron para Estados Unidos.
Heysel 85 también nos ayuda a entender algunas causas del desastre, como el comportamiento de los Hooligans, las entradas falsas y la falta de coordinación institucional. Enseña el horror y el miedo, pero también el terrible cinismo con el que, al final, los hechos se reducen a cuentas. Durante casi todo el metraje es tranquila y calmada, y deja la sentimentalidad fuera. La película respeta lo ocurrido y no busca la lágrima fácil. Su mayor virtud es la tranquilidad de la narración, porque la frialdad con que se mueven las instituciones resulta más inquietante al verse al desnudo.
Heysel 85 acierta al contar el desastre como un fallo de instituciones y no como una historia de hooligans. Mihai viene del documental y trata la catástrofe como un estudio del colapso institucional y del instinto de autoprotección del poder político. Eso la distingue de los documentales previos y justifica el formato elegido.
Dieciséis momentos de mi vida (Albert Serra)
Ingrid Caven ofrece un concierto de una sola noche, en 2025, en el gran Théâtre des Bouffes du Nord de París. Interpreta dieciséis canciones autobiográficas en alemán y francés, acompañada por la banda electrónica catalana Molforts.
Dirección: Albert Serra. Reparto: Ingrid Caven y Molforts.
El gran trabajo de Serra en Dieciséis momentos de mi vida está en la posproducción. El concierto se planteó para funcionar bien como concierto, y después llega el proceso de posproducción, donde juega con los arreglos para construir un marco que funcione igual de bien en la pantalla. El resultado es una atmósfera muy atractiva e íntima, con colores saturados que envuelven a la cantante.
Caven tenía 86 años en ese momento, pero en la pantalla solo vemos su energía y su presencia. Al cantar momentos de su vida, la actriz transmite cercanía y también confianza. No hay un instante concreto en el que ocurra: es toda la actuación la que se muestra cercana e intensa. Además, se siente el diálogo creativo con los músicos.
La música no es convencional, y la película se comunica a través de ese lenguaje de modo que puede resultar dura de ver si el espectador no conecta con ese género.
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